Une exposition de peintures des artistes venus travailler et vivre à Saint-Jacut-de-la-Mer de janvier à mars 2025. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été produites pendant la résidence.

L’exposition explore les frontières entre le visible et l’invisible. Une rencontre entre deux visions distinctes mais complémentaires de l’imaginaire : l’une qui sanctifie le quotidien et l’autre qui nous plonge dans l’invisible.

Clémence Bruno est diplômée de l’école des beaux-arts de Marseille en 2024, où elle vit et travaille. Durant sa résidence, elle s’intéresse à la figure de Marie-Madeleine et ses interprétations multiples (pécheresse repentie, amie proche du Christ) et comme figure mystique et symbolique dans l’histoire religieuse et artistique. Elle réinterprète son image en interrogeant la figure du double. Ses peintures revisitent les sujets de l’histoire de l’art et les traitent avec décalage et humour. Clémence développe une série de peintures durant sa résidence, où elle choisit de « faire pleurer les garçons ». En lien avec Marie-Madeleine et comme un pied de nez à l’histoire de l’art, elle montre la vulnérabilité masculine. Sa peinture figurative renvoie aux codes historiques de la représentation augmentée d’une dimension personnelle et contemporaine.

Vincent Girard est diplômé de l’école des beaux-arts de Caen en 2021, il vit et travaille à Rennes. La peinture de Vincent Girard est imprégnée de ses recherches historiques et de son appréhension des paysages de Saint-Jacut-de-la-Mer et des alentours. Le mystère qui se dégage de ses peintures, accentué par les lumières étranges, les apparitions et l’atmosphère, renvoie à l’univers du fantastique. Il puise aussi son inspiration dans le folklore, un terreau riche en mythes et légendes, mais aussi dans les peintures de paysages des peintres bretons. Ses peintures sont un pont entre le passé, les lieux mythiques et l’imaginaire collectif.

Février 2025

François Ravard est auteur, illustrateur et aquarelliste. Il collabore avec de nombreuses maisons d’édition comme Flammarion, Gallimard, Casterman, Fluide Glacial et Futuropolis et magazines. Il a publié une quarantaine de bandes dessinées et d’albums jeunesse. Son plus récent, “Sur le chemin de Reinette” est paru en 2024. François Ravard vit à Dinard depuis 2012. Ses recueils de dessins poétiques “Pas un jour sans soleil” (2018) et “Vague d’amour” (2021) publiés aux éditions Glénat, témoignent de son amour pour le littoral de la région.

Pour Cédric WITTEBOLLE, lauréat 2024 du Grand Prix de sculpture, le bois raconte une histoire, riche des essences, des couleurs, des contrastes, mais aussi des fibres, des fragilités, des blessures du temps.

« Je délimite, je fracture, j’incise, je carbonise, je peins…
Je plonge dans l’écriture organique du bois que j’hybride, avec douceur ou violence, à mon imagination. Je dialogue avec les courbes, les volumes, les aspérités et les couleurs, pour régénérer un être, un paysage, une pensée… un état d’âme. »

À l’étage, nous vous invitons à (re)découvrir la vie et le travail du sculpteur Roger JONCOURT (1932-2023). Depuis des années, ses œuvres prennent une place particulière dans la vie des Landivisiens : le cheval évidemment, mais aussi la statue de Xavier Grall ou la fontaine, près de la bibliothèque. Roger Joncourt a été le cofondateur du Salon de Sculpture. Avec la complicité de son fils Loïc, nous avons souhaité lui rendre hommage. Sculptures, croquis, articles de presse, anecdotes, reconstitutions apportent un nouveau regard sur son parcours. Exposition réalisée par l’Agence Violaine Pierret, Morlaix.

A selection of works from the Frac Bretagne and Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine collections

Combining the themes of Dehors! (the commune’s cultural program) and marine animals (the subject of work at the La Vigie municipal school), the exhibition of works from the collections of Frac Bretagne and the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine offers a combination of fascinating artistic proposals.

Admirable and astonishing things, people from the abyss or creatures from daydreams, space inside or outside, silences and sound effects, all ingredients come together to build a fabulous world.

Inspired by picture books or scientific research, or created from scratch by an overflowing imagination, the artists’ proposals invite us to plunge into a fantastic universe that tilts us into a parallel world.

To rebuild the world, consolidate life or re-enchant it, the works propose alternatives, towards a lost paradise, rediscovered!

Depuis 1997, Gaëlle Callac écrit, dessine, colle et découpe, photographie, filme. Abécédaire, trèfle à quatre feuilles, pages de titres, saynètes. Il y a chez elle une alchimie de la collecte, socle de ses images. Depuis 2014, Ilann Vogt tisse à la main des textes découpés en lamelles pour réaliser des oeuvres uniques inspirées de la nature du texte originel. Si les pages sont lacérées, les mots conservent toujours leur intégrité.

A selection of works from the Frac Bretagne and Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine collections

Does talking about the sea when you live on the coast produce the same message as when you’re there temporarily on vacation?
Do vacations by the sea, with my brother, my sister, my mother, have the same flavor as a daily life lived on the coast?
This is the question raised by the theme of this exhibition, like a challenge to the works.
Through a multi-faceted selection of sculptures and installations, drawings, paintings, films and photographs, works from the collections of the Frac Bretagne and the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine, invite us to reflect on how we write the story of our lives.
From gentle sunsets under Sugar and Cream to introspective moments of meditation on the course of things, from mad surfing sessions to long, leisurely strolls along the “chemin des douaniers”, life by the sea is a mix of unforgettable memories and simple moments of bliss.
From the top of an observatory or low on the sand, the story is there, accessible to everyone, within reach of experience, ready to emerge from our simplest and wildest feelings.

Get out your pens and smartphones! Start writing postcards and other text messages, and let your inspiration flow from your visit to this travel exhibition.

It’s a political, vital intranquillity that drives me in an attempt to keep the Earth from rotating. In this title, taken from the text Dans le sommeil d’un nouveau-né (In the sleep of a newborn baby) that Laura Vazquez composed for the exhibition, I feel an injunction to act: wake up, don’t close your eyes. There’s no time. No time to let history be written without me, without us. The origin of this exhibition lies in the observation of a missing voice, of absent representations, of the gap and the collective lapse of memory. And it’s the shared desire to see it as a space for fiction with real potential. Here, the stories of minority communities, often erased or invisibilized by dominant narratives, are reinvested through works that breathe new life into silent voices.

Rewriting, parody and sampling offer a vast field for experimentation and play. These practices of image or gesture production invite us to trick dominant or normative narratives into saying what they don’t say in the first place. By attacking myths in particular, the artists create new worlds on ground that has been ploughed a thousand times over. Or sometimes, they invent entirely new ones. They hybridize dominant figures with marginalized histories to generate counter-spaces for resistance and transformation.

The motif of loss –as well as of fragment– persists at the very heart. History is fragmented, and memory partial. The exhibition invites us to trace links between past and present, and to embrace forgetfulness with open arms, as catalysts of imaginaries and virtualities. A temporal collision that is essential for releasing new perspectives and creating the tidal wave that will allow us to start all over again.

This exhibition takes place in two locations, at almost the same time, with the same artists. It sets out a principle of experimentation, reaffirming that the exhibition as form and discourse is a space for testing. It invites the public to mentally rearrange each of the two proposals as they wish, and to consider the variants as potential trajectories.

By putting marginalized voices back at the center, by giving strength and autonomy to their discourses, particularly through works that propose protocols to be appropriated and reproduced by oneself, the exhibition reminds the public of its power and its potential to act, as a producer of knowledge, memories and representations beyond institutional spaces. It calls for a redefinition of the collective memory to pave the way for futures to be written.

Karin Schlageter

The exhibition takes place at 40mcube (Rennes) and at Mécènes du Sud (Montpellier)
40mcube – 48, avenue Sergent Maginot – 35000 Rennes – Exhibition: February 1st – April 12, 2025
Mécènes du Sud – 13, rue des Balances – 34000 Montpellier – February 13 – May 10, 2025

¡Viva Villa!

¡Viva Villa! is the event for French artistic residencies abroad. This innovative program is the result of collaboration between Casa de Velázquez (Madrid, Spain), Villa Albertine (USA), Villa Kujoyama (Kyoto, Japan) and Villa Medici (Rome, Italy).

Born in 2016 as a festival, ¡Viva Villa! has evolved into a real launching platform for artists, promoting networking and enhancing their post-residency careers. Since 2023, ¡Viva Villa! has supported the production and dissemination of contemporary art through a nationwide program of events. Through this program of support for contemporary artistic production and diffusion, ¡Viva Villa! co-produces cultural events that showcase artists’ careers after their residencies.

For the 2024-2025 season, ¡Viva Villa! is rolling out across France with 13 events involving over 80 artists who have spent time in one of the four residencies abroad. Alongside this program, each year the Gaîté Lyrique in Paris hosts a major professional event bringing together artists and researchers from the four residencies.

With the support of the Ministry of Culture, the Ministry of Europe and Foreign Affairs, the Ministry of Higher Education and Research, the Académie des Beaux-Arts, the Région Sud, the Institut français, the Fondation Bettencourt Schueller, the Fondation Roederer and Ardian.

Des fleurs sont envoyées chaque semaine accompagnées d’une carte sur laquelle est écrit « Félicitations ». Une réactivation de Congratulations (1995) de l’artiste états-unien Ben Kinmont dans le hall d’accueil de la bibliothèque universitaire centrale.

En 2016, le travail de Ben Kinmont a fait l’objet d’une double exposition à la galerie art & essai (commissariat Master Métiers et arts de l’exposition) et au Cabinet du livre d’artiste de l’université Rennes 2, suivie d’une acquisition de deux archives par le Frac Bretagne (Bed Service, 1994 et Catalytic Texts Box, 2016). En 2025, la galerie art & essai célèbre ses 40 ans d’existence, en revenant sur son premier lieu d’exposition : le hall d’accueil de la bibliothèque universitaire et revisite son histoire à travers ses archives conservées au Frac Bretagne. La réactivation de Congratulations (1995) dans le hall d’accueil de la bibliothèque dont les félicitations sont adressées en premier lieu aux usager·ères et personnels de la bibliothèque mais aussi aux visiteur·ses de la galerie affranchie de ses murs est l’occasion de réactiver ces histoires multiples dans un contexte d’extrême fragilisation économique des biens collectifs et de réinvention nécessaire des rapports interpersonnels.

Ben Kinmont

Né en 1963 à Burlington dans le Vermont, Ben Kinmont est un artiste états-unien, éditeur (Antinomian Press) et libraire spécialisé dans les livres anciens sur la gastronomie et l’économie domestique (Ben Kinmont Bookseller). Il vit et travaille à Sébastopol en Californie.

Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques et collectives dans des institutions au rayonnement international (Documenta 11, Kassel ; Institute of Contemporary Art, Londres ; Centre Pompidou, Paris ; SFMOMA, San Francisco…), mais invitant le plus souvent les spectateur·ices à en sortir et à porter attention aux marges, par la mise en circulation d’éditions autonomes et d’actions partagées. À la fois dedans et en dehors, sa position singulière dans le champ de l’art contemporain est nourrie par la pensée anarchiste des antinomiens anglais du 17^e siècle et la contre-culture californienne des années 1970 dans laquelle il grandit, lui permettant d’interroger les modes de subsistance et d’existence libre et autonome dans une économie capitaliste.

Au cœur des décennies 1980–1990, Philippe Thomas choisit d’investir le champ de l’art pour expérimenter une fiction du faire dont l’enjeu est double : réviser le statut et l’identité de l’auteur·e en interrogeant la dimension discursive de l’œuvre d’art. Nourrie de la lecture de textes émanant du champ des sciences humaines et sociales, comme de références artistiques, littéraires ou cinématographiques, la démarche de Philippe Thomas s’appuie sur une pratique de la citation qui envahit tant l’œuvre que ses marges. Dans le Hall Faulkner de la BU Centrale, la galerie art & essai reconstitue la bibliothèque de Philippe Thomas à partir des collections de la bibliothèque universitaire. Organisée autour d’une œuvre emblématique de Philippe Thomas, cette bibliothèque incomplète compose un cabinet de lectures à réactiver pour une histoire de l’art [qui] cherche des personnages. 

Artiste français né en 1951, Philippe Thomas décède en 1995 des suites du SIDA. En 1977, il choisit le monde de l’art comme terrain de jeu pour produire une œuvre qui organise la disparition de son nom en tant qu’auteur. Après avoir participé à la fondation du collectif Information Fiction Publicité avec Jean-François Brun et Dominique Pasqualini (1983-1985), il imagine le projet du Fictionnalisme, qui jette les bases de son protocole de travail en collaboration. Désormais, chacun de ses projets sera signé par un·e collectionneur·euse qui, par cette transaction financière, accepte d’en assumer la responsabilité auctoriale. Dès 1987, Philippe Thomas met en œuvre ce principe via son agence les ready-made appartiennent à tout le monde®, qui comptera une soixantaine de signataires, avant sa fermeture en 1993-1994.

Exposition de restitution de fin de résidence artistique à La Grange de Fanny Latgé

Dans leur cocon de papier peint

Les affections se libèrent

S’enhardissent et rugissent

Domestiquées redeviennent fauves

Et ruissellent sur les pavés détrempés

Les placards s’entrouvrent

Les reines s’engouffrent dans les brèches

Et font tout voler aux éclats

Fanny Latgé

J’ai imaginé cette exposition comme un voyage, une plongée dans une mer fantasmagorique. L’ensemble des pièces crée un paysage maritime s’inspirant d’un réel qui devient fictif par les transformations graphiques que j’y apporte. Ainsi dans des forêts aquatiques se retrouvent des sardines pour boire un coup, tandis qu’au- dessus d’elles, des corps se dessinent au gré de l’eau.

La série de photos baptisée Exubérance, réalisée par l’artiste, porte un regard à part sur la pomme de terre. Au-delà même du tubercule et de sa destination en tant que semence agricole, Robert Gernot la met en scène, littéralement. Posée, suspendue, en plans rapprochés, avec une lumière vive, les patates en germination se transforment en différents bestiaires où d’étranges créatures, tantôt animales, tantôt végétales, viennent habiter notre regard.

Il y a quelque chose d’inattendu dans ces images, de précieux, dans le détournement même de la nature de la patate quand elle en vient à germer en libérant une incroyable force de vie.

Les deux artistes ont travaillé et vécu à Saint-Jacut-de-la-Mer durant ces trois derniers mois. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été produites pendant la résidence.

Olga Boudin est diplômée de l’école des beaux-arts de Paris en 2018, elle vit et travaille à Lacelle en Corrèze.

Elle est peintre et travaille ses sujets à l’atelier. Elle observe son environnement et compose à partir d’objets du quotidien.

Durant sa résidence, elle a débuté par l’observation des paysages avoisinant l’atelier : les jardins de la Résidence SNCF où les APM sont installés. Elle a augmenté ses recherches, en glanant des objets simples, utilitaires et domestiques comme l’assiette, l’ail, la banane, le tissu, la chaise, etc. Elle peint ces natures mortes et mêle les motifs, les végétaux, pour créer de nouveaux espaces sensibles. Sa manière de peindre nous renvoie à l’histoire de l’art, depuis les fresques de Pompéi jusqu’à Matisse. A rebours d’un monde actuel mouvementé, Olga aime se concentrer sur des sujets calmes et banals. Elle les peint avec une grande sensibilité, et nous les donne à voir magnifiés.

Marie-Cécile Marques est diplômée de l’école des beaux-arts de Paris en 2022, elle vit et travaille en région parisienne.

Elle explore, expérimente, récupère, compose, dispose, modifie, retouche, construit en volume, dessine et peint. Son travail est empreint de sensation et d’énergie grâce à l’utilisation de couleurs vives. Ses inspirations et découvertes se sont posées quotidiennement sur des supports format A4. A Saint-Jacut, elle multiplie les sujets maritimes et ruraux qu’elle traverse durant son séjour. Elle prolonge ses recherches dans l’histoire de l’art des peintres de la Côte d’Émeraude et synthétise à sa manière les sujets bretons. A l’atelier, tous les objets glanés, chinés ici et là deviennent sujets à des nouvelles scènes, que Marie-Cécile construit en volume puis qu’elle peint, construisant ainsi des nouvelles histoires.

Novembre 2024

Du 25 novembre au 13 décembre 2024, la galerie art & essai invite Anaïs Touchot à présenter sa collection de « Croûtes à succès ». Pour Anaïs Touchot, la figure du peintre s’est imposée naturellement pour traiter des clichés du métier artistique et esquisser des pistes de renouvellement du statut de l’artiste, de ses compétences et/ou de son charlatanisme supposé. Dans « Croûtes à succès », elle met en scène une série de peintures d’autres mains que les siennes, réalisées par des amateur·rices et chinées chez Emmaüs ou sur Le Bon coin. Installée en plein air, en transformant les parois extérieures de l’Esperluette (espace hors les murs de la galerie art & essai) en cimaises, l’exposition présente près d’une centaine de toiles (portraits, natures mortes, paysages) dans un dispositif à mi-chemin entre le Salon des peintres modernes et la Foire d’art contemporain.

* L’exposition est un prélude à la projection et la réactivation de L’Académie de la croûte d’Anaïs Touchot, qui aura lieu au Tambour (campus Villejean) le 6 mars 2025 à 18h, avec Baptiste Brun, Anne Dary, Hilary Galbreaith, Isabelle Henrion et animé par Émeline Jaret.

Enora Lalet est plasticienne culinaire, ayant fait de la nourriture son matériau de prédilection.

Depuis 15 ans, elle décline sa série de Portraits Cuisinés que nous vous invitons à découvrir.

Grande voyageuse, l’artiste a beaucoup travaillé à l’étranger où elle applique le même modus operandi méticuleux : observation des codes gastronomiques, réalisation de croquis préparatoires, collecte des matériaux et de motifs, confection de parures du corps, peinture corporelle… Ses mises en scènes oniriques viennent questionner les croyances alimentaires, ainsi que nos identités culinaires, culturelles, sociales.

Muni.e.s d’un simple caméscope, Claire Guetta et Morgan Azaroff capturent, jouent et rejouent des moments de vie quotidienne, des discussions, des gestes, des rêveries.
Iels filment leur corps et ceux de leurs proches dans une relation à l’espace intime, aux objets et au contexte social, politique et médiatique.
Des évènements banals à la fois drôles et dramatiques les amènent à des situations magiques basculant du réel à un récit surnaturel et extra-ordinaire.
Claire et Morgan explorent des moments de vie, de travail, avec ses phases de joie et de failures pour emmener cette réalité vers un espace imaginaire ouvert où les références à la culture populaire et mainstream surgissent.

All affairs have their share of ambivalence. Their mysteries and their sudden twists and turns. Their secrets and their revelations, both intimate and public, at one and the same time sensational and discreet. They never reveal themselves totally, they may never perhaps be completely resolved. They are little stories that mingle with bigger ones. They are knots to be undone to decipher lines and endings, links and ruptures, responses and yet more questions.

The affair we are dealing with here is no exception to the rule. It is all about lines crossing and joining up, weaving over the crevices to stop them up, traced by timid but confident fingertips over beloved faces or alongside bodies that vanished too soon.

Some lines can trace their distant roots on the inherited genealogical tree, passed down across generations, go back up centuries-old branches, and count all the buds. For others, one must invest resources and use one’s imagination.

The affair blossoming within the walls of Passerelle Centre d’art contemporain pushes into the corners and shadowy reaches of what are known as the ‘great tales’, around the edges of the majestic trees whose cultivation has been favoured over others. It twists and turns along with the reconfigurations, migrations and intermingling of its vigorous shoots, along historic margins and geographical fringes. The story brought to life by the artists of this exhibition is as documentary as it is poetic, but perhaps it is above all performative. It is the affirmation of a thwarted family tree, of invisible or frustrated germinations, of ideal communities, linked by blood or friendship, to which are passed on gestures and languages, faces and names, places dreamed of and recipes to be recreated.

There is the family you are born into and the one you choose to surround yourself with, the one you dream of and the one you construct to make progress, the one you bring into existence despite the injunctions of a historiography inclined to only record great sagas.

The family affair flourishing here is personal while at the same time aspiring to the collective. It has blossomed in art, at the contact of branches used by the portraits of Neïla Czermak Ichti (1996, Bondy), Ibrahim Meïté Sikely (1996, Marseille) and Charline Rolland (1996, Rennes), in the happy and the less successful transmissions recorded by Zineb Sedira (1963, Gennevilliers) and Bintou Dembélé (1975, Brétigny-sur-Orge), through the recipes and offerings of Socheata Aing (1993, Dourdan), along the intermingled and hungry roots of Aïcha Snoussi (1989, Tunisia). My family history is rooted in the workshop of my father, Abderrahim Makhlouf (1961, Morocco), who for so many years silently wove the balance between opposing forces, invisible links and routes to resilience. Here our history traced back to the beginning of an endless story. Roots that had become forests. There, my family history germinated, fertilised by the wind and chance encounters, research and joyous connections. It is to these members, ancestral and real, ideal or vanished, eternal flowers, that we must here pay homage.

The affair is out in the open, history may continue.

From the very beginning of his career, Daniel Gustav Cramer (1975, Germany) has divided his work between photography, video, sculpture and the writing of short texts, resulting in both exhibitions and the publication of books. Using landscape as a starting point (a turquoise sea, a pine forest, a mountain lake), the works of the German artist, born in 1975, take the form of micro-tales whose meaning gradually becomes clear through the succession of images.

The ‘Tales’ series, begun in 2000, is particularly representative of this approach, combining photographic sequences organised in diptychs, triptychs or larger groups of images. In each sequence, an ordinary landscape is photographed from a distance, generally featuring a discreet element somewhere in the scene. From one image to the next, this element moves or changes, thereby constituting the central thread of a story: a dog by the side of a road, watching the passers-by, a ray of sun glinting on snow-covered ground, a boat sailing over the water until it disappears out of the frame… The artist is showing man in his environment, showing how places are shaped by the people who live in them and pass through them and vice versa. Even without a human figure, the spectator is invited to perceive traces of activity, to imagine what is going on there, to imagine himself there.

In his photographs and in the texts and objects (sculptures, publications, etc.) which the artist sometimes exhibits with his images, he focusses on showing moments of suspension, caught just before something happens. He extends the time we are waiting, at the risk of interrupting the narrative, leaving in suspense the people photographed as well as the spectator looking at them. Time seems to have slowed down in his images, nothing seems to be really happening. Nothing remarkable, in any case. Yet out of this meagre resource there nevertheless comes a profusion of stories, presented in a fragmented way, and echoing each other, in the exhibition space.

The exhibition at Passerelle is the first such wide-scale presentation of the ‘Tales’ series, previously only shown extensively at the Vera Cortês gallery In Lisbon in 2014.

Once a year, an artist at Passerelle Centre d’art contemporain designs an exhibition inviting all ages to join in a creative endeavour. The experience may be fun, graphic and/or performative. Particular attention is paid to children, although they are not the only intended audience.

Continuing this annual programme of events dedicated to graphic design (designers in residence in the school setting, the opening of a temporary branch of Passerelle dedicated to art books for children in the Bellevue district of Brest, the development of a collection of art books for children, etc.) Panorama is inaugurating a cycle of interactive exhibitions at the art centre.

Panorama is firstly a book without text designed by graphic artist Fanette Mellier (1977, France), published by Éditions du livre in 2022. The 24 double pages of this book invite us to look at the same landscape as it gradually alters by slight changes. The tiny incidents of living beings (a cat appearing then disappearing, for example) and the clever play of superimposed coloured tints creating an infinity of nuances, make each scene unique. This book and all the remarkable publications of Éditions du livre feature in the art centre’s collection.

Panorama is now an eponymous exhibition, with large-scale formats used in the big room at the art centre in order to discover the whole subtlety of the printed art of Fanette Mellier. This three-dimensional variation around the book allows you to enter the pages of the book, transformed into architecture, like in a dream or a book by Lewis Carroll. You just need to let yourself be gently rocked by the song of the birds and the rustling of the trees to start producing your own coloured visions in a colouring book.

Juliette Dennemont (1995, Saint Pierre in Réunion) spent 3 months at Passerelle under the reciprocal residency scheme: Breizh – Renyon ‘From one ocean to another’. In 2024, Passerelle Centre d’Art Contemporain and La Cité des Arts in Réunion together created this residency for research and experimentation in the visual arts to offer emerging artists from Réunion a residency in Brest and those from Brittany a residency in Saint-Denis in Réunion. This demonstrates our firm commitment to encouraging the collaboration and movement of artists across different territories.

Juliette Dennemont is a painter and originally from Réunion. She graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris in 2020, and mainly uses the airbrush technique, a tool that sprays paint using compressed air. She learned this from a fairground artist in order to rethink and update the design of her family’s fairground rides. Her work is imbued with this festive, popular world in both her choice of colours and the techniques she uses for certain of her subjects.

For the Vertigo exhibition, Juliette Dennemont presents a selection of the works she produced during her residency in Brest, taking inspiration from Breton landscapes and the Breton imagination and intermingling fauna from her home island. The exhibition title refers to the 1958 Alfred Hitchcock film Vertigo in which the vertigo effect involves subverting a scene by zooming in and moving the camera, creating a fluid background that causes a feeling of malaise in the viewer. Juliette Dennemont takes ownership of this effect, producing a worrying strangeness in her legendary Breton tales. A recent visit to the forgotten village of Keranflec’h in Finistère inspires in her certain motifs and perceptions as so many ghostly presences in a surreal decor. As a counterpoint, the technique and subjects recall the virtual atmosphere of video games, especially the MMORPGs of the 2010s and their heroic fantasy plots or the pixelated world of Minecraft.

Du 22 octobre au 13 décembre 2024, la galerie art & essai invite trois collectifs d’artistes et auteur·rices-éditeur·rices français à s’installer au Cabinet du livre d’artiste de l’université Rennes 2 : Atelier téméraire, Burn~Août, How to Become. Cette exposition s’intéresse aux formes de productions collectives dans les publications d’artistes récentes comme espaces d’un faire ensemble renouvelé. Elle propose une sélection d’éditions et d’ephemera comme autant d’exemples où la publication possède un rôle central dans la construction et la vie d’un collectif artistique. Empruntant son titre à la publication de l’un des collectifs invités : « Quels problèmes les artistes éditeurices peuvent-iels résoudre ? », elle met en relation les formes produites et les modalités d’organisation de ces collectifs qui témoignent de l’actualité de l’art à travers ses enjeux plastiques, économiques et politiques.

Champ d’expression revient pour sa 12ᵉ édition. Cette année Olivier Perrot et Florence Jugant, accueil l’artiste plasticienne Anne Da Silva, dans leur ferme au Broyou, sur la commune de Glomel.

Champ d’expression c’est avant tout la possibilité de faire dialoguer deux mondes qui se rencontrent, se redécouvrent. C’est une résidence artistique au format atypique et un temps donné où artistes et agriculteurs se confient, se partagent leurs pratiques, leurs regards, leurs gestes…

Deux univers, qui à leur manière, redéfinissent une approche nouvelle de nos usages. Un champ des possibles immense où l’expérience des savoir-faire, d’un territoire, d’une terre, s’associe à la poésie, à l’inattendu au sensible.

Ainsi, chaque année, Champ d’expression permet à de nouveaux artistes de s’immerger dans des fermes du Centre Bretagne et à penser un travail in situ. C’est un espace de partage et de convivialité où agriculteurs et agricultrices nous ouvrent les portes de leur ferme.

S’exposant en dehors de toutes contraintes muséales, ici l’art contemporain se réinvente, au profit d’une nouvelle lecture du territoire centre breton, de ses cultures et de ses patrimoines.

Anne Da Silva

Dans une démarche qu’elle projette au long cours, Anne Da Silva développe un travail artistique où la relation aux matières issues du monde vivant occupe une place centrale. S’affranchissant de toute contrainte productiviste, l’artiste redéfinit une méthodologie de travail, qui prend le temps de placer l’expérience sensible et sensorielle comme outil d’appréhension et de compréhension du monde qui l’entoure.

À mi-chemin, entre l’art et l’artisanat, Anne Da Silva engage principalement un travail de sculpture, qui place le geste et la matière comme les vecteurs de sa création. L’expérimentation prend ainsi une place majeure et une grande importance dans son travail.

Glaneuse, collectionneuse, observatrice du détail, Anne Da Silva alimente une recherche sur le terrain, indissociable de sa pratique artistique. La marche, les déambulations en pleine nature, ses rencontres avec le vivant, constituent les premières étapes de sa production. L’artiste devient en quelque sorte naturaliste.

Dans une esthétique proche du cabinet de curiosité, l’artiste nous présente une collection d’un genre nouveau. En hybridant, mixant, métamorphosant ces matériaux d’origine animale, végétale ou minérale, Anne Da Silva, confond leurs genres au point de nous en faire oublier leurs origines. Ainsi, par son travail sculptural, quasi mémoriel, l’artiste réinvente des histoires dont la trame narrative et poétique évoque certaines légendes ou mythes qu’elle se réapproprie. Mais plus loin encore, par cette approche sensible et curieuse, Anne Da Silva nous propose une lecture sans artifice, d’un monde vivant complexe et en perpétuelles interactions, souvent peu considéré.

les 20, 27 octobre et 3 novembre

Inauguration, le 20 octobre à partir de 12 h, buvette sur place

• Accueil du public et visites guidées de l’exposition de Anne Da Silva, terres, usages et vieilles alliances, 2024,12h à 18h30
• Repas partagé : pizzas maisons cuisinées et cuites sur place, 12 h pâtons préparés par la pizzeria le Kumquat 

• Table ronde, les sols : espaces de convergence pour le vivant , 15 h, avec  Anne Da Silva (artiste plasticienne), Olivier Perrot (agriculteur,producteur laitier), Morgane Lebocq (biologiste spécialisée en agroécologie, directrice de Breizh Oasis), modératrice : Morgane Large (journaliste pour RKB)

le 27octobre de 14h30 à 18h30, buvette sur place

• accueil public et visites guidées de l’exposition de Anne Da  Silva, terres, usage et vieilles alliances

Le 3 novembre à partir de 13h30 goûter et buvette sur place (tartes maisons et riz au lait cuit au four à pain)

• accueil public et visites guidées de l’exposition de Anne Da Silva, terres, usages et vieilles alliances, de 13h30 à 18h30
• Randonnée au départ de la ferme de Broyou, départ à 14 h (durée 1h30), animée par L’AMV :réserve naturelle Régionale de Glomel,
• Projections de films à la ferme du Broyou, début à 16 h, en partenariat avec Ty film dans le cadre du festival du mois

Gérard Alle,Vendanges en Utopie, 57 min, en présence du réalisateur

La Bretagne serait-elle en train de devenir le nouvel eldorado du vin interdite jusqu’en 2016, la viticulture y est aujourd’hui en plein essor. Renouant avec une histoire méconnue, les nouveaux vignerons bretons sont des pionniers. En dépit des difficultés, ils inventent, sur un modèle vertueux, les vins bretons de demain.

Sarah del Pino, Rêvent-elles de robots astronautes ?, 25 min, réalisation, Composition Agnès Noël, Collection Frac Auvergne

Sous l’esthétique d’une science-fiction la caméra abandonne peu à peu le monde des humains pour pénétrer dans un monde parallèle. Nous découvrons un microcosme fabriqué par l’Homme et pourtant déserté par ce dernier. Dans une ferme de vaches laitières autogérée par des logiciels informatiques, tous les désirs de ces travailleuses sont comblés si bien, que la seule voix persistante est celle des robots. La frontière entre le naturel et l’artificiel se trouble : nées dans ce monde, ces vaches domestiques évoluent dans leur milieu « naturel ». Telles des créatures dans l’ombre, elles produisent sans cesse notre future consommation de lait. Enfermées dans un hangar, un champ seulement les sépare de notre société.

Les créations de Marianne LAËS sont déclinées sur les différents supports de communication du service culturel tout au long de la saison 2024/2025.

Des éléments géométriques sortent de terre quand d’autres tubulaires s’élèvent, envahissant l’espace pour créer un gigantesque dessin coloré tridimensionnel dans une respiration visuelle organisée par des rythmes montants et descendants. L’orthogonalité et la courbe se conjuguent dans une harmonie dynamique complémentaire.

Josèfa Ntjam’s works are fictions combining different written and oral stories – tales, legends and natural history. These different origins are used by the artist to create a new narrative in which the deconstruction of norms leaves room for imagination and utopia. Text is an important part of her creative process, appearing in films, performances and sound works. Accompanied by printed images and sculptures, the whole constitutes immersive installations in which hybrid characters are at play.

Close to role-playing or video game heroes, these avatars – at once human and god or goddess, but also animal and vegetable – perform in his works and interpret these contemporary tales. Their biological characteristics are singular, their powers extraordinary and their characters complex. Persona, for example, is a recurring character that the artist embodies. A character of revolt, she refers to melancholy and overcomes the multitude of assignations thanks to passport masks-these West African sculptures used as identity cards or as a right to hunt, and which provide protection while traveling. In the film matter gone wild, the Mixotrophe is a vegetal and animal organism capable of photosynthesis through plant symbiosis, and which feeds like an animal. Cameroonian independence activist Marthe Ekemeyong Moumié gives her first name to Marthe, a forest chameleon who transforms into a plant to fool the enemy.

Using scenic devices such as the diorama and digital techniques, Josèfa Ntjam combines forms and references to create a metaphorical and global universe, at once macrocosm and microcosm, which is difficult to situate in space and time. The abstract worlds she creates, floating and seductive, take us into the future, to a parallel world – or perhaps a world beyond, where perpetual mutation and adaptation provide a hopeful renewal.

For her exhibition at 40mcube, Josèfa Ntjam is recomposing an installation from existing works in order to reconsider their articulation, create a new universe and offer a different interpretation.

On the occasion of the 2024 Itinéraires Graphiques, it is offering real graphic upcycling, in the continuity of the Fontenew and Flux-Us typographic projects. In the workshop of Lézard Graphique, a screen printer in Alsace, she overprints, on a selection of posters from her archives, the Multipli typographic grid that she created at the Maison de la Poetry in Nantes in 2011. The posters , with this grid and thanks to the magic of the fold, are thus upcycled. They transform into giant letters and compose a poem by Betty Bone, French author and director, as much as they offer a rereading of the graphic designer’s work.

Pour cette 8ème édition de la biennale Itinéraires Graphiques, Sébastien Esteban Desplat a programmé 13 artistes navigant entre art et design, illustration et dessin, graphisme et artisanat. A cette occasion, Idir Davaine et l’Atelier Bingo partagent l’espace de la galerie pour présenter un travail de peinture, papiers déchirés et gravures.

Le deuxième espace est-il celui de l’imaginaire, celui dans lequel on s’incarne ? On ne sait pas trop de quel côté se situe-t-on face aux dessins de Justine Joly. Il y a une ambiguïté dans son travail, s’agit-il d’espaces réels ou d’espaces fantasmés ? De manière générale, il y a dans le travail de Justine une omniprésence des lieux et des espaces habités, au sens propre comme au sens figuré.

Comme l’énonce Bachelard dans La poétique de l’espace (1957), « la maison est notre coin du monde. Elle est notre premier univers. Elle est vraiment un cosmos. Un cosmos dans toute l’acception du terme (…) »

Au rez-de-chaussée, des assemblages d’images, des paysages reconstitués. À l’étage, une série autour du lit et du drapé. C’est l’idée de l’intimité des lieux, avec des plans rapprochés et un hors-champ très présent qui pose le décor d’une intrigue. Le lit a une grande portée symbolique, d’autant plus que c’est un rêve vieux de plusieurs années qui a servi de point de départ à cette exposition.

Cette proposition d’exposition est arrivée à un moment singulier pour Justine Joly, alors plongée dans une période de recherche non formalisée autour de l’image et de sa portée narrative. Elle a donc été l’occasion de ranimer un rêve de lacs et de forêts et de poursuivre ses réflexions autour de sa pratique, tant par rapport au geste qu’à la matière. « La forêt est un état d’âme » nous dit Bachelard. Celle qui occupe désormais la galerie invite à explorer les méandres de l’imagination. La question étant de savoir : où mènent ses images ? 

All of them invest in the urban and peri-urban environment in their own way. They play with the reuse of materials or images to make new things, they question the relations «nature and architecture», they question our conscious or unconscious links with the urban and the periurban. Each one turns on himself and on his subject, but all revolve around a center, the city. What are the limits that govern our lives?

How do they affect our choices and lifestyles?

Geographical, temporal, natural, psychological, economic or energy-related… The list is infinite and complex, invisible or not, they govern us, guide us and shape the contours of our lives and territories. Architects, planners, landscapers, all interpret and shape our daily lives. The boundaries change with the pace of society, its evolutions and needs. The need for a transition to other models of life and city, calls to understand our limits as thresholds. Construction spaces from which other things can emerge.

« C’était ma première passion gamin, observer les tritons ou les salamandres dans les cours d’eau, les flaques. Quand on pêche dans une rivière, on réalise plus facilement la santé des milieux. C’est à l’échelle humaine. » Pêcheur et artiste plasticien, Nicolas Rabant traduit son émerveillement pour le microcosme des rivières à travers la peinture et la sculpture. 

Les mulettes perlières (Margaritifera margaritifera) sont des bivalves en danger d’extinction. Appelé kregen dour dous en breton, la vie de la mulette perlière est liée à celle de son poisson-hôte : la truite fario ou le saumon atlantique. On parle de symbiose. Les larves de quelques semaines se fixent dans les branchies du poisson. Un an plus tard, la jeune mulette se laisse tomber et s’enterre dans le substrat de la rivière.

Marie de Médicis fit orner de 32 000 perles la robe qu’elle porte le jour du baptême de son fils, le futur Louis XIII. Trente deux millions de mulettes en provenance des rivières européennes furent ramassées pour confectionner la robe. « Ça me parle plus dans ma démarche d’associer l’Histoire à celle des animaux. La rivière est un trésor à l’intérieur duquel on en trouve un autre : la truite. Cette dernière transporte un trésor, la mulette, qui elle-même contient une perle ».

En Bretagne comme ailleurs, la disparition des salmonidés, les rejets liés aux activités agricoles, industrielles ou urbaines ou l’artificialisation des bassins versants pèsent sur les conditions de vie des êtres vivants. Le travail de Nicolas Rabant vient peupler la galerie avec le monde mystérieux et magique des rivières.

‘Photography was born in the 19th century, and very quickly impressed by its ability to faithfully reproduce reality, so much so that it was readily given evidential value. However, in photographs of the seashore, the horizon appears to be tilted… From then on, a question began to emerge in scholarly circles: could the horizon really be tilted? This was the starting point of an incongruous story that only photography can tell, and which raises questions about the very essence of this medium… A story that I have now managed to reconstruct thanks to the discovery of fragments of previously unpublished archives’.
Anne-Lou Buzot

Anne-Lou Buzot: Born in 1990, Anne-Lou Buzot is a photographer, editor and teacher at the ENS Louis-Lumière laboratory. She specialises in photochemical processes and is conducting research into plant-based photographic processes. She lives and works in Saint-Denis.

Exposition hors les murs dans le Donjon-Galerie

ANIMAL, VÉGÉTAL, MINÉRAL est une installation vidéo qui propose de reconsidérer les frontières entre les espèces du vivant et la matière. Entre documentaire expérimental, fiction burlesque, et réflexion poétique, le projet propose d’utiliser la “pensée végétale” comme matrice, afin de déplacer notre subjectivité humaine et de pointer ses limites, mais aussi ses zones de partage, avec des intelligences radicalement autres que les nôtres. La figure du ver de terre, du champignon et de l’IA s’y démarquent comme des personnages liminaux, habitant à la lisière des taxonomies bien dessinées et hiérarchisées. Le récit se trouve prolongé dans l’espace par des peintures et sculptures textiles aux formes tentaculaires.

Projet en partenariat avec le centre d’art 40mcube, Programme GENERATOR.

« Après nous le déluge », pointe l’urgence des menaces qui pèsent sur la biodiversité. L’exposition composée d’une installation de dessins d’espèces en voie d’extinction disparaissant lentement de feuille en feuille et d’une fresque monumentale, construisent une mémoire du vivant et en appelle à notre responsabilité individuelle et collective.

Performance le 6 juillet à 17h
Camille Dufour finalise et active son exposition « Après-nous le déluge », aux Moyens du Bord , sous la forme d’une performance déplaçant sa pratique d’atelier dans l’espace et la temporalité de l’exposition. Cette performance participative invitera le public à graver, avec l’artiste et avec des fleurs, l’une des œuvres de l’exposition.

Simon Augade s’investit tout entier dans des corps-à-corps se confrontant à la matière. L’artiste questionne par des conceptions sculpturales notre relation physique à nos environnements et interroge « la tenue des choses ». Dans ses sculptures-installations qui tentent sans cesse d’agripper l’espace et le spectateur, il aborde les dualités de notre monde.

Au centre d’art, en écho à l’architecture du lieu, une arche de bois brûlé composant une grille géométrique s’élève comme une forme quasi monolithique, prend place et coupe le lieu en deux, bloquant le passage mais non le regard. Evidée, ses fragments, à la façon de poupées russes, soulignent le rapport ambivalent entre perte et réminiscence dont la chapelle est aussi porteuse.

Michele Ciacciofera (1969, Italy) is offering Passerelle an experience which may appear impossible, that of ‘Condensing the Infinite’. From his native Sardinia to the Alps and then Brittany and Scotland, he has observed the ancient sculptural forms, such as memorial stones and menhirs, on which human civilisations are based. In his European journey, he considers the inevitable end of us all and the infinite potential of our visual culture to go beyond the world dreamed up by our ancestors. ‘Condensing the Infinite’ is an attempt to write a common history, a history of the forms that our brains all recognise to a greater or lesser extent. 

The body of works presented in the Passerelle patio has been entitled ‘Menhirs’ by the artist. Ciacciofera is fascinated by megalithic art, yet decided to work from fragile, modest materials, essentially workshop waste including paper and cardboard, the very opposite of the eternity of stone. In this sense this series recalls the work of the Arte Povera artists, an Italian artistic movement that began in the late 1960s. It was characterised by the use of ordinary humble materials, often natural or salvaged, and reflected a desire to reconnect with original simplicity and authenticity as well as a rejection of overconsumption. This heritage is never claimed or stated but it seems essential to consider some of Ciacciofera’s creations through the prism of a ‘new poor art’. Recycling and the use of natural materials have become as much an aesthetic necessity for the artist as they are a political and militant requirement. His sculptures abound in poetic details such as little ceramics or painted organic elements, evoking at times the style of the Cycladic idols, at times the shapes of plants or fungi, and are sometimes painted in bright colours and act as altars dedicated to art. They function both as platforms or plinths for art and as sculptures in their own right, joyous and reassuring, wise and primitive.

The second central series of the exhibition is Pathosformeln, gouaches on paper inspired by the theory of art historian Aby Warburg (1966-1929). The latter invented this term for the recurrent formal configurations used to express basic emotions. These formulae are not limited to mere representations, but constitute fragments of collective memory, echoes of ancestral rituals and original myths. Pathosformeln constitute a precious tool to decipher the meaning of the images and understand the emotions conveyed by them. Following on from Warburg’s research, Ciacciofera reproduces pieces of iconic Gothic and Renaissance painting like close-ups, erasing some parts including all the faces. Strangely, this does not result in the compositions being disembodied, nor devoid of feeling, and the presence of the characters is strongly felt, like ghosts waiting in the space between two realities. Rocks, pebbles, gems and fossils float through the drawings, creating an effect that could be either magic or a sign of out-of-control quantum physics. It is up to the spectator whether to try to reconstruct an image or remain satisfied with what the artist presents. 

The possibility of condensing the infinite posited by Ciacciofera may lie in this search for an active synthesis of the human history from prehistoric art to the art of today.

Han Bing (1986, China) is presenting “7:77”, her first personal exhibition to be held at a European institution, at Passerelle Centre d’Art Contemporain. A graduate of CAFA in Beijing – China’s central Academy of Fine Arts – and of Parsons School of Design in New York, Han Bing has studied a very diverse range of references and influences, enabling her to develop multicultural sensibility and an enhanced vision of the world.

Han Bing’s painting is intimately linked to the abundance of images available in the public space. The artist sometimes captures elements from posters mentally and sometimes photographs an advertisement with her phone. From all around her she picks out images which we no longer see because they are in front of us all the time. Back in her studio, she assembles her discoveries very freely over the canvas. Her approach echoes those of the new realists of the 1960s, among them Jacques Villeglé and Raymond Hains. Villeglé took ripped and loose posters from the walls of the town and transformed them into vibrant and poetic works of art. Like Han Bing today, he revealed the strata of the urban environment, which bear the marks of time and of human intervention. Han Bing willingly
evokes the ‘anonymous poetry’ of her paintings. The juxtapositions she creates emerge ‘in unexpected ways’ and very spontaneously. She prefers using the word ‘to grow’; rather than ‘to build’ when talking about her way of arranging the canvas and compares painting to a living, organic material.

Part of the exhibition is devoted to works on paper. Han Bing uses newspaper articles as raw material. She selects them for their aesthetic quality and covers up certain parts of the photographs illustrating the article. By erasing the information, the artist seems to be questioning the place given nowadays to truth and objectivity, and recalling that the world has entered the era of fake news and deep fakes – the ultra-realistic doctoring of video and audio created by artificial intelligence.

Amélie Caritey (1998, Côte d’Ivoire), a graduate of the École européenne d’art de Bretagne – Rennes campus, took part in the Residence Workshops offered by Passerelle and Documents d’Artistes Bretagne. Shortly before her residence at the art centre, she spent two months in Côte d’Ivoire, the country she left at the age of three. This second journey to the land of her birth, the first having taken place in 2019, enabled her to bring back a large number of photographs, like so much evidence of the country of her origins. Aware of being on the margins, yet still feeling linked to that nation’s story, the exhibition ‘Bonne arrivée chérie coco’ [Welcome darling coco] is a poetic expression of the artist’s view of a country she as yet knows very little about. The exhibition therefore offers a glimpse of the beginnings of a dual culture under construction, as well as the quest for a bi-national identity.

Defining herself as ‘Afropean’, with one European parent and one African, but having been brought up in a European cultural environment, Amélie Caritey recounts her journey as a “search for a home”. Her photographs often show living spaces, or what is between them such as doors, entrances and windows. These elements express an ambivalence, reflecting the feelings of the artist in that place: invitations to enter the intimacy of people’s homes or perhaps obstacles in the way.

Architecture, motifs and colours particularly captivated the artist and they appear in abundance in the exhibition. Amélie Caritey trained in design and has observed very carefully what makes up the environment of the towns and villages she has visited all over the world, compiling her observations into a visual repertoire from which she takes her inspiration. The patterns of the moucharabieh, those pierced partitions providing natural or forced ventilation, have become a leitmotiv in her research. Their forms transform and combine with those of Ivorian pottery in the vases produced by the artist for the exhibition. By also re-interpreting the forms of this traditional Ivorian craft, Amélie Caritey states that she belongs to the country and expresses her wish to sign up to this cultural heritage.

The title of the exhibition, ‘Bonne arrivée chérie coco’, comes from the words of a woman the artist met in an Abidjan market on her first trip. These words therefore become the symbol of the beginning of a new story: Amélie Caritey is now welcome in this country she only previously knew through family anecdotes.

Iwan Warnet brouille les frontières entre abstraction et figuration avec sa peinture. Il explore, à travers les ambiguïtés de la représentation, la part active des regardeur·euse·s dans la perception d’une image. Iwan se place du côté de l’allusion plutôt que de l’affirmation, joue du soupçon d’aspect et du ralentissement du regard. Il crée une œuvre de l’indice et du fragment, guidée par un rapport intime à la figure humaine.

Cette dernière, souvent présente en filigrane, affleure par traces ou par évocations sensibles. Les matières ont une dimension affective dans les œuvres d’Iwan Warnet : les roses de la teinture de garance peuvent évoquer la peau, une toile se pare d’un bijou et de fard dans une revisite du thème du nocturne.

Dans sa série de dessins Des lignes d’erre, les corps fluides dialoguent avec les plantes, dans un territoire indéfini. Le genre des figures n’importe plus, les lignes qui les dessinent s’égarent. Et dans les peintures qui en découlent, les sujets n’apparaissent que de façon discrète, émergeant à peine d’un entrelacs de tons rapprochés. Ses peintures et dessins se déploient pour un regard qui prend le temps de rentrer dans les surfaces, de tisser des liens entre les œuvres. Et qui prête du sens autant qu’il en décèle.

Avec Volutes partent en fumée, Iwan Warnet présente un corpus d’oeuvres récentes, issues de ses expérimentations à la Tannerie (Bégard) avec des techniques de teinture végétale.

For the very first time, the Ursulines Chapel welcomes the work of a graphic designer, the poster artist Alain Le Quernec. The purpose of this exhibition is to highlight the commitment of the Breton poster designer, who over the last fifty years has created powerful and hard-hitting visuals, with posters that stimulate the lucidity of each and every one of us.

In our contemporary world there is a great need for poster artists who invite us to think, to decode, and to take a step back. At the Ursulines Chapel, a tour divided into five sections illustrates the power of posters, showing how they can shape the way we look at things, how they contribute to our civic life, and how they fuel our consciousness and imagination.

In the Charlie Hebdo room of Quimperlé’s media library, some press cartoons created by Alain Le Quernec for the French newspaper Le Monde, as well as pages from the regional daily newspaper Le Télégramme, will be on display.  In his capacity as graphic designer, Alain Le Quernec has worked for Le Télégramme on several occasions. He redesigned the format, grid and readability of the newspaper. Echoing the press cartoons he designed for Le Monde, some of his posters illustrate the fact that – in France – visual arts are the territory of humor, where nobody is afraid of laughing at or making fun of idols.

In the third section, a series of posters created by Alain Le Quernec will take the visitor to the streets of Quimperlé for a citizen dialogue on a range of various subjects (such as ecology, civic life, culture…). It is in the public space that posters acquire their full purpose.

During the preparation of this exhibition, and in reaction to the latest news and horrors of war, Alain Le Quernec has created a new series of images. Some of them will be printed especially for this exhibition and will be displayed in the Ursulines Chapel, as well as in the Stop war publication issued by the Town of Quimperlé for the occasion. Alain Le Quernec uses his posters as weapons to draw our attention to the need for peacekeeping.

‘Sweet Dreams’ is the first monographic exhibition at a European institution by Philemona Williamson. Williamson, born in 1951 in New York, taught in Schools of Art in the United States and influenced many artists of the younger generations. She came from a modest Afro-American family and in the 1970s studied at Bennington College, then at New York University, resisting the siren calls to minimalism and abstraction very much in vogue at the time. She exhibited in many United States institutions and was awarded the Joan Mitchell Prize In 1997.

Her works all have a story, often personal, sometimes anecdotal. Williamson depicts an America at times full of hope, at times cruel, through the everyday and private lives of adolescents, children and young people. She seeks to transcribe that delicate and so ephemeral moment of the passage to adult life, that moment when children’s games become out of step, out of date or embarrassing. Her figurative paintings are warm and colourful, they attract the eye which tries to understand the narrative in the details. Often, symbolic markers of childhood such as dolls or games are represented, clearly shown in the abundance of movements and shapes. The bodies are black and white, evoking a mixed-race America. The beauty of Williamson’s works lies in the universality of her compositions, in her almost dreamed-up colours and in the infinity of possible interpretations – everyone can project onto them their own joys, pleasures and sorrows.

The title ‘Sweet Dreams’ is taken from a delicious painting on show in the exhibition: two adolescent girls seem to be dreaming of a profusion of cupcakes – those typically American cakes whose appearance overrides their taste. The title recalls the eponymous song of the group the Eurythmics in which ‘Everybody’s looking for something’. As for Williamson, she is looking to represent the at times brutal story of youth as it tips over into the world of adulthood.

Marc Didou (born 1963, Brest, lives and works in Lesneven – FR and Rossiglione – IT) returned to Brest School of Fine Arts to paint and draw but as soon as he left, he took up working with metal again, having done this from childhood in his father’s blacksmith’s forge. Getting back to this substance, its tangible quality, ‟this wayward matter”, which needs air and fire and the hammer to take shape, was like going back to his roots. His choice was reinforced by meeting the American sculptor Mark di Suvero (born 1933, Shanghai) in Brest then in New York, who Introduced him to the public space and the monumental. Finally there was Italy where he lived and continues to show his work, before returning to live and work in Lesneven.

This return to his roots, in every sense of the term, is also a return to nature, the nature surrounding us but also that of the Atomists of ancient Greece – a philosophical and physicist movement which stated that matter is discontinuous and made up of indivisible elements – and he retains the poetry and this ‟vision of the invisible”. Nothing is lost, everything is transformed and what appears was already there, as with the larva and the chrysalis in the butterfly.

From abstraction to natural forms, between reality and illusion, creation begins with a total review and deconstruction of the elements. It comes from industrial waste, from random fragments and Installed structures, the organic principle with the ‘Plasma’ series, the link in the chain, the mirror and the ‘Anamorphoses’; a pipe from a split and distorted pipeline becomes a tree again. By cutting, assembling and welding, the sculptor replays the cycles of life in a resistant material.

The exhibition titles, that are both poetic and descriptive, were chosen by the artist. A verb, ‘Transformât’, the imperfect subjunctive of ‘transformer, to transform’ is used as an opening statement for the pleasure of narrative and the idea of a past and an action that is still ongoing. The bas-reliefs of the series Ouvrefer result from the action of cutting the metal in two and the random shapes this produces. Reversus and Ana-morphé tackle reality and its hidden double, the appearance of form and of point of view, metaphors for thought in the artist’s actions.

Yoan Sorin’s work takes the form of paintings applied to a variety of supports, of sculptures made from a variety of materials, of objects assembled and then painted, and of performances involving his own body. Each element feeds or even contaminates the others in a fluid process, within installations that constitute three-dimensional compositions constantly renewed by the visitors’ wander. Inhabited, his exhibitions, in which color is a determining element, bathe in an atmosphere where serenity coexists with anxiety.

For his exhibition at 40mcube, Chronique de l’oubli, Yoan Sorin creates new works that play with time. Like an tear-off calendar, one painting replaces another each week, while metronomes-sculptures punctuate the exhibition.

Playing with words – chronicle in its double meaning, as a chronological narrative and as something that settles in slowly but permanently, which he associates in a contradictory way with oblivion – Yoan Sorin speaks of the latent urgency of our times.

This exhibition is part of Exporama.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent, pour leur septième édition, une exposition d’Isabelle Vaillant, artiste en résidence pour l’année 2023. Ses oeuvres seront présentée à la Gare SNCF, sur le parvis du métro ViaSilva ainsi qu’à Galerie Net Plus à Cesson-Sévigné. Plusieurs dizaines de photographies à découvrir à partir du 24 mai 2024.

Chaque année, les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent à des artistes de s’installer sur le territoire de ViaSilva, le temps de quelques mois, afin de nous montrer leur vision du chantier et de son évolution, en développant un projet photographique personnel sur un territoire en pleines métamorphoses. Autour d’une ligne artistique ouverte à tous les courants de la photographie contemporaine, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Soutenues par un cercle de mécènes engagés sur le long terme, outre leur inscription dans la promotion de l’art contemporain, les Rencontres photographiques de ViaSilva permettent de garder une trace des mutations du territoire et de construire une mémoire photographique inédite pour les générations futures. Au terme de chaque année de résidences, les artistes restituent leur expérience photographique dans le cadre d’expositions en intérieur, à la Galerie Net Plus, et en extérieur, dans le bourg de Cesson-Sévigné, sur l’esplanade du métro ViaSilva et plus largement sur Rennes Métropole (gare, stations de métro, etc.). Ces expositions sont accompagnées de monographies publiées aux Éditions de Juillet, qui constituent aujourd’hui une véritable collection.

Pour la septième édition, la photographe Isabelle Vaillant a été conviée cette année à porter son regard sur le territoire de ViaSilva pour l’intérêt qu’elle porte aux personnes. Peu d’humain jusqu’ici dans les images de celles et de ceux qui l’ont précédée sur ce chantier à ciel ouvert. L’arrivée du métro et des nouveaux et nouvelles habitant·es va ouvrir de nouveaux horizons visuels. Ses centres d’intérêt oscillent entre les corps, parfois cliniques, l’enfance, la solitude, son lien à une nature charnelle, mais inquiétante. C’est une artiste de l’intime, de l’intérieur, du secret. Ses images sont pleines de contrastes sourds, un mélange de fiction réaliste ou de reportages oniriques.

Élodie Guignard investit le quartier afin de nous proposer son regard d’ « un midi à ViaSilva ». La photographe développe une pratique artistique autour de l’humain, de la représentation du corps dans l’espace et de son insertion avec le paysage environnant. La résidence s’inscrit dans un dialogue que l’artiste entretient depuis toujours avec le territoire et de ceux et celles qui l’incarnent. Il s’agit d’aller à la rencontre des personnes qui travaillent à ViaSilva, qui y passent la journée avant de rentrer chez elles. Elle apprécie écouter, collecter les histoires et témoignages des habitant·es quant à leur relation avec ce quartier. De l’intime au collectif, elle propose d’explorer de nouvelles pistes autour de l’ancrage des corps dans un lieu en constante évolution et construction.

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Isabelle Vaillant

Isabelle Vaillant vit en Bretagne. Sa pratique est multiforme (installations plastiques, photographies, dessins, vidéos, performances), son support privilégié reste la photographie, qu’elle mêle à ses performances et installations. Elle invite le spectateur à vivre une expérience, en déposant des confidences, un souffle, une empreinte ou une image. Elle propose une introspection qui devient matière à réflexion « Nous-mêmes » en 2006, « La Chambre Numéro 1 » en 2018, « Ton corps » en 2019. Depuis une vingtaine d’années, elle travaille auprès d’adolescents dans des établissements scolaires ou des instituts médicaux spécialisés. Elle va aussi dans les prisons, dans les centres sociaux, ou dans les hôpitaux pour y encadrer des ateliers de pratiques artistiques.

Instagram : @isabelle.vaillant_

Élodie Guignard

Élodie Guignard, photographe titulaire d’un diplôme de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, apparait comme une artiste incontournable dans le domaine de la photographie contemporaine. Forte de plus de vingt ans d’expérience artistique, elle nous entraîne dans un monde où les liens entre l’être humain, la nature et le territoire se révèlent sous un éclairage saisissant à travers ses oeuvres captivantes.

Depuis ses débuts, Élodie Guignard explore les frontières floues entre la réalité et l’imaginaire en mettant en scène des personnages au sein de décors naturels, souvent en Bretagne. Ses séries Le lieu désiré, À travers le feuillage, et Narcisse ou le souffle renversé ont conquis un public international, mettant en lumière une sensibilité artistique unique.

Son parcours l’a également conduite en Inde, à la frontière du Bangladesh, où elle a documenté la vie des réfugiés hindous venus du Bangladesh pendant deux décennies. À travers ses séries Le village de l’aurore et Santal, elle explore la complexité des relations entre l’être humain et son environnement dans des paysages exotiques et envoûtants.

Élodie Guignard ne se cantonne pas à la photographie artistique, elle s’engage également dans des projets humanitaires, notamment en capturant la vie des migrants bangladais à Paris. Elle illustre ainsi les interactions complexes entre les individus et leurs environnements, qu’ils soient naturels ou urbains.

Instagram : @eloguignard

Le vernissage des Rencontres photographiques de ViaSilva aura lieu et date à la Galerie Net Plus le 23 mai 2024 à 18h30.

Inspiré par la manière d’habiter le monde, le travail de Marie Vandooren puise principalement dans les espaces fabriqués et exploités par l’homme.

Avec pour point de départ la photographie argentique, elle mène différentes recherches en peinture et en sérigraphie en s’inspirant particulièrement des éléments qui jalonnent notre environnement proche. Elle met ainsi en lumière la reproduction des espaces sur chaque territoire, interrogeant leur artificialisation et l’intervention de l’homme sur le paysage. Pour ses recherches en cours, elle développe un travail autour de la trame et de sa vibration.

Partant de ses photographies dont elle extirpe un bout de matière, elle accentue le grain en jouant avec la grosseur et le style de trame, créant des images hypnotiques et parfois dérangeantes.

Marcher, tracer, répéter jusqu’à épuisement, inscrire le paysage. Mes recherches interrogent le rapport entre la marche quotidienne et rituelle, la trace et l’écriture.

Médiation graphique et picturale. La ligne spontanée n’est pas un contour ni un dessin, elle possède sa propre énergie, libre de toute référence à l’image, ne pas savoir où je vais me libère d’une certaine forme, d’une certaine direction à prendre, laisse toute définition du sens possible.

SOURCES aborde les notions de plaisir et d’aventure liées à la pratique artistique.
Peintures, dessins, sculptures et photographies forment un récit contemplatif et joyeux.
Marie VEYRON BATHELLIER s’empare du vivant, de l’imprévu, de la poésie de l’instant.
L’artiste y source process et cheminements et crée un langage sensoriel.

Près de 150 œuvres (peintures, dessins, sculptures, photographies…) sont à découvrir, pour beaucoup créées pour le lieu.

« Les images ne sont ni les purs fétiches intemporels que prône l’esthétique classique, ni les simples chroniques figuratives que prône l’histoire de l’art positiviste. Elles sont des montages de temporalités différentes, des symptômes déchirant le cours normal des choses. Quand l’image survient, l’histoire se “démonte”, dans tous les sens du mot. Mais, alors, le temps se montre, il s’ouvre dans toute sa complexité, dans son montage de rythmes hétérogènes formant anachronismes. » (Georges Didi-Huberman, Devant le temps, 2000)

L’instant et son ombre présente le travail de cinq artistes : mixages de temps et de lieux — montages, assemblages, superpositions, strates — sans hiérarchie, sans chronologie.
Mélanges et fragmentations, juxtapositions d’éléments de pensées, de récits, d’imaginaires comme dans un monde dont il ne resterait que des éclats, que les artistes recueillent, disposent, laissant aussi vides, lacunes ou effacements.

Fragments témoins d’une temporalité parcellaire, insaisissable, mouvante.
Assemblages qui creusent la mémoire, les formes et les représentations par le déphasage et l’anachronisme, qui évoquent un temps non linéaire, dialectique, avec des retours intempestifs de formes et de contenus.

Œuvres troublantes et déroutantes qui jouent des rapports entre précision, indistinction et émotion. Non pas pour créer du chaos, de la confusion, mais pour une dynamique de décentrement, de débordement, de décadrage.

De tout cela naît un savoir nouveau. De ce moment où la raison abdique et où la fragilité du monde apparaît.
Il s’agit “d’irrationnaliser” le monde et, ainsi, d’ouvrir des possibles à la pensée.

« Une photo est venue, s’est soulevée, ou s’est extraite, a surgi. […] Avec aussitôt, il faut le noter, un pouvoir d’appel de cette photo en direction d’une autre, non identifiée mais formant derrière la première comme un estuaire obscur. Et lorsque j’ai compris vers quoi, vers quelle autre image la première, celle qui donc avait surgi, faisait signe, j’ai vu s’ouvrir un écart : l’espace d’un livre, toute une affaire à raconter, celle du chemin allant de l’une à l’autre — une histoire d’ombres brûlées, de temps suspendu, avec la possibilité de voir revenir, mais alors secoués, les vieux schèmes de la présence et de l’absence, de la masse et du détail, du temps filé, ou filant, et du temps stoppé net. Toute la dramaturgie de ce qui porte l’essence de l’image. L’histoire d’un glissement de (ou dans) la pensée. » (Jean-Christophe Bailly, L’instant et son ombre, 2008)

(merci à Jean-Christophe Bailly pour L’instant et son ombre)

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en écho à l’exposition :

• vendredi 26 avril, 18h30 : vernissage gourmand en présence des artistes
• vendredi 19 juillet, 18h30 — décentrements : Recours à la nuit, enquête poétique, conversation avec Virginie Gautier (écrivaine)
• vendredi 9 août, 18h30 — entremêlements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors)
• vendredi 23 août, 18h30 — cillements : projection du film La Jetée, de Chris Marker (1962)

Muz Yer – en breton : « maison à oiseaux » est un parcours de nichoirs à oiseaux conçus par des architectes français et internationaux dans l’espace public, à Rennes.

La thématique des nichoirs est l’occasion de sensibiliser le public à la présence et la préservation des oiseaux, et plus globalement à la protection de la nature et de la biodiversité. L’exposition Muz Yer se révèle être un très beau support pour l’animation d’événements de sensibilisation à ces questions environnementales.

La Tannerie présentera les maquettes des nichoirs à échelle réduite, ainsi que des dessins d’oiseaux à suspendre, et des interviews vidéo qui donnent la parole aux architectes du projet.

L’exposition sera complétée par des photographies et des objets illustrant le travail des oiseaux lors de la construction de leurs nids, certains se révélant être d’incroyables architectes ! Pour cela, sept étudiantes en DSAA Design du LAAB de Rennes ont été invitées à concevoir la scénographie de cette exposition et à développer une nouvelle muséographie en créant des dessins et des objets 3D permettant de sublimer les techniques de construction et les matériaux utilisés pour la fabrication des nids. Il s’agit d’un véritable projet pédagogique pour les étudiantes qui sont également invitées début avril pendant 5 jours à un workshop de production sur site à Bégard, pour réaliser et installer le projet.

Cette collaboration portée par le fonds de dotation MG, en partenariat avec la LPO Bretagne, est l’occasion pour les architectes, les étudiants et le public d’explorer et de (re)tisser les liens entre ville et ruralité.

Aedes is the result of two chance encounters (a novel by Pierre Michon and Paul Monnet’s herbarium) that set Barbara Bénédicte Penn on a frantic quest for a Book – primitive and absolute – that would bring together the lost fragments of her own origins. The herbarium, with its plant traces, obsessed the artist and became the unique and precious medium on which she would unfold the phantasmagorias of her memories and her imagination: a “paper sanctuary” where plants, animals and minerals form a living chaos.

Barbara Bénédicte Penn, born in Montreal in 1968, spent her childhood and adolescence in Brittany. She obtained a Master’s degree in Art History from the University of Rennes in 1992, and later trained in photography through various workshops and Masterclasses. She lives and works in Paris as a visual artist and archivist.

L’exposition réunit le travail de cinq artistes, Sosthène Baran, Louis Ziéglé, Maëlle
Lucas-le Garrec & Maho Nakamura et Jules Le Maut (Courtesy La Galerie à venir)

SALON DE SCULPTURE – 35ème édition

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

Événement incontournable du printemps, le Salon de sculpture contemporaine, organisé en partenariat avec l’association Sculpteurs Bretagne, prend place durant un mois dans le hall de l’Hôtel de Ville.

Cette année, 100 sculptures sont à découvrir, œuvres de 38 sculpteurs.

Un hommage particulier est rendu à Roger JONCOURT, disparu en 2023 et créateur du célèbre cheval de Landivisiau, Paotr mad, sur la place Jeanne d’Arc.

Les exposants 2024 :

ALLOUIS Armelle, ARANAGA Juan, BERNARD Jean-Marc, CAROSI Giovanni, CHARRON-WOLF Michèle, DERRIEN Denis, DONNET Céline, FERREIRA Inès, GARDET-MARQUER Laurence, GEORGET Christian, GESTIN Jean-Yves, GIRARD Karl, HEMERY Chantal, JAOUEN Goulven, JEHANNO Yves, JONCOURT Roger, KERNEIS Gérard, LE CANN Janine, LE FLOCH Joël, LE GOFF Jean-Pierre, LE GUELAFF Laëtitia-May, LE LOUARN Anne, LEMORT Patricia, LE YOUDEC Thierry, MAHE Dominique, MIEGEBIELLE Franck, DE MONPEZAT Vincent, PAIANO Sandra, PANSART Bruno, PASINO Charles, PERON Gaël, PICARD-HELARY Martine, PITEL Nathalie, POUSSET Philippe, SAVARY Paul, SEGUIN Esther, TALEK Jean-Claude, WITTEBOLLE Cédric

ESPACE LUCIEN-PRIGENT

Expositions de Philippe POUSSET, lauréat 2023 du Salon de sculpture, et de Janine LE CANN, invitée d’honneur.

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

« Ce que j’aime avant tout c’est ce qui arrive lorsque je regarde un morceau de bois, la connexion qui s’établit entre mon esprit et la matière. (…) Tout est là, tout a déjà été créé par la nature. Il ne me reste plus qu’à m’en approcher le plus possible, la ressentir, la laisser me pénétrer, et y apporter ma propre vision. »

La trace aléatoire du feu, celle du temps qui passe, les courbes féminines, l’art tribal, celtique ou Maori, sont ses sources d’inspirations.
Si Philippe Pousset travaille le métal ou l’ardoise, c’est le bois qui a sa préférence. Armé de sa tronçonneuse et de ses outils de menuisier (gouge, ciseau à bois…), il entre en communion avec la matière dans un rapport à la fois puissant, sensuel et spirituel.

« L’idée de départ peut me dépasser, m’emporter, un nœud dans le bois peut tout changer, je vis ce que j’ai à faire, mes mains savent ».
Diplômé d’un brevet de technicien en agencement, option ébénisterie, Philippe Pousset a effectué ses premiers pas en sculpture à Casablanca (Maroc), à un tournant dansant de sa vie. Il participe depuis à de multiples expositions en France et à l’étranger, se réjouissant de pouvoir sculpter « en direct » devant le public, surtout des monumentales !

Janine LE CANN

Passionnée de dessin depuis l’enfance, formée aux beaux-arts de Brest, Janine Le Cann a ressenti il y a plus de quinze ans, le besoin de passer au volume. Dans le dessin (mine de plomb, pastel) ou la peinture (aquarelle, huile), les sujets sont variés (paysages, natures mortes, nus, animaux). En sculpture (terre, bois, ciment et bronze), le sujet est toujours autour de l’humain et de l’émotion qu’il suscite.

https://sculpteurs-bretagne.bzh

HORS LES MURS / INSTALLATIONS

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

Trait d’union entre les différents lieux culturels de la ville, le projet “Hors les Murs” permet de mettre à l’honneur les multiples formes de la création sculptée.
Retenus dans le cadre d’un appel à projets lancé par la Ville de Landivisiau et en partenariat avec l’association Sculpteurs Bretagne et le service culturel de la Ville, trois projets artistiques ont été  retenus, pour trois lieux emblématiques de la ville : le parc de Kréac’h Kélenn, la fontaine Saint-Thivisiau et le parvis de l’Hôtel de Ville.

Les lauréats 2024 :

> Parc de Kréac’h Kélenn : Laëtitia-May LE GUELAFF – sculpture Envol

> Fontaine Saint-Thivisiau : Vincent DE MONPEZAT – installation Conversations

> Parvis de l’Hôtel de Ville : Bruno GUIHÉNEUF – sculpture Flux 245

Peter Briggs est né en Angleterre où il découvre la sculpture et la gravure. De son père botaniste, il découvre et observe la nature. Son travail se caractérise par une compréhension physico-sensorielle de la matière. Il est empreint de la mémoire des choses (réinterprétation des formes des objets utilitaires) et de leurs états antérieurs (le métal en fusion chaud et liquide devenu froid par exemple). L’artiste accorde une importance particulière au détail plutôt qu’au tout, aux accords chromatiques des matières plutôt qu’aux pigments, aux assemblages mouvants plutôt qu’aux choses figées… Un univers unique qui passe par une exploration du sens du toucher et d’une perception sensible et culturelle de la matière qui nous compose et nous entoure.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Né le 17 juillet 1950, à Gillingham (Grande-Bretagne). Formation : Hornsey College of Art/Ecole des Beaux-Arts de Dijon. Enseigne la sculpture à l’école des Beaux-Arts de Tours depuis 1983. Vit et travaille à Tours puis à Saint Pierre des Corps depuis 1983.

Site internet : peterbriggssculpture.com

Alexandre Berthaud et Bruno Kervern se sont rencontrés au sein du collectif Mille au carré, un espace de création propice au développement d’un univers où graphisme, son, design d’objet, électronique, se côtoient de manière transdisciplinaire.

En considérant les technologies numériques comme source d’inspiration, les artistes déconstruisent leurs usages et les détournent à des fins poétiques. Les outils et techniques qu’ils questionnent deviennent des matériaux propices à la transversalité des arts. La donnée numérique comme médium permet de générer de l’interaction entre graphisme et musique, mais aussi entre humains et environnements.

L’exposition à L’aparté sera l’occasion pour eux de présenter de nouvelles créations, ainsi que certaines plus anciennes. L’ensemble évoque un cabinet de curiosité des temps modernes, où d’insolites vestiges du futur se côtoient. Liés par la matière et les technologies, ils semblent dialoguer via d’étranges moyens d’expression.

Elsewhere is a new commission and the first institutional solo exhibition in the UK by Alia Farid. Working in film, sculpture, and textile, Farid traces histories often marginalised or obscured by the Global North. In her artworks, communities, local practices, and traditions are reconsidered, giving the rhythms of everyday life political significance and potency.

Sixteen hand-woven and embroidered rugs are installed in the ground floor of Passerelle. Drawing from photographs, archival material, and interviews with local people, the works detail cityscapes – buildings, shop fronts, and adverts – that conjure the presence of the Palestinian diaspora in Puerto Rico (USA). Pharmacies and restaurants, owned and operated by Palestinians, are woven alongside brightly coloured mosques and a menu detailing ‘Arabic cuisine’.

The result of a close collaboration with weavers in Samawa, in southern Iraq, the textiles have been crafted through a combination of flat weaving and chain stitching specific to the region. Architecture, script (Arabic and Spanish) and traditional woven motifs recur throughout, illuminating how migration from one region in the Global South to another, brings forth new meanings, forms, and expressions of shared struggle and solidarity. Hanging in many parallel rows, the installation creates panoramic views, and a layering of lived history and daily routine.

Elsewhere is a growing material archive that traces the ways styles, symbols, rituals, and other social devices coalesce across continents. It is the first chapter of an ongoing research project, initially conceived in 2013, which maps Arab and South Asian migration to Latin America and the Caribbean. Other sites of investigation include Trinidad, Cuba, and Mexico. In this accumulative and iterative process, Elsewhere marks one crossroads on an intricate map.

As a counterpoint to this new installation, the Chibayish films series from 2022 and 2023 are also being shown, evoking the impact of the oil industries in particular on the social and ecological fabric of southern Iraq and Kuwait. Chibayish follows young marsh inhabitants as they introduce their homeland and its communities. The result is a stunning portrait of a natural landscape shaped as much by intimate, communal ways of life as by war, resource extraction, and industrialisation.

‘Passerelle is delighted to announce a ground-breaking collaboration with MojennLab, an avant-garde Breton start-up specialising in the creation of ancient and modern legends and optimising the tourist offer. This unique alliance between the art centre and the creative originality of the start-up marks an exciting new venture in the world of contemporary art. MojennLab is recognised for its ability to transcend the limits of the imagination and has joined forces with Passerelle to produce an exhibition that redefines the norms of creativity. The MojennLab combines history and narrative to create unique and unforgettable experiences. MojennLab offers local communities packages of myths tailor-made for each area: dragons, UFOs, brain-eating zombies or reincarnations of Joan of Arc or Charles Martel.

Loïc Le Gall, Director of Passerelle, talks with enthusiasm of this exceptional collaboration: “Passerelle has always been devoted to celebrating art in all its forms. By joining with MojennLab, we have the opportunity to push back the limits of our commitment to artistic innovation and entrepreneurship and present our audience with an incredible artistic experience.” The co-founder of MojennLab, Guildern Le Guenec’h, is delighted with this visibility: “To have the chance to show what we are capable of in an art centre such as La Passerelle demonstrates the original and international ambition of MojennLab. We are here to design the tourism of tomorrow and I am sure that art can help us in some way.”’

Ondine Bertin (1995) is a graduate of the European Academy of Art in Brittany (Brest site) and in 2023-2024 she was awarded a place on the Artist in Residence Workshops programme. She invites us to take part in a unique adventure at Passerelle by inventing a business of the imagination specialising in the creation of legends for regions that do not have their own. Hers is a caustic world, gently mocking the world of business and its codes, from the sometimes absurd teambuilding, to the new Franglais thrown up by the new professions, and examines the notion of the purpose of work, well-being and achievement.

Her MojennLab business, a portemanteau word combining Mojenn, Breton for legend, and Lab for laboratory, is sufficiently unusual and plausible to be almost credible in its role as a tourism consultancy. Whereas the words are perfectly believable, the images betray a use of artificial intelligence with room for improvement – which the artist demands – that often causes glitches (unexpected minor digital errors) with horrible results such as deformed faces.

Imagining a scenario that could be real, she questions the place of truth and information in today’s world where fake news has become almost indistinguishable from real news. How is history written? How is it sometimes falsified? These are serious questions which Ondine Bertin develops in her exhibition under the cover of her humour that is sometimes dark and sometimes simple and basic.

Passerelle has invited Atelier Magma to put on a unique joint exhibition. Atelier Magma is an association created in 2023 by and for a group of artists and designers from Brest and Finistère. The objective is to bring together artists from the local area to experience and manage a collaborative workspace. And for a very good reason, as times of sharing, meeting and reflecting stimulate creativity and promote the cross-fertilisation of practices. The need to do this was obvious: you had to get together in order to exist and create.

So this group has no particular coherence or common artistic practice. The people in the group know each other partly from an experience at the former Cercle Naval in Brest – the city of Brest kindly made available artists’ workshops in 2021 for local artists who responded to a call for projects – and partly from the emergence of the Art Schools of Brittany, in particular the Brest site of the European Academy of Art in Brittany. The members of Atelier Magma have never exhibited together and for some of them this is their first opportunity to show their works in the setting of a contemporary art centre.

The exhibition brings together 17 artists or collectives as members of Magma. Although the body of work varies hugely, one theme may be perceived: notions of traces and memory. “What remains of a collaboration between artists and the inhabitants of a place? Which moments of life should be preserved and in what forms? Which reality should we safeguard or modify?” are all questions demanding to be answered when you visit the exhibition. Through the clues and propositions offered by many of these artists, an important and implicit questioning gradually emerges: what is the place of the artist in our current society that is so polarised?

Camera in hand, Anne-Charlotte Finel explores interstices and boundary zones: between light and darkness, wild and man-made spaces, animal and plant, human and non-human, living and machine, etc. With its exploration of these thresholds, the Respiro exhibition at La Criée centre d’art contemporain offers a visual and aural experience that questions and blurs the contours of our perceptions and representations.

In Respiro, a first version of which was presented in autumn 2023 at the Centre d’Art de Saint-Fons, Anne-Charlotte Finel draws on a series of recent pieces to create an environment made of darkness and shards of light, of furtive yet slow movements, of blurs, details and materials. To create her sometimes phantasmagorical images, the artist uses only her camera. There’s no mise en scène, just a patient, attentive recording of the living; an alliance between the artist’s eye and the mechano-electronic eye of her camera.

At La Criée, the artist has reconfigured the space of the art centre into three areas, structured by oblique partitions. Each area plunges the visitor into an atmosphere that is both specific and permeable to the neighbouring spaces, through a slight diffusion effect. The ensemble is underpinned by a soundtrack composed by Voiski that reinforces the impression of detachment from reality with its abstract and naturalistic electronic layers.

Carla Adra is a French, Canadian and Lebanese artist whose work, composed of performances, installations, videos, drawings, writing, and more) is based on everyday life, its contexts and its hazards.

Conceived as working with the living, the artist’s practice refers to the notion of intimacy, which she defines as a matter, an interface, a friction, that links beings together in a continuum of relationships.

With her desire to generate connections between people, She develops systems that create links and act as sounding boards, making audible words that have found no refuge and that are usually disqualified. Speaking of others through herself, her work questions self-effacement and disappearance behind the stories, aspirations and feelings of those whose words she listens to, endorses and passes on.

For her exhibition at 40mcube, she developes new situations that reflect her work process.

Dessiner est une aventure et cette exposition est une aventure. Je voudrais raconter quelque chose d’universel et de moi en même temps. Raconter des histoires, des sensations, des émotions, des sentiments. Raconter l’envie de nature, de paysages, de jardins désordonnés, de forêts profondes, de chemins énigmatiques. Raconter l’envie d’humains, d’étreintes, d’attentions et de regards. Raconter la rencontre de tout ça, les plaisirs et les déceptions. Comme une grande histoire en cours. Une histoire d’aventure dessinée où les formes et les couleurs explosent sous vos yeux.

For this exhibition, Les ailes de Caïus presents the post-photographic work of the American artist Gregory Eddi Jones. For this edition, the association joins the GLAZ festival as part of the Rencontres Internationales de la Photographie.

T.S. Eliot, The Waste Land, 1922

The poet T.S. Eliot published in 1922 The Waste Land, a poem in verse that marks modern literature. This poem inspired Gregory Eddi Jones, who directed a century later, his series Promise Land. The artist chooses to glean images (advertisements, newspaper articles, etc.) on the Internet to illustrate the poet’s scenes. Then comes an experimental phase where he grinds the images that he has appropriated (by digital retouching then by adding water to the inks once drawn on paper). Finally, the artist composes a piece of visual music, a symphony of distorted images like the notes of a brass band playing outside in a noisy street.

Gregory Eddi Jones is a post-photographic artist who explores methods of appropriation and reauthorship as means to form conversant bridges between past and present cultural and technological conditions. He has exhibited and published his work internationally, and his latest monograph, Promise Land, was published by SPBH Editions in 2021.

Website : gregoryeddijones.com

Depuis 2021, l’association Espace d’Apparence, à travers le programme De la nature, accompagne les artistes dans une réflexion sur la nature qui s’appuie sur l’exploration des territoires et le dialogue avec des expert.e.s, des scientifiques et des habitant.e.s.
A l’occasion de la troisième édition de son Festival Les Art’Pulseurs de l’Océan, Océanopolis invite Espace d’apparence à exposer les projets d’artistes ayant participé à cette expérience.

La rade de Brest et son évolution, les anciennes pêcheries, les goémoniers et leurs outils, les métamorphoses de l’eau et les résurgences d’eau douce en milieu salin, les rochers sur l’estran et leurs noms bretons, les plantes et les fleurs du littoral, les sirènes et les légendes bretonnes, le développement urbain en zones côtières et ses enjeux à l’aube du changement climatique, sont autant des terrains de recherches que des sujets d’inspiration.

Divagations poétiques, investigations scientifiques et anticipation du futur s’expriment à travers des installations, sculptures, vidéos, photographies, peintures, dessins, textes et sérigraphies.

RENDEZ-VOUS — ESCALE #4

Samedi 4 novembre de 14h à 18h, le public pourra rencontrer les artistes et assister aux interventions du philosophe Yan Marchand et du géolinguiste Maël Jezequel.

Johanna Rocard s’intéresse particulièrement aux rituels anciens et contemporains et à la question de l’esprit de groupe. Ces expériences et savoirs croisés permettent aujourd’hui à l’artiste performeuse de mettre en œuvre une pratique protéiforme structurée par une recherche action non hiérarchisée sur la notion de collectif, et plus particulièrement sur les gestes et rituels de conjuration du mauvais sort qui lient les groupes humains en temps de crises.

Prenant la suite de son projet Le Quinzième jour sur les paysages post-apocalyptiques, Johanna Rocard ouvre un nouveau chapitre intitulé Les enfant·es du compost dans le cadre de sa résidence à L’aparté. Dans un entrelacement organique des écrits de la biologiste philosophe Donna Haraway et des « Guérillères » de Monique Wittig, l’artiste performeuse interroge les capacités de vie de l’espèce humaine, au regard des crises qui la traversent.

Est donné à voir l’envers d’un décor, celui d’une quête constante d’alternatives aux ténèbres du monde, où se rencontrent nail art, tuning, compostage et écoféminisme. À l’abri dans la caverne, l’artiste a invité en amont des femmes de l’EHPAD de Montfort, des allié.es et personnes minorisées de tout âge à co-écrire un guide de « sous-vie » féministe, c’est-à-dire un ensemble d’outils de soins et d’astuces pour une résistance souterraine où le préfixe « sur » n’a plus lieu d’être.

À l’occasion de l’ouverture de l’exposition Les enfant·es du compost, Johanna Rocard présentera Bombe Humaine, une collaboration inter-espèces sous forme de performance participative.

Tout ce que nous connaissons de l’Univers, du Cosmos semble procéder du Bing bang, en être “son écho”, dont le son fossile est encore audible dans l’univers. Chez les philosophes grecs le terme KÓSMOS signifie “le monde ordonné”, l’organisation du monde terrestre et céleste. Cette constellation d’images photographiques tente de rendre compte de la relation de l’humain à la biosphère terrestre, au Cosmos, dans le désert américain, ainsi KÓSMOS ne cherche pas simplement à reproduire extérieurement l’image du monde, mais cherche à saisir l’étrangeté primordiale de notre environnement terrestre perçu comme un monde crypté.

For his first solo exhibition, Stanislas Paruzel presents the first three films of a series dedicated to Tristan & Iseult.

Stanislas Paruzel’s films combine different modes of production. Combining shooting with actors and actresses, animation and inlay, they take on a dreamlike, unreal dimension.

For his exhibition at 40mcube, Non Complete Story, he presents the first three films in a series that he will be continuing. Each episode is an interpretation of a chapter from the text of Tristan & Iseult, based on the modern French versions by Joseph Bédier and René Louis. One of them, produced during the professional training GENERATOR that the artist attended in 2021-2022, is dedicated to chapter 15, Mark in the tall pine tree.

Stanislas Paruzel’s scenography combines these videos, projected or screened, with sculptures that are also elements of the sets, or works produced after his films were made, evoking and extending their singular universe.

While revealing an almost childlike fascination with the Middle Age and its aesthetics, this classic tale of love is seen from a contemporary, critical angle.

Cher Lucien,
C’est curieux, n’est-ce pas, de t’écrire, un jour d’automne 2023.
T’écrire, pour te dire avec vive émotion, que nous avons accueilli les clés de cette incroyable demeure qui porte désormais ton nom. Venir ici pour y déposer notre cargaison d’Art quelques temps, dialoguer avec certaines de tes œuvres et s’interroger sur les liens qui nous font et les traces que nous laissons… Est-ce que l’on crée pour soi ou pour le reste du monde ? Est-ce que l’on a peur d’être oubliés ? {…}

Sensibles aux lieux qui les accueillent, Elice Meng, artiste et Freddy Rapin, photographe et fondateur de la Maison d’Art Le Cargo Volant (édition de cartes postales et tirages d’art d’œuvres de créateur.trice.s vivant.e.s) ont envisagé le sujet de l’artiste et de l’homme Lucien Prigent et découvert des corrélations peu banales avec ce qui résonne en eux.

Le sculpteur Lucien Prigent (1937-1992) fut chargé du service postal, dans un hôpital à Paris en 1960. Les thèmes phares de son œuvre sont l’homme, le corps de la femme, l’oiseau.

Elice Meng et Freddy Rapin ont donc imaginé construire l’exposition autour de ces thématiques, en faisant dialoguer dans l’aménagement d’un « repère poétique », les œuvres empruntées aux divers artistes invités du Cargo Volant, et créer aussi des passerelles spatio-temporelles avec les sculptures de Lucien en place.

En écho au Festival Moi les Mots, ils nous interrogent également sur la nécessité de l’écrit et la beauté de la correspondance invitant les publics à revisiter leur rapport à l’épistolaire.

Élodie Guignard investit le quartier afin de nous proposer son regard d’ « un midi à ViaSilva ». La photographe développe une pratique artistique autour de l’humain, de la représentation du corps dans l’espace et de son insertion avec le paysage environnant.

La résidence s’inscrit dans un dialogue que l’artiste entretient depuis toujours avec le territoire et de ceux et celles qui l’incarnent. Il s’agit d’aller à la rencontre des personnes qui travaillent à ViaSilva, qui y passent la journée avant de rentrer chez elles. Elle apprécie écouter, collecter les histoires et témoignages des habitant·es quant à leur relation avec ce quartier. De l’intime au collectif, elle propose d’explorer de nouvelles pistes autour de l’ancrage des corps dans un lieu en constante évolution et construction.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva est un programme de résidences artistiques né en 2017.
L’objectif ? Garder une trace des transformations du quartier de ViaSilva à travers le regard de photographes. Depuis 2021, les Rencontres photographiques de ViaSilva investissent les lieux tout au long de l’année avec une programmation OFF.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Élodie Guignard, photographe titulaire d’un diplôme de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, apparait comme une artiste incontournable dans le domaine de la photographie contemporaine. Forte de plus de vingt ans d’expérience artistique, elle nous entraîne dans un monde où les liens entre l’être humain, la nature et le territoire se révèlent sous un éclairage saisissant à travers ses oeuvres captivantes.

Depuis ses débuts, Élodie Guignard explore les frontières floues entre la réalité et l’imaginaire en mettant en scène des personnages au sein de décors naturels, souvent en Bretagne. Ses séries Le lieu désiré, À travers le feuillage, et Narcisse ou le souffle renversé ont conquis un public international, mettant en lumière une sensibilité artistique unique.

Son parcours l’a également conduite en Inde, à la frontière du Bangladesh, où elle a documenté la vie des réfugiés hindous venus du Bangladesh pendant deux décennies. À travers ses séries Le village de l’aurore et Santal, elle explore la complexité des relations entre l’être humain et son environnement dans des paysages exotiques et envoûtants.

Élodie Guignard ne se cantonne pas à la photographie artistique, elle s’engage également dans des projets humanitaires, notamment en capturant la vie des migrants bangladais à Paris. Elle illustre ainsi les interactions complexes entre les individus et leurs environnements, qu’ils soient naturels ou urbains.

L’exposition ÉCLIPSES propose de confronter différents regards sur un monde en perpétuel changement. Elle explore les multiples facettes de la transformation et crée des rencontres inattendues entre des artistes qui figent le passage du temps et la beauté de l’éphémère.
ÉCLIPSES met en regard une sélection d’œuvres de la collection du centre d’art L’Imagerie (Lannion) et de l’artothèque des Moyens du Bord (Morlaix), rarement montrées au public. Deux médiums entrent ainsi en dialogue, la photographie et l’estampe, autour d’une thématique commune : la disparition.

La sélection des œuvres invite à penser la disparition par-delà sa dimension négative, comme un processus inhérent à toute forme de création, dont elle constitue l’un des moteurs. Telle une série d’éclipses, l’exposition tente de retracer ce mouvement permanent entre apparition et disparition inscrit derrière chaque phénomène du monde.
Le parcours s’articule autour de quatre grandes séquences : la mémoire, l’espace urbain, l’éphémère et les ombres. Ensemble, elles mettent en scène l’absence et l’oubli, le caché et l’inaccessible, l’immuable et le transitoire, à travers des expérimentations plastiques et des démarches artistiques diverses.

Avec les œuvres de :
Thibault Brunet, Jeanne Clauteaux, Jean-Marc Dellac, Caroline Feyt, Yannig Hedel, René Jacques, Michael Kenna, Bogdan Konopka, André Le Foll, Bernard Louvel, André Mérian, Eric Monbel, Bernard Plossu, George Rousse, Speculaire (Flavien Théry et Fred Murie), Hiroshi Sugimoto, Jacques Villeglé, Danielle Wallers.

« L’acte de dessiner relève pour moi de la magie. Magie de faire apparaître par la simplicité d’une feuille de papier, et dans l’économie de moyen que représente ici le dessin au fusain, des espaces de récit faisant surgir simultanément la mémoire et l’imaginaire, le passé et le présent ».

Le travail d’Anna Picco est engagé : physiquement (par son dessin au fusain sur papiers grands formats), personnellement (par l’influence de ses origines séfarade et ashkénaze), politiquement (par sa fascination pour la « Commune de Paris »), oniriquement (par son univers syncrétique où la force de l’image préexiste toujours à son interprétation intellectuelle et sensible).

Elle explore cette narration par un travail dessiné, souvent de grands formats. Dessins où les traces demeurent, persistent et ne cherchent pas à séduire. Gravir l’abîme, c’est dessiner pour « sortir du noir », remonter des profondeurs les limbes de la mémoire, du mystère, de l’oubli, de l’inconscient, de l’enfance, des révoltes, et esquisser les contours d’un monde autre.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

En 1924, Alfred Kubin écrivait : « Le monde m’apparait comme un labyrinthe. Je veux y trouver mon chemin et c’est en dessinateur que je dois le faire ». Le fil d’Ariane de ce labyrinthe devient pour Anna Picco l’imaginaire, le dessin la continuité entre l’individu projeté dans ses dédales et le monde.

Diplômée de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne, site de Rennes, Anna Picco expérimente par le dessin les possibilités inépuisables de la forme figurative et narrative. Elle vit et travaille à Nantes.

Site internet : annapicco.com

With Avaler les cyclones, Evariste Richer offers La Criée a sensorial experience that unfolds in every dimension of the art centre’s space. Composed of works specially conceived for the occasion, the exhibition is an invitation to think about the ramified links between heaven and earth, history and myth, meteorology and the imaginary.

Avaler les cyclones is a landscape in which we drift between rainbow mountains, under a great fluorescent sun, along the borders of thunderstruck continents, caught up in the random turmoil of a sky composed of shades of grey.

Avaler les cyclones is a pseudomorphism in which a circle becomes infinity, 75,000 faces of playing dice reveal the appearance of a hurricane and two helicopter blades become the hands of a ghost clock.

Avaler les cyclones is a concatenation where the different works combine and wrap themselves into a spiral.

Avaler les cyclones is a climate that oscillates between disruption, lightning strike and bedazzlement.

In Avaler les cyclones the human hand – that which holds the conductor’s baton, the architect’s pencil, but also the blind man’s cane or the dice of chance – is always present. Through these suspended gestures and various operations, it attempts to reappropriate the experience of long time. The exhibition questions man’s place on earth, his power of invention and his demiurgic excess.

Avaler les cyclones is an oxymoron : it speaks of suspension and acceleration, anxiety and wonder, movement and petrification.

Avaler les cyclones is a vertiginous experience that takes the form of a twilight haiku: human beings in the setting sun, spiralling out of control, the die is cast.

With Avaler les cyclones Evariste Richer employs slow, intense, almost geological thought. This reflection crystallises in works that suspend, rush and interact to express the density and stratification of time as much as the irreducible intensity of the present.

The exhibition is therefore a place where human, geological and cosmological history intertwine. In this respect, it is in keeping with the words of historian Achille Membe: “[…] in dealing with the Earth, it is a symbiotic chain, in reality the extent of living beings and their innumerable manifestations, that we must keep in mind. Humans, animal, plant and mineral species, microbes, winds, tornadoes, hurricanes, bacteria and viruses, as well as the seas, skies, climate, technological systems and other artificial devices and externalities, are all inseparably part of it. And what about the soils and glaciers, the rocky mix deposited by the rivers, the striated hills, the clay, the stone and the statues?”

Young artists 

For the 2nd consecutive year, the Galerie du Faouëdic of the City of Lorient opens its doors to young graduates of the EESAB. These 16 young artists have just obtained their National Higher Diploma in Plastic Expression (DNSEP) in the two specializations offered on the Lorient site: “art and storytelling” and “visual arts for journalism”. Prepared in 5 years of study, this diploma confers them the rank of Master and marks a new stage in their training and the beginning of their career.

Fragments for exhibition

In order to think about the exhibition of the class of 2023 and to propose a route around the works presented last June during the diplomas, the EESAB and the City of Lorient have commissioned Maïa Saillard, to curate the exhibition. About the idea of ​​fragments, she writes: “It is first a question of showing the way in which these artists question and represent what surrounds them and the way in which they echo reasoning common to all. How do we understand the body today? What is the relationship between nature and human beings? How do we tell a story? How to transcribe a memory, a walk, a dream? “

Support for young contemporary creation

By hosting this exhibition, the City of Lorient is responding to the wish of the graduates to be able to show their work to the Lorient public, thus ending their years of study and life in Lorient. Some aim to stay on the territory, others will leave for new horizons. They will continue their artistic practice or seek to work in the artistic sector in the broad sense, or in education. In order for the project to be coherent, the curating of the exhibition and the graphic design were entrusted to two young artists, themselves former students of the EESAB.

Ludovic Debeurme est un auteur de bande-dessinée, plasticien, écrivain, et musicien français né en 1971.

Il débute en 1996, en tant qu’illustrateur pour la presse et l’édition. Puis inaugure, en 2002, une longue collaboration avec les éditions Cornélius, qui publie sa première bande dessinée, Céfalus. Il est récompensé pour son livre Lucille (Ed. Futuropolis) paru en 2006, dont le prix “Essentiel” du festival d’Angoulême, et le prix Goscinny du meilleur scénario. Traduites dans de nombreux pays, ses œuvres suscitent l’intérêt du cinéma puisque sa trilogie Epiphania (Ed. Casterman. 2017) est en cours d’adaptation par le réalisateur Jan Kounen. Sa dernière parution, La Cendre et l’écume (Ed. Cornélius. 2022 – sélection Angoulême 2023) met en scène les décors de sa région d’enfance au service d’une autobiographie mêlant différentes strates historiques.

Il expose régulièrement son travail de plasticien en France et à l’étranger, et est l’auteur de plusieurs spectacles et performances associées à son groupe Fatherkid pour lequel il compose l’ensemble du répertoire.

Illustrateur fluide aux multiples traits, il présente à L’aparté l’exposition Hors-peaux, corpus d’œuvres graphiques dans lequel se décline notre rapport sensible à la nature. Entre récits intimes, contes oniriques drapés d’une poésie étrange et mélancolique, Ludovic Debeurme imagine des environnements boisés et des corps, souvent hybrides, pour nous rappeler que l’être humain est un composant du monde vivant.

Cette exposition proposée à la galerie, présente une partie de la collection constituée par Françoise et Bernard GAUTIER. Cet ensemble est né de leur intérêt pour les arts visuels. Après plus de 40 ans, on peut voir une collection cohérente et diversifiée, où l’abstraction domine. Elle s’appuie sur une documentation qui s’est constituée au fil des visites dans les musées, les expositions, en galeries et lors des portes ouvertes des ateliers d’artistes. Françoise et Bernard GAUTIER ont déposé des oeuvres à l’artothèque d’Hennebont, celles-ci seront présentées en septembre dans le hall du centre socio culturel et seront ensuite empruntables.

Visuel de Serge Saunière, encre sur papier oriental.

Conceived with and around the work of Céline Le Guillou (artist in residency at Peillac), this exhibition explores the notion of matter and its existence as a representative of itself or of something else. The works presented are on loan from the artists or from collections including Frac Bretagne and Frac Normandie.

French artist Isabelle Arthuis exhibits her work on loan from Frac Bretagne in response to Minoterie21’s annual invitation for the “pigeonnier panel”. This silkscreen print, based on a photograph taken from inside the Grotte de Donant, will be on view outside for a year.

Isabel Perez del Pulgar investit ses photographies de famille des années 80-90 pour exorciser une expérience traumatique. Il s’agit de remettre en mouvement la mémoire en s’appropriant les images figées du passé, en les combinant par le geste plasticien et par le montage audiovisuel. Elle brûle, déchire et scarifie ses originaux pour faire, défaire et refaire d’énormes « albums », porteurs d’une narration jusque-là invisible. La matière altérée de ces images pauvres prend alors une dimension picturale, une unité chaude, traversée de rouges épais et diffus.
Isabel Perez del Pulgar engage ainsi, dans Reconsolidation, une variation plasticienne et réflexive autour de l’archive. Elle interroge la manière dont la mémoire familiale et l’identité personnelle sont construites et conservées comme une mythologie figée à travers diverses mises en scène : albums, encadrements, films du quotidiens et autres véhicules du souvenir. Un rituel pour reprendre possession de soi et produire un nouveau corpus d’images désormais pourvues de puissances salvatrices.

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Isabel Perez del Pulgar vit et travaille à Douarnenez depuis 2015. Originairement plasticienne, elle se consacre essentiellement à l’art vidéo depuis les années 2000. Son travail a été primé dans de nombreux festivals internationaux. Le projet Reconsolidation qui articule photographie et vidéo a reçu le soutien de la DRAC Bretagne en 2022.

• https://www.isabelperezdelpulgar.com/

À la suite d’une résidence de recherche et de création à l’invitation de l’association Les Moyens du Bord, Laëtitia Donval propose une première étape de travail sur sa perception du Pays de Morlaix par le prisme de l’eau en associant ses photographies et images d’archives. Elle s’intérresse aux traces de l’utilisation industrielle et quotidienne de l’eau par une exploration du passé et du présent des lieux de ruissellement et de vie du territoire.
La Manufacture des Tabacs de Morlaix, lieu emblématique de la mémoire ouvrière de la ville, est au cœur de cette recherche qui se poursuit le long des fleuves et rivières irriguant le territoire (le Dossen, la Penzé, le Queffleuth, le Jarlot, …). Une photographie au rythme de la marche, approchant de manière sensible, un paysage, son passé et ses habitants, associée à un travail de recherche d’archives voulant rendre visible une forme de matérialité instable du réel.

Artiste topographique, Gwenn Mérel arpente le paysage, observe, prélève, capte l’atmosphère, les couleurs et les lumières des portions de nature parcourues. Les éléments iconographiques capturés sont le point de départ de son travail plastique, utilisant différents médiums. Elle s’adonne en particulier au dessin et à des techniques ancestrales telles que la broderie, le tricot et le travail du tissu. Des ouvrages qui demandent concentration et patience, un labeur qui contraint à prendre le temps.

En résidence à L’aparté, Gwenn Mérel poursuit ses recherches et ses expérimentations sur le paysage. L’artiste s’imprègne de l’environnement immédiat de Trémelin et la Chambre au loup à Iffendic pour développer sa série de dessins composés de petites croix au crayon de couleur sur papier coloré, commencée lors de sa résidence à la Galerie des Petits Carreaux à Saint-Briac-sur-Mer au printemps 2019.

Dans la continuité de son rapport aux techniques « domestiques », en ce qu’elles se pratiquent dans l’intimité du domicile, Gwenn Mérel a cultivé des plantes pendant le temps de sa résidence et réalisé des oyas-sculptures qui permettent d’irriguer la terre régulièrement et avec parcimonie. Cet ensemble de plantations et d’oyas est disposé au cœur de la salle d’exposition, sous un puits de lumière naturelle. Ce paysage « macro » dialogue avec le panorama extérieur du lac de Trémelin que l’on aperçoit à travers les vitres.

La résidence de Gwenn Mérel à L’aparté se clôture comme elle a commencé, par une lente déambulation autour du lac de Trémelin, non pas en solitaire mais accompagnée d’une soixantaine de volontaires qui auront revêtu les pulls-nuages, tricotés à partir de 2019. Performance poétique comme une ode aux nuages qui, à la manière d’un artiste, jouent avec les lumières et les couleurs du paysage.

Sophie Marrey, chargée de la programmation et de la médiation, 2023

Le Larvoratoire photographique accueille trois étudiants de l’EnsAD Paris pour l’exposition Les intermondes qui se tiendra la première quinzaine de juillet à Douarnenez. Cette action s’inscrit dans notre créneau d’accueil des étudiants des écoles d’art. Guillaume Bihan, Côme Rollet et Shanna Warocquier terminent actuellement leurs parcours d’études Photographie et Vidéo à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Trois regards talentueux sur le clair-obscur de notre rapport au monde et à la nature. Ils sont accompagnés par Rose Vidal, jeune curatrice et romancière, également étudiante aux Arts Décos et qui a écrit le texte de présentation de l’exposition.

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“Les mondes s’éloignent, ne se connaissent et ne se reconnaissent plus, à force de distinctions : l’humain de l’animal, le chez-soi du dehors, le jour de la nuit, le sujet de son arrière-plan, le sujet cultivé de son paysage sauvage. En s’attardant dans la chasse infinie d’un clair-obscur, trois photographes arpentent l’indistinct et recueillent, chacun·e de là où iels sont, les preuves contradictoires de sa persistance. Leur décor ? entre l’habité et l’abandonné, le corps ? entre humeurs et humus, l’heure ? entre chien et loup. Parlons de cet entre-deux non comme d’une frontière sur laquelle on basculerait d’un monde à l’autre, mais comme un espace où se pousse l’indécision lorsque la photographie décide de s’y attarder. Cet « entre » fragile, où s’éterniser quand la lumière tombe et que s’indéterminent la nature et la facture des choses.

Guillaume Bihan, Côme Rollet et Shanna Warocquier nous maintiennent dans une énigme prolongée, agencée en fragments, en perspectives et décors qui pourraient se relier si seulement une histoire était dite. Qui fuit, qui suit ? Est-ce que nous appréhendons bien ce que c’est que l’animal, le non humain, et la nature, si proche si loin ? L’histoire est l’entre qui n’est pas dit, où les mondes sont multiples et se dédoublent, se partagent, abritent les chasses gardées de territoires superposés ; nous emmènent dans une traque dont nous ne sommes pas toujours proies.”

Rose Vidal, mai 2023

At the crossroads of Drag, Cosplay and contemporary art, Claire Guetta plays Sailor Claire Voyance, who makes her life more epic, romantic and even dramatic.
Freely inspired by Japanese magical girls, she romanticizes her daily life while touching on feminism and the passage to adulthood.
Sailor Claire Voyance battles the forces of evil and continues her quest to make the world a brighter, less scary place.
Through a video installation, immerse yourself in the artist’s magical universe and set off in search of the lost Crystal…

Pour la huitième édition de l’événement poétique, artistique et culturel « Les Cent Marches », l’association morlaisienne Dont Acte donne carte blanche à Espace d’apparence pour investir,le temps d’un week-end, le jardin de l’ancien hôtel particulier du peintre et maître verrier du XIXème siècle Jean–Louis Nicolas.

Dans ce contexte, l’artiste plasticienne Marie-Michèle Lucas invite les artistes Élouan Cousin, Alix Lebaudy, Nesrine Mouelhi, Marie-Claire Raoul et Marianne Rousseau à s’approprier cet espace remarquable.

La réflexion qu’il.elles ont menée précédemment au sein du programme artistique De la Nature trouvera ici un autre cadre, celui du jardin, et quel jardin !
Située au 13 rue Longue, au pied de l’escalier dit des Cent marches, la maison de l’ancien peintre décorateur et maître verrier est implantée sur la pente montante de la vallée du Queffleuth. Le jardin entièrement clos, accolé au versant très escarpé du coteau, est aménagé sur trois niveaux. Il bénéficie d’une vue spectaculaire sur la ville de Morlaix et les vallées environnantes.

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VERNISSAGE

Samedi 1er juillet à 12h
Rue Courte. Rendez-vous dans le jardin du milieu de la rue (Grille)

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INFOS PRATIQUES

• Lieu : 13 rue Longue – 29600 Morlaix
  Pour accéder au jardin, au départ du 13 rue Longue monter l’escalier de la rue Courte, puis prendre à droite la venelle qui longe l’hôtel particulier. La première porte à votre droite est celle du jardin.
• Horaires : de 11h à 19h
• Entrée libre et gratuite

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REMERCIEMENTS

Nous remercions vivement Marie-Michèle Lucas et l’association Dont Acte pour cette belle invitation.
Un grand merci également à Véronique Paugam, propriétaire des lieux de nous accueillir avec beaucoup de générosité dans son merveilleux jardin. L’hôtel particulier de l’ancien maître verrier Jean-Louis Nicolas est inscrit aux monuments historiques depuis 2022.

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À PROPOS DU FESTIVAL LES CENTS MARCHES

Créée en 2015 par des artistes de Morlaix résidant pour la plupart dans les escaliers de la rue Courte ou venelle des Cent Marches, le festival propose depuis huit ans, sur la durée d’un week-end de juin, un événement culturel, dialogue vivant entre les différentes pratiques artistiques et la poésie. L’originalité du festival « Les Cent Marches » est de conduire le public vers les différentes pratiques artistiques (peintres, sculpteur.trice.s, plasticien.ne.s, photographes, designers, céramistes, poète.sse.s et écrivain.e.s) par le biais de la découverte d’une rue, de ses habitants, la beauté et l’intérêt patrimonial de ses combots, jardins particuliers offrant des points de vue inattendus sur la ville.

Installée à la chapelle de la Trinité, Bruissement est une proposition en partenariat avec L’art dans les chapelles. Cette manifestation valorise le patrimoine architectural en le faisant dialoguer avec le travail d’artistes contemporains.

« J’ai commencé à tourner la vidéo de Bruissement il y a environ deux ans et demi, peu de temps après la naissance de ma fille. La naissance, la mise au monde de la vie et la rapidité de sa croissance, m’illustrent chaque jour le temps qui passe et notre condition de mortel. La peur d’oublier et de perdre des moments et des périodes de sa vie m’a amené à essayer « d’enregistrer le temps » et à commémorer les changements et les moments qui passent dans notre routine quotidienne, avec le souhait que, peut-être, de cette façon, je serais en mesure d’en prendre le contrôle.

Dès le début du travail sur la vidéo, j’ai choisi de ne pas photographier ma maison, mais seulement d’enregistrer sa voix et, au lieu de photographier sa silhouette, j’ai photographié au fil des saisons les mouvements de lumière et les silhouettes qui apparaissent au-dessus des rideaux dans la maison. Parallèlement à ces parties presque documentaires, j’ai mis en scène des gestes visuels essayant de saisir la lumière du soleil entre mes paumes, de concevoir sa forme et de prédire la direction de son mouvement ; et j’ai manipulé le rythme naturel du temps au montage.

La longue période pendant laquelle la vidéo a été tournée, le suivi du soleil révélant quand il est à son apogée et disparaissant quand il se couche, la voix changeante de ma maison et la transition du babillage de mon bébé à un langage clair… tout cela exprime pour moi de manière primale et sensuelle le passage du temps, la beauté qui existe dans la vie et, avec elle, la douleur de leur temporalité. »Yasmin Davis (traduit de l’hébreu par Olivier Stern)

Yasmin Davis est née en 1981. Elle vit et travaille à Tel Aviv (Israël).

Au printemps 2022, dans le cadre du programme artistique « De la nature » organisé par l’association Espace d’Apparence, les artistes Elouan Cousin, Vincent Lorgeré & Marieke Rozé, Marie-Michèle Lucas, Nesrine Mouelhi, Marie-Claire Raoul et Marianne Rousseau ont été accueilli.e.s en résidence durant trois semaines à la Maison des Abers-Ti an Aberioù, centre d’interprétation des Abers situé sur les dunes de Korn ar Gazel à Saint Pabu.

L’exposition « De la nature. Escale #3 – Aber Benoît » présente les œuvres issues des explorations qu’il.elle.s ont menées sur ce territoire.

LIEUX

Maison des Abers-Ti an Aberioù, rue de Tariec, 29830 Saint-Pabu

Le long du gr 34 à Saint-Pabu

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PROGRAMME

>>>> Vernissage déambulatoire : Dimanche 9 juillet de 15h à 19h.
Programme et infos : ICI

>>>> Rencontres “Escale #3 en août”
Programme et infos : ICI

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A PROPOS DE LA MAISON DES ABERS – Ti AN ABERIOÙ

La Maison des Abers-Ti an Aberioù est un espace muséographique dédié à la découverte des trois abers : l’aber Wrac’h, l’aber Benoît et l’aber Ildut.

A PROPOS DU PROJET DE LA NATURE

Le projet « De la nature » initié en 2021 par l’association Espace d’Apparence, réunit des artistes et des intervenant.e.s associé.e.s (botanistes, géologues, historien en art contemporain, philosophe…) afin d’interroger la notion de nature, sa perception, sa représentation et questionner la relation de l’être humain à celle-ci. Il se déploie sur les territoires de la métropole brestoise et du pays des Abers.

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INFOS +

la-maison-des-abers-ti-aberiou.fr

espacedapparence.fr

Christian Bonnefoi offers an unusual example of an art theorist who has successfully turned his hand to practice, as evidenced by his 2008 retrospective exhibition at the Centre Pompidou in Paris. The Oniris gallery has invited him for the thirteenth time since 1992 for a new solo exhibition of recent paintings during the summer of 2023.

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“It’s a universe built from scratch, in which I use photography,” explains author and artist Maia Flore as she describes her approach. “But in the end, everything is conceived more like a painting or collage. It’s a collection of ideas. I collect photographic images that I then assemble to make them part of my universe, somewhere between imagination and reality. I like to play with that aspect. Making the audience ask themselves, ‘did that really happen?’ The scene before us seems plausible, but then again, we know it can’t be. It’s a thin line between two worlds. A permanent game. Sometimes
it’s tragic, sometimes it’s amusing or poetic…”

The ‘Artists-in-Residence’ programme, led by Passerelle and Document d’Artistes Bretagne, promotes the creativity of artists starting out their careers in Brittany. This year Germain Marguillard is enjoying the benefit of this arrangement for budding artists, which includes a residency, critical and technical support and an end-of-residency exhibition. After his three months spent at the art centre he is presenting the exhibition ‘À l’infini, pas du tout’ (Ad infinitum, not at all) in which he explores the links between sciences, the occult and the symbolism of forms.

At first sight it seems difficult to link the aesthetic of Marguillard to any specific era. He takes codes of representation and ways of seeing the world which appear to be in contradiction and outside of time. The common thread of his research is esotericism; he is passionate about beliefs, practices and phenomena that cannot be explained scientifically, such as astrology, divination, magic, and parapsychology. On the other hand, he closely follows technological developments in the so-called hard sciences, including chemistry, astronomy and physics, with no scientific ambition. Marguillard sets these worlds in opposition, where they stare stonily at each other, yet they are both asking the same questions: how does matter change or transmute? What is chaos? And many other questions that could be called existential…

The artist pays particular attention to the microscopic and the gigantic, from the atom up to the galaxy. The exhibition title alludes to this, ‘Ad infinitium, not at all’, and to a certain children’s rhyme, ‘I love you a little, a lot, passionately, madly, not at all’. He is fascinated by objects, documents and scientific instruments. He takes ownership of many forms from this particular vocabulary including the iconic one of the particle accelerator. This type of installation allows scientists to better understand how the universe works – it is possible to recreate cosmic phenomena in a miniature version – and to study the transformation of matter. When you grasp the objectives of this machine and how it functions, it then becomes evident that it is part of the alchemical ‘bestiary’ of the artist.

Marguillard shines a light on another duality: that of tradition in the face of modernity. The techniques he uses, such as firing ceramics, are ancient and common to numerous civilisations and peoples. He combines simple decorative forms such as leaves, knotwork and spirals which powerfully recall Islamic and medieval arts. But these motifs are inspired by treatises on botany and anatomy and other scientific works. Marguillard works on linking them to sculptures which resemble technological tools where they would not at first seem to belong, because our unconscious situates them in another place. By setting down this bridge between two incompatible worlds, he reinserts symbolism and grace into the scientific world which, however, only requires utility and functionality. Presented together, his singular sculptures paradoxically recall an archaeological site as much as a state-of-the-art technological laboratory. The exhibition could relate to a ruined temple, the home of ancient myths, but its resolutely contemporary register confuses one’s reading of it. By seeking to find the spiritual in the everyday – as also In his mural works that are half screen and half stained-glass window – Marguillard questions our certainties acquired in a world where information has never before been so available and so manipulated.

Passerelle is taking part for the first time in the initiative entitled ‘A photographic journey through Brittany’ which presents a photographic exhibition trail across the whole region every two years. This monographic exhibition by Laura Henno entitled ‘Grande Terre’ (Great Earth) is part of a broader presentation of the ‘Radioscopie de la France’ photographic commission aimed at photojournalists and supported by the National Library of France (BnF). Awarded this bursary, Laura Henno engaged in work that was artistic, committed, poetic and almost sociological, pursuing this in Mayotte from 2013, the date of her first visit to the Comoro Islands, the archipelago to which the island of Mayotte belongs. In her work she shows various ways of resisting oppression; this is precisely what attracted her to Mayotte, following the life of teenage gangs that survive on the coast of this land of contrasts, long forgotten by mainland France.

To understand the artist’s research, we must delve into the history of Mayotte, intrinsically linked to the post-war self-determination and independence movements. The Comoro Islands, then a French protectorate, declared their independence in 1974. The government of Valéry Giscard d’Estaing refused to accept the positive result of the referendum and retained one of the four islands, Mayotte, as an intrinsic part of the French Republic. This occupation became illegal and was condemned by the United Nations. In 1995, visas became compulsory for inhabitants of the Comoros wishing to visit Mayotte. Yet the people of the archipelago had always come and gone between the different islands, both to see family and to work. This geographical division created clandestine immigration that had not existed before, as well as social division, by exacerbating the hatred between rich and poor.

Laura Henno first became interested in the undocumented people of the Comoran community living in Réunion in abject poverty when she had a residency on that island between 2009 and 2012. She could see a parallel between the history of marronage and the clandestine life imposed upon migrants. Marronage was the word used in the colonial era when a slave escaped from a plantation and fled to wild, inaccessible areas. It was later broadened to mean a way of resisting slavery. Her early experience inspired her to spend time in the Comoros, and then in Mayotte, meeting people who took part in the illegal immigration system, including child people-smugglers.

«I bring out the existences and plural voices co-existing on the margins of society and make them resonate. By concentrating on isolated populations, in situations of migration or of survival, I explore the creative dimension of the resistance revealed in them. My use of photography and cinema favours an immersive approach to the communities I follow over several years,» explains Laura Henno, who spent whole months following the same groups of young people. One night, during one of her journeys, she heard whistling and barking around the village she was staying in. She was captivated by this very particular soundscape, as if the supernatural was emerging from the forest. She then tried to make contact with the young men who trained the packs of dogs roaming freely, working with them mainly at night. However, the Comoran people, the great majority of whom are Muslim, have banished this animal from everyday life. Laura Henno sees many symbols in this strange situation including the re-appropriation of a tool of domination: in the old days hunting dogs were used to track escaped slaves on the run, and they are now in the hands of young outcasts. The artist chose to reproduce this incongruous symbiosis between humans and animals. The series of photographs she is showing at Passerelle are therefore the tale, both committed and sensitive, of her extraordinary encounters.

For over twenty years the Prix Marcel Duchamp has each year crowned the career of an artist of the French scene, and in partnership with the ADIAF – Association pour la diffusion internationale de l’art français (Association for the International diffusion of French Art), this summer Passerelle is hosting an exhibition bringing together six artists who were award-winners or nominees between 2006 and 2019. The exhibition offers a partial panorama of art in France today through one apparently simple word: separation.

Taking up the title of the film by Asghar Farhadi, the exhibition examines separation in its many meanings and definitions. In 2011, Asghar Farhadi focussed on this word through various major issues, especially the cultural and religious differences in Iran, tension between the generations and social classes, as well as the difficulties experienced by women in a patriarchal society. The exhibition aims to widen these themes and extend the possible meanings of separation. This word can equally well refer to a romantic break-up as to the distance between two things, or to division – the difference between concepts, people or geographies.

The contemplative film MiddleSea by Zineb Sedira portrays the ferry journey between Algiers and Marseille. A man is watching the sea, leaving the viewer wondering: what is his story? Is he going somewhere or coming home? The Mediterranean separates the continents of Africa and Europe as much as it links them. The crossing becomes a time of expectant waiting and of poetry, the metaphor of a border that is both vague and infinite.

The story told by Thu-Van Tran is also situated in a particular geopolitical and social register but in a completely different region of the world. With Arirang Partition, the artist uses traditional Korean music to recollect the unity of the peninsula. She also reproduces scenes and motifs drawn from the homespun vocabulary of Korea and its history.

Yto Barrada examines cultural separations and possible rapprochements in her film installation Tree Identification for Beginners, with Pan-Africanism, Black Power in America and the civil disobedience movements inherent in the Vietnam War. She subtly interchanges the tales of the protagonists with stop-motion images of toys by Montessori, an alternative learning method. Her animated abstract forms recall the mobile works of Bruno Peinado which split the space into multiple dimensions.

Peinado’s separations are also a way of rethinking the status of the work in traditional art: is hanging on a wall the only place for a painting to be found? Or can it be given a fresh breath of life? The formal interplay in the exhibition creates uncertainty and reconfigures the art centre.

Although the separation may be physical, it is above all a matter of feelings for Anne-Marie Schneider. Her paintings bring us back to romantic matters, stories of break-ups and pain, or to the moment one enters adult life.

Éric Baudelaire is interested in the boundary between the paranormal and our real world, recreating a para-scientific experience. What is the place of chance in our lives? What limits do we impose on reason and on the power of the mind? These are some of the questions posed by the artist in this new installation produced for this exhibition.

Art is Magic is the first retrospective in France of the renowned British artist Jeremy Deller, winner of the prestigious Turner Prize in 2004 and Britain’s representative at the International Biennale of Contemporary Art in Venice in 2013.

Jeremy Deller is interested in popular cultures and counter-cultures. Social issues, history, but also music are central to the artist’s investigations. His works are tinged with a strong socio-political discourse, linking culture – vernacular or mass – to the world of work. His research has led him to explore the social history of his country and the world through the social conflicts of the Thatcherite era, the music group Depeche Mode, the wrestling world, the seeds of Brexit, Acid house music and the rave movement, with the constant concern to involve others in the creative process.

Art is Magic exhibition provides a broad overview of the artist’s work from the 1990s to the present day, based on some fifteen major projects and works that have punctuated his career. It will also be the occasion to publish the first retrospective book of the artist’s work in French.

Since the creation of their duo, Aurélie Ferruel & Florentine Guédon have always affirmed in their artistic practice the social and geographical origins that unite them. The rural environment, the agriculture, the relationship with animals or the traditions are largely represented in their sculptures and installations, and activated in their performances. Often crossed with references from more distant regions, they emphasize the universal character of folklore and ritual.

For their exhibition at 40mcube, entitled Nouaison, they rearrange their collaboration process to question its boundaries and rethink its functioning. Their research focuses on the relationship to the earth in general, and on their own relationship to the earth, which they see as influencing their lives and their work on different levels: intimate, symbolic, familial, sensitive, legal, social, societal, ecological, psychological. They produce an installation composed of different materials (straw, earth, ceramic, glass, textile) for which they create a sound environment. Based on interviews they conducted with their relatives, but also with a lawyer and a psychologist, this new work allows them to approach the questions of transmission and inheritance from different points of view.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent, pour leur sixième édition, une exposition exceptionnelle en partenariat avec l’association l’art à l’ouest. Les œuvres de Guillaume Zuili et de Christophe Le Dévéhat en résidence en 2022, seront présentée à la Gare SNCF, sur le parvis du métro ViaSilva ainsi qu’à Galerie Net Plus à Cesson-Sévigné. Plusieurs dizaines de photographies à découvrir à partir du 25 mai 2023.

Chaque année, les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent à des artistes de s’installer sur le territoire de ViaSilva, le temps de quelques mois, afin de nous montrer leur vision du chantier et de son évolution, en développant un projet photographique personnel sur un territoire en pleines métamorphoses. Autour d’une ligne artistique ouverte à tous les courants de la photographie contemporaine, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Soutenues par un cercle de mécènes engagés sur le long terme, outre leur inscription dans la promotion de l’art contemporain, les Rencontres photographiques de ViaSilva permettent de garder une trace des mutations du territoire et de construire une mémoire photographique inédite pour les générations futures. Au terme de chaque année de résidences, les artistes restituent leur expérience photographique dans le cadre d’expositions en intérieur, à la Galerie Net Plus, et en extérieur, dans le bourg de Cesson-Sévigné, sur l’esplanade du métro ViaSilva et plus largement sur Rennes Métropole (gare, stations de métro, etc.). Ces expositions sont accompagnées de monographies publiées aux Éditions de Juillet, qui constituent aujourd’hui une véritable collection.

Pour la sixième édition, les photographes Guillaume Zuili et de Christophe Le Dévéhat ont parcouru le futur quartier pendant plusieurs mois afin de nous montrer leur vision du territoire en pleine mutation.

Christophe Le Dévéhat et Guillaume Zuili ont de nombreux points communs. Le premier est qu’ils sont marcheurs, arpenteurs, glaneurs. Comme Aristote philosophait en marchant, c’est par les pieds qu’ils comprennent un lieu. Par la suite, comme les peintres d’antan avant l’invention du tube de peinture, c’est à l’atelier, au laboratoire que l’image va se révéler. Cette fois ce sont les mains qui sont mises à contribution : expérimentation, bidouille, invention et l’image apparaît. Les séries qu’ils ont réalisées pendant leur résidence sont nées du terrain. Ils ont su le comprendre pour nous les donner à voir, à leur manière noire.

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À propos de Guillaume Zuili

Résidant depuis 20 ans à Los Angeles, Guillaume Zuili a, pendant longtemps, pratiqué une approche urbaine de la photographie.  Le photographe, durant son séjour, s’est penché sur le parcours entre ViaSilva et le centre-ville de Rennes, suivant la nouvelle ligne de métro. Il poursuivi sa quête d’exploration des paysages urbains en portant une attention particulière aux techniques et aux tirages en laboratoire permettant d’en révéler les atmosphères. L’artiste a mené un périple depuis les plus étroites venelles du Rennes historique jusqu’au nouveau quartier ViaSilva. « Walking the line » (marcher le long de la ligne, de métro) comme le dit l’artiste lui-même. Il en résulte un narratif fait d’ombres et de lumières contrastées étonnamment emprunt du soleil de plomb de sa ville d’adoption, Los Angeles.

Né en 1965, en France, Guillaume Zuili vit et travaille à Los Angeles, bien qu’il voyage régulièrement à travers le monde pour le photographier. Il est représenté, en France, par l’agence Vu et par la galerie Clémentine de la Féronnière (Paris), depuis 2016. À 21 ans, Guillaume Zuili décide de partir en Inde, un premier voyage durant lequel il photographie, en noir et blanc, les anciens comptoirs français avec beaucoup de poésie et une atmosphère nostalgique. Depuis, l’artiste a effectué de nombreux voyages et a fait de Los Angeles son terrain de jeu photographique et esthétique.

Site : Guillaume Zuili

Instagram : @guillaume_zuili 

À propos de Christophe Le Dévéhat

Christophe le Dévéhat n’en est pas à son coup d’essai sur ce territoire puisqu’il a déjà eu l’occasion de capturer des clichés de Cesson-Sévigné lors d’une précédente résidence. Cette fois-ci l’artiste s’est exclusivement penché sur ViaSilva et il en ressort des images plastiques qui rappellent, par leur aspect graphique, les paysages de la Renaissance. Sa photographie se rapproche du monde pictural dont il est issu (études en peinture et dessin aux beaux-arts de Rennes). Les mots « repentir », « tracé » et « trait » font d’ailleurs partie de son vocabulaire lorsqu’il parle de son travail.

Né en 1967, vit et travaille à Rennes. D’abord le dessin comme base depuis l’enfance, en art plastique au lycée, parti pour faire de la bande dessinée puis la peinture aux beaux-arts de Rennes. Découverte tardive de la photographie d’abord envisagée comme un possible au travers de négatifs photocopies blow up des photogrammes des films d’Hitchcock. Fréquente le labo photo des beaux-arts en attendant de se remettre à peindre. Cofondateur dans les années 90 du magazine culturel gratuit La Griffe qui existera une dizaine d’année sur Rennes et la région Bretagne, photos de concerts, danse, théâtre, portraits. Pigiste pour la métropole de Rennes, occasionnellement pour Télérama. A continué après l’arrivée du numérique à utiliser la photo argentique pour des projets personnel, ou à l’occasion de résidences, usant les singularités propres au médium analogique, fabricant parfois les appareils, développant des travaux autour de techniques pauvre comme le sténopé.

Site : Christophe Le Dévéhat

Une exposition à propos d’enfance.

Deleuze invitait à penser l’enfance comme une force, ou une intensité, à situer non pas du côté de la biographie mais du côté de la création — un état d’expérimentation du monde et du langage qui se poursuit tout au long de la vie.
Nous ne laissons pas l’enfance derrière nous : elle constitue en permanence l’une des lignes de nos devenirs. Le plus probable est donc que l’enfance n’a pas de fin. Les “âges” ne se succèdent pas, ils s’accumulent.
Défendre une immanence de l’enfance, c’est rappeler à notre présent d’adulte le “silence” de l’enfance : ce temps où l’on parle aux animaux, où rien n’est définitif ni tragique.

Dès qu’on évoque l’enfance, on est tenté d’idéaliser, en grandes envolées lyriques et métaphysiques : l’enfance serait toute d’émerveillements, d’enchantements et d’innocence, une préhistoire sauvage et authentique, un paradis perdu, un âge des commencements qui détiendrait la clé des origines, qui lèverait le voile sur le destin de l’homme.
Nous sommes pris dans le grand récit de la modernité dans lequel l’idée d’une enfance de l’humanité et de son dépassement joue un rôle central. Le biais évolutionniste nous englue dans l’idée que l’enfance est une étape sur “le chemin de la vie”, dont la destination et le modèle de rapport au monde sont la connaissance objective et raisonnable de l’adulte.

Cette exposition propose plutôt de donner à voir et à entendre la manière dont le désir des enfants se déploie dans les mondes qu’ils ne cessent de parcourir. L’enfance, à la fois insouciante et inquiète, puissante et vulnérable, tourbillonne et ne cesse d’habiter l’inexprimé et l’inconnu. À travers les détours, les interruptions, l’anachronisme, l’étrangeté, les jeux — n’importe quel dispositif enfantin — elle met en crise le monde et la langue reçue par une réinvention subversive.

Nous ne protégeons pas les enfants du monde, c’est l’inverse, car le monde est trop vieux et maladif. « La préoccupation des enfants est de savoir comment raconter au mieux quelque chose pour que le monde tienne » (Vincent Delecroix, Leur enfance). Il nous faut les écouter. Les enfants sont aussi des témoins et des acteurs qui racontent, inscrivent, montrent, prennent part aux mémoires et récits des sociétés.

L’enfance avec ce qu’elle laisse de traces, de doutes, de questions, de force et de tristesses, de capacité d’émotions.

« L’enfance constamment vivante, c’est […] une expérience de l’indemne, de l’intact, de l’émerveillement, de la déception, aussi. Une charge d’esprit qui procure de la joie et permet la créativité au quotidien. Cette enfance-là est classée “secret défense” car elle contrevient à la société de l’obscène, du cynisme, de la dérision. Il n’y a pas d’accès “autorisé”. Pour entrer en contact avec elle, qui veille pourtant en chacun, il faut opérer une sorte de casse. S’y glisser en voleur de feu, rouvrir les sources. […] Qu’est-ce qui fait la dangerosité de l’enfance ? Sa folie douce. Oui, le désordre, l’incohérence, le délire, le désir, mais aussi la perception immédiate du fiable et de l’équivoque, la capacité d’habiter l’instant, le pouvoir de recréation — de récréation — du langage. Le monde parle à l’enfance et elle parle au monde — et même aux fantômes. […]
Il y a des artistes qui savent dire comme personne ce royaume de tumultes et de chuchotements. Et toute la solitude qui a son opéra en elle. » (Anne Dufourmantelle, L’art de l’enfance, Libération, 2016)

en écho à l’exposition :

• vendredi 19 mai, 18h30 : vernissage gourmand en présence des artistes
• dimanches 4 et 25 juin : ateliers d’écriture poétique animés par Brigitte Mouchel (écrivain)
• samedi 17 juin : atelier d’écriture poétique, collage et geste plastique animé par Brigitte Mouchel (écrivain) & Irvi (carnettiste et collagiste)
• vendredi 21 juillet, 18h30 — tournoiements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors)
• vendredi 11 août, 18h30 — chambardements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors) & Brigitte Mouchel (écrivain)

Firestone Peak est un lieu composé de prairies, de collines boisées, de rivières et de parois rocheuses.

L’exposition, se situant au carrefour du sentier de randonnée, du muséum et du parc d’attractions, propose la traversée de ce territoire pluriel. 

Cette mise en scène se compose d’un ensemble d’objets et d’images qui pointent les interactions entre espaces naturels et artificiels.

A travers le détournement de formes et de motifs liés à la géologie, l’architecture ou le divertissement, se constitue un scénario propice à une étrange exploration.

Pour sa douzième édition, le Festival Oodaaq investit l’Hôtel Pasteur, le Jeu de Paume et la Capsule Galerie du 11 au 20 mai. Embarquez avec nous pour 10 jours d’exploration au cœur d’images et de propositions artistiques expérimentales qui questionnent chacune à leur manière des enjeux sociaux, écologiques et féministes contemporains.

Dans une atmosphère grave qui témoigne de notre époque en crise mais laisse néanmoins toute leur place à l’humour et à la poésie, ces créations récentes dialoguent au sein de l’exposition Au loin le reflet du vacarme et de deux programmes de projection (À corps perdus et Éclore sur les ruines), présentés dans les espaces de l’Hôtel Pasteur. La déambulation proposée au public invite à une réflexion poétique et politique sur les manières dont les images peuvent interroger les rapports de pouvoir qui régissent notre monde et se faire vecteur des luttes qui le traversent.

Pour compléter cette programmation, deux cartes blanches sont données aux structures partenaires d’Instants Vidéo (Marseille) et du GIV (Montréal), consacrées à des créations vidéo féministes et/ou réalisées par des femmes.

La conférence donnée par la chercheuse Alessandra Arno de la plateforme Visual Container (Milan) autour de la création vidéo féministe dans la région de l’Afrique du Nord et du Moyen-Orient apporte un éclairage théorique sur ce thème.

Des temps festifs sont proposés lors du premier week-end du festival, les vendredi 12 et samedi 13 mai. Organisées au Jeu de Paume, ces moments de performances et de concerts sont imaginés comme des exutoires collectifs pour le public.

Le festival s’attache également à aller à la rencontre d’un public non familier de l’art contemporain en projetant le programme vidéo Kaléidoscopie dans la vitrine de la Capsule Galerie, visible depuis l’espace public.

Pour clore le festival, une soirée de projection-débat aura lieu au bar L’Attrape-Rêve le vendredi 19 mai autour du programme vidéo Faire corps, consacré aux créations vidéo d’étudiant·es de l’EESAB sur le thème des imaginaires queer et leur expression à travers les corps.

Trailer du festival : https://vimeo.com/819171080?share=copy

JEUDI 11 MAI

HÔTEL PASTEUR

18h – Inauguration du Festival Oodaaq #12 et Vernissage de l’exposition Au loin le reflet du vacarme

19h – Projection du programme vidéo À corps perdus

19h45 – Projection Carte Blanche du G.I.V Voix

VENDREDI 12 MAI

JEU DE PAUME

18h – Ouverture des portes

18h30 – Discours introductif

19h – Performance Johanna Rocard, La Grande Folie

20h – Concert Pareil

21h15 – Live audiovisuel performatif de Mångata

23h – Fermeture

SAMEDI 13 MAI

HÔTEL PASTEUR

14h30 – Projection du programme vidéo Éclore sur les ruines

15h30 – Projection Carte Blanche d’Instants Vidéo Comme je mords, comme j’aboie

16h30 – Conférence d’Alessandra Arno sur le féminisme dans la création vidéo en Afrique du Nord et au Moyen-Orient

JEU DE PAUME

19h – Ouverture des portes

19h15 – Discours introductif

19h30 – Dj set Ororr

21h45 – Performance Florænt Audoye

22h45 – Concert Hildegarde

1h – Fermeture

DIMANCHE 14 MAI

COUR DU PALAIS SAINT-GEORGES

14h-18h – Tournoi de pétanque : moment convivial entre artistes, public et équipe du festival

VENDREDI 19 MAI

BAR L’ATTRAPE-RÊVE

19h – Projection-débat du programme vidéo Faire corps des jeunes artistes de l’EESAB

→ L’ensemble du Festival Oodaaq est à prix libre et conscient

→ Une billetterie en ligne est mise en place pour les soirées du 12 & 13 mai au Jeu de Paume : la salle ayant une petite jauge, prendre un billet en ligne permet de vous assurer une place tout en soutenant le festival (prix minimum de 5€ par soir / 8€ les deux soirs). Une billetterie sur place reste prévue dans la limite des places disponibles !

Billetterie en ligne : https://www.helloasso.com/associations/l-oeil-d-oodaaq/evenements/soirees-festival-oodaaq-12?_ga=2.29403578.464424042.1682343336-1744610152.1681891481

His neutral form that reminds of a sponge or a bean, Viallat’s signature for more than 50 years, has earned him worldwide recognition: retrospective at the Centre Pompidou in Paris, participation in the Venice Biennale, and acquisitions for the collections of the Museum of Modern Art of the City of Paris and the MOMA in New York.

The French contemporary painter, Claude Viallat, was born in 1936 in Nîmes, where he lives and works today. As one of the founding members of the Supports/Surfaces painting group, the artist focuses primarily on the motif, repetition and process, rather than on the subject, which he places in the background, revolutionizing painting.

Viallat’s medium is free and heterogeneous. He works on diverse materials, found in flea markets, secondhand stores, attics. He paints on burlap bags, umbrellas, parasols, tablecloths, boat covers, tent covers, always deployed on the ground.

The artist’s creative process is all about the repetition of a simple and recurring form, immediately recognizable, on the entire surface of a canvas freed from its frame using the all-over technique. A remarkable colorist, Viallat uses bright color to apply the form that made him famous, “the simplest, most elementary, most immediate that is“, declined infinitely over the media.

Sur une invitation des Ailes de Caïus, certain·es des artistes résident·es de B612 signent une exposition collective, LOVE WAVES, en référence aux ondes sismiques qui se propagent à la surface de la Terre lors d’un séisme.

Dans un contexte plus poétique, LOVE WAVES évoque les ondes d’amour, de compassion et d’affection qui se répandent entre des individus qui se rencontrent. Au sein de B612, ces deux significations se rejoignent. Cet immeuble-atelier est avant tout un lieu de rencontre, un espace où les idées se confrontent, se transforment, se subliment mutuellement pour finalement se propager. Pensée comme une hybridation entre des formes artistiques singulières, l’exposition célèbre la collaboration comme source d’inspiration et manière de penser la création.

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À PROPOS DU COLLECTIF

L’Atelier B612 est une résidence de jeunes artistes située à Rennes. Les locaux comportent une trentaine d’ateliers ainsi qu’une salle d’exposition.

Instagram

Le complexe du homard est un travail au long cours sur l’adolescence réalisé entre 2012 et 2014 alors que la photographe, Cléo-Nikita Thomasson, entre à peine dans ses vingt ans. Fait de rencontres aléatoires dans la rue et sur les réseaux sociaux, Le complexe du homard consigne ces amitiés de hasard dans trois carnets. Travail sur l’autre, mais indirectement introspectif, il témoigne d’une urgence quasi obsessionnelle à enregistrer et conserver cette période vulnérable et éphémère pour en retenir la puissance émotionnelle et documenter la mue des corps, des peurs et des rêves.

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Cléo Nikita Thomasson, née en 1994, vit et travaille à Lyon. Elle est diplômée en Photographie documentaire à l’École Supérieure des Arts de l’Image, Le Septante-Cinq, Bruxelles et cofondatrice du Collectif horizon. Elle travaille encore aujourd’hui sur l’adolescence avec Du sel dans les cils.

Avec une grande attention et bienveillance aux rencontres — de lieux, d’histoires, de personnes — Annabelle Amoros et Stéven Pennanéac’h cherchent à rendre compte d’un monde, certes inquiétant, mais également traversé de rêves, d’imaginaires, de tout ce que les hommes mettent en partages, en conversations, en récits. Un monde dont ils font partie, dont ils sont proches.
Cette manière de tout prendre en compte — ce qui relève de l’émotion, de la pensée, de l’imaginaire, ce qui est là, ce qui ne l’est plus, ce qui semble advenir — pourrait nous permettre de regarder le monde en face, là où toutes les coordonnées de l’expérience habituelle s’effondrent, de réinventer des rapports à l’enfance, à la mémoire, au désir, et ainsi de retrouver, paradoxalement, un rapport plus réel au monde. Chacun à sa manière, sans le dire, est engagé dans notre temps.

Les individus présents dans les peintures de Stéven Pennanéac’h sont le plus souvent indéchiffrables, brouillés. Personnes ou personnages, dans un paysage qui oscille entre le quotidien et une scène théâtralisée. On les voit solitaires, on les soupçonne accablés. Ils seraient comme des témoins à charge d’un monde de désastres. Les paysages sont empreints de mélancolies contemporaines. « Ne secouez pas trop les tableaux de Stéven Pennanéac’h, ils sont pleins de larmes. » (Gérard Lefort, 2012)

Les films d’Annabelle Amoros « reste(nt) en retrait de tout témoignage et de toute hypothèse et nous invite(nt) en tant que spectateurs à visiter un espace dans lequel nous […] croisons des personnages témoins d’une chose que nous ignorons et que nous ne cessons de chercher. » (Yannick Hannel, 2021) Des films souvent captés au crépuscule, offrant ainsi la possibilité d’accentuer la magie, l’onirisme, le mystère, parfois l’angoisse, et la théâtralisation des espaces et des êtres. Avec des images féériques, empreintes d’étrangeté, de contrastes, comme autant de touches impressionnistes, elle nous invite à un ailleurs fantasque mais étrangement proche de notre réalité.

Tout comme les films d’Annabelle Amoros, les peintures de Stéven Pennanéac’h représentent un univers qui semble familier, mais « ne laissent de troubler. Et bientôt l’on s’y perd, parce qu’à zigzaguer entre les figures ainsi exposées, personnages, paysages, constructions, objets, ce que notre regard finit par entrevoir semble moins rassurant. Alors on commence en général à se raconter des histoires. » (Philippe Guéguen, 2015)

en écho à l’exposition :

• vendredi 7 avril à 18h, projection de deux films à l’Arthus ciné de Huelgoat en présence d’Annabelle Amoros :

— Churchill, Polar Bear Town, dernier film documentaire d’Annabelle Amoros

—Sauvage, de Léonore Mercier

• samedi 8 avril à 18h, vernissage en présence des artistes et en musique avec la Compagnie Caméléon (Bénédicte Jucquois & Sophie Chénet)
• samedi 22 avril, atelier d’écriture poétique, collage et geste plastique : une journée animée par Brigitte Mouchel (écrivain) et Irvi (carnettiste et collagiste)

Aujourd’hui, il ne serait plus possible de s’écrier étourdiment avec Madame de Pompadour, favorite du roi Louis XV, comme à l’époque de la construction du château de Kerguéhennec : « Après nous, le Déluge » ! En se moquant de ce qui peut advenir après notre mort, nous condamnons l’humanité suivante à un présent éphémère, comme le relevait le philosophe Peter Sloterdijk. 

Si la crainte d’un soulèvement des eaux demeure dans l’inconscient mythique des peuples, elle a retrouvé toute son actualité à l’heure du réchauffement climatique, de la montée du niveau de la mer et du droit des eaux à disposer d’elles-mêmes.

Le mythe de l’engloutissement de l’humanité provient d’une terreur immémoriale. Sur les côtes menacées de Bretagne, il prend la forme singulière de la légendaire ville d’Ys, qui aurait disparu sous les flots en baie de Douarnenez – ou de Quiberon –  au début de notre ère. 

Afin de mettre le fantasme à l’épreuve de la science et de la fiction et tenter de dépasser la peur, la précieuse esquisse pour La fuite du roi Gradlon d’Evariste-Vital Luminais, artiste nantais obsédé par le mythe d’Ys, introduit l’exposition des créations diluviennes de deux artistes venus de Méditerranée : Mâkhi Xenakis et Zad Moultaka. Avec l’espoir que l’inéluctable déluge à venir puisse être aussi un temps de renouveau.

Il est évident que nous avons besoins d’un nouveau récit fondateur, ou mieux encore, d’un ensemble de récits capables de replacer chacun dans la nature à titre individuel (…). Nous avons désespérément besoin d’histoires qui laissent transparaître avec beaucoup plus de clarté la façon dont les relations se manifestent dans nos vies quotidiennes. Il est impératif que notre culture accorde à nouveau une place centrale aux histoires, des histoires reliant nos vies à la grande vie que certains nomment Gaïa mais que chacun d’entre nous devrait pouvoir nommer comme bon lui semble.

Dans l’œil du crocodile, l’humanité comme proie, Val PLUMWOOD, Éditions Wildproject, 2021, p 89-90

Au printemps, « Le peuple des pierres » investit la Galerie Net Plus, pour une exposition mêlant dessins au graphite et sculptures. L’artiste, Angélique Lecaille, propose un voyage mystique et poétique, entre architecture et paysages naturels. La géométrie des formes flirte avec des états gazeux ; les cieux vaporeux se mêlent aux aspérités des roches ; le minéral danse avec l’organique. Impossible de déterminer d’où proviennent ces paysages, ni de quelle période.

C’est une invitation à la contemplation des éléments, de leurs transformations et leurs soulèvements. L’artiste nous convie à découvrir ces territoires, à la fois connus et étrangers.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Angélique Lecaille, très impliquée dans la vie culturelle de la métropole, a enseigné et enseigne toujours dans différentes écoles supérieures de Rennes. Bien qu’elle ait une pratique diversifiée, ce sont ses paysages en noir et blanc et en grand format qui font sa marque de fabrique. S’appuyant sur l’histoire des territoires, l’artiste fabrique des récits entre réalité et fiction. Par son traitement, son intérêt pour les nuages, les montagnes, ou encore les ruines, la pousse à dépasser l’image pour la rendre atemporelle, poétique, presque mythique.

L’artiste est représentée par Mélanie Rio Fluancy. Son travail est présent dans au sein de collections publiques (Frac Bretagne, Artothèque de Nantes, Brest, Angers, Vitré…) et privées dont la collection As seen By, de la Maison DIOR. Son travail est régulièrement représenté au sein de foires et salons internationaux (Paris, New-york, Dubaï).

Site internet : ddabretagne

Page instagram : @angelique_lecaille

Pour clôturer l’exposition temporaire Where do we go from here? consacrée à la nouvelle génération d’artistes, venez rencontrer les commissaires d’exposition et les artistes, et échangez avec eux autour du paysage, thème central de l’exposition.

• 15h-17h30

Performance musicale avec François CHEMIN, autour des paysages extérieurs

Lecture dans les écuries avec Margaux DANIEL, autour des paysages intérieurs

Performance avec Mérovée DUBOIS et CORDINA, autour du paysage des songes

Rencontre avec les commissaires de l’exposition Sylvain LE CORRE et Elen CORNEC : Paysage et environnement; lecture du paysage par la jeune création.

L’exposition Intersections présente le travail d’un couple d’artistes : Sheilla Laclusse et Hervé Le Nost. Ces derniers travaillent depuis plusieurs années côte à côte et propose pour la première fois d’exposer en duo.

Intersections présente deux parcours parallèles, deux pratiques artistiques dont les lignes ont un tracé différents et convergent, parfois. L’échange fût constant dans le temps en va-et-vient entre l’art et le quotidien. La réunion entre les deux artistes s’effectue grâce aux croisements d’idées, et aux échanges à propos de la liberté, de l’égalité, de l’existence. Cela donne place à des engagements, à des voyages et à des références partagées.

La démarche artistique de chacune et de chacun se déploie dans l’espace de la galerie grâce au partage entre des moments de connexions entre les deux artistes et des cheminements plus intimes et personnels.

Sheilla Laclusse élabore un travail pictural, imprimé et textile par le gaufrage, le dessin et la gravure. D’origine caribéenne, ces techniques permettent à l’artiste d’interroger les sujets relatifs à la genèse, l’identité et le métissage. La superposition des matières comme la dentelle, la tarlatane et la feuille d’or – qui évoquent l’épiderme de la peau – la projette dans un monde qui n’est pas figé, sans itinéraire tracé où les cultures évoluent librement.

Hervé Le Nost fait appel à différents médiums dans sa pratique artistique. Par le dessin, la photographie, la vidéo, la céramique, le verre, l’artiste s’approprie et interroge les procédés sculpturaux existants. Les objets et les matériaux se superposent entre eux formant un continuum, un récit, où chaque élément semble être à sa place. La pièce de puzzle est un élément fort dans le travail de l’artiste. Elle devient un lieu de rencontre permettant l’assemblage, la recomposition et l’imbrication des éléments.

Les motifs décoratifs, le doré et le baroque sont omniprésents dans le travail des artistes, aux récits à la fois intimes et collectifs.

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À propos de Hervé Le Nost

Depuis une quarantaine d’années, Hervé Le Nost associe photographies, récoltées lors de voyages, de résidences, de rencontres, à la sculpture dans son travail artistique. Emprunt aux cultures populaires, Hervé Le Nost détourne, empile, amasse les matériaux, dits artisanaux, et compose des formes parfois chimériques, parfois humanoïdes. C’est un équilibre qui semble bancal, mais transparaît avec humour, justesse et légèreté. L’ensemble de son travail est qualifié comme baroque. Par des techniques diverses pour expérimenter les matières, comme la céramique (résidence à la faïencerie Henriot, Quimper), le bois, le verre et une remise en cause des modèles établis et académiques de l’art contemporain étudié en école d’art, Hervé Le Nost déconstruit, reconstruit, assemble des objets, des formes, des matières qui semblent incompatibles, mais qui ont une connexion logique dans l’imaginaire de l’artiste. Hervé Le Nost né en 1957 à Guingamp, vit et travaille à Cast. Lauréat de la Villa Médicis hors les murs de New York en 1988. Remporte plusieurs 1% artistique présents sur le territoire. Participe à plusieurs résidences (France, Maroc, Canada, Martinique, Chine).

Site : ddabretagne
Instagram : @hervelenost / @lenostherve 

À propos de Sheilla Laclusse

Depuis 1989, Sheilla Laclusse expérimente, élabore et teste comme dans un laboratoire un travail pictural, imprimé et textile. En combinant les techniques, par le gaufrage, par le tissage, par les encres, l’artiste questionne les identités, les métissages, la liberté du voyage et l’échange. Les formes produites sortent du cadre, sont abstraites par la superposition et l’assemblage de matières comme la trame d’un tissu, la feuille d’or, le verre. Toutefois, deux motifs reviennent souvent, emprunts aux origines caribéennes de Sheilla Laclusse, celui de la fleur et celui de l’épiderme. Sheilla Laclusse née en 1966 aux Abymes, Guadeloupe, vit et travaille à Cast. Expositions personnelles en Bretagne et collectives en France, Belgique, Chine.

Instagram : @sheillalaclusse

Ecological questions and the colonial past lie at the heart of the stories running through the latest creation, entitled Leçons de Ténèbres (Lessons of Darkness), by choreographer Betty Tchomanga. She has been invited to extend her project by curating an exhibition at Passerelle Centre d’art contemporain in Brest.

Leçons de Ténèbres was originally a liturgical musical genre of the seventeenth century which sets to music «Jeremiah’s Lamentations» about the destruction of Jerusalem in the Bible. It is also the title of a 1992 film by Werner Herzog on the 732 burning oil wells of Kuwait, set on fire by retreating Iraqi forces. The director presents us with an apocalyptic vision like a long poem on the end of the Earth.

The Leçons de Ténèbres by Betty Tchomanga evokes those who have disappeared, ancestors, and their ghosts. These lessons tell of darkness, explore the obscure, our hidden and long-buried stories.

«I designed this exhibition as the natural extension of my choreographic work and of the research associated with it. The works and artists I have chosen to invite are all linked to the thoughts, imaginings and images enriching my two latest creations, Mascarades and Leçons de Ténèbres. I based my ideas on the notion of ‘Giving shape to the world’ developed by Malcom Ferdinand, Doctor in Political Philosophy, in his book Une écologie décoloniale, penser l’écologie depuis le monde caribéen (A Decolonial Ecology, Thinking from the Caribbean World). In this essay he proposes a new way of tackling the ecological question by linking it to colonial history. The figure of the slave ship here appears as a political metaphor of a world characterised by relationships of domination. The ship-world figure offers an alternative history of the world and of the Earth where it is possible to bring together and share beliefs, thoughts and imaginings. This metaphor resonates with my research into the voodoo cult and the myth of Mami Wata [a water deity of the African cult of voodoo]. Like the ship-world of Malcom Ferdinand, my choreographic work, just like this exhibition, is based on the dissemination, coexistence and juxtaposition of images, imaginings and beliefs.

Prendre corps au monde (Giving Shape to the World) extends the ‘mantra of Frantz Fanon [psychiatrist and essay writer, a major figure in anti-colonialism] aimed at making the body the starting point for questioning the world.’ How can bodies be the anchor points of commitment to the world? How can bodies in a subordinate position (that is, racial, gender and social minorities) interact with their environment, and with that of their ancestors? How can bodies transform violence and anger into the energy for an emancipatory rebellion? How can we bring out tales that are forgotten, long-buried, erased or hidden? How can we talk to ghosts?»

Betty Tchomanga, October 2022

This exhibition is the fruit of our workshop residencies, our annual research and production programme which invites a visual artist to come to Brittany and spend three months working in the art centre’s workshops. This residency is held in conjunction with Documents d’Artistes Bretagne, an association that promotes and disseminates works by artists from our region. It also provides the artist with the critical and technical support they need to produce exceptional works.

The atmosphere into which Emma Seferian welcomes the visitor is glowing, kindly and joyful. The title itself is gentle, Amours, marguerites et troubadours (Love, daisies and troubadours), evoking the last episode of the first season of the television series Gilmore Girls which tells the story of a single mother’s relationship with her daughter. This single parent family unit and the issue of the emancipation of parents are what particularly attracted the artist to this feelgood series, adding a light-hearted mood. The rather vague words of the title act as clues to the interests of Emma Seferian. The love of friends, lovers and family is at the heart of this exhibition, as are issues of art dubbed ‘decorative’ and music as a means of communication.

On the one hand, Emma Seferian challenges the notion of cultural heritage, especially the matriarchal heritage. She uses the skills and techniques allotted to women, including needlepoint, tapestry and embroidery, questioning their use and history. Whereas this type of work used to be utilitarian and functional, making hard-wearing clothes and furnishings, now these activities have become transformed into creative leisure or even fashion. We are therefore witnessing a cultural appropriation by the wealthier classes of traditional working-class expertise. This phenomenon is continuous and affects every field of activity. It is not new – the dominant classes always take over codes, symbols and history for their own economic and communication needs. On the other hand, Emma Seferian mishandles the functions of objects and modifies the characteristics attributed to them: a carpet becomes a mural, mottled objects incorporate works of art while rustic wrought iron gains in lightness and elegance. By collecting these rebus puzzles and everyday objects, she attempts to treat art as a close friend who belongs to her while aiming at the universal.

It is no coincidence that the decorations and techniques used by Emma Seferian are related to her personal story. She is particularly inspired by the traditional art of Armenia, a country at a crossroads, nurtured by Persian, Asian and Western influences, and the land of her family origins. She has observed and studied the illuminated manuscripts of the fifteenth century and later, produced by Armenian monasteries, taking details from the paintings and including them in her own paintings, textiles and assemblages. She was particularly struck by some Christian images of the Renaissance, such as the representations of Saint Matthew busy writing in urban landscapes that are often confused, with perspectives that have gone awry, mixing Interiors and exteriors. Emma Seferian takes these scenes and removes the person, creating a series of three strange yet warm paintings in which the empty décor becomes the work’s only subject. Religion is symbolically replaced by intimacy, with a sensation of well-being and calm. Because one of the artist’s great objectives is found in this search for the feelings of comfort and pleasure one can find in works of art. The soundtrack played in the exhibition recalls the word ‘troubadour’ of the title and the relation to music – Emma
Seferian is also a DJ – and above all reinforces this quest for fulfilment.

Alain Clément’s productions all have in common that they are colored compositions, “non-figurative”, which have no “subject”, but in which gestuality, the body, and writing take into account the space of the work (of the painting or sculpture) and the real space (that of the spectator and the exhibition space).

The bright color now plays a determining role.

« My forms radiate and pulsate the space. The composition is born from their tensions. They seek to constitute an autonomous and moving space which digs or inflates the plane until the sculpture. » A.C.

In Clément’s work, paintings and sculptures can thus be largely articulated. If the paintings appear as architectural spaces, structured by the color, put in shape by the values, the sculptures are like the projection of the pictorial gestures, of the forms-colors, in the space: the painting leaves the pictorial field illusionist. Space is the material of the painter as well as the sculptor.

PERSONAL EXHIBITION OF RECENT WORKS BY ALAIN CLÉMENT TO BE DISCOVERED FROM FRIDAY FEBRUARY 10 TO SATURDAY MARCH 17, 2023

VERNISSAGE OPEN TO ALL IN THE PRESENCE OF THE ARTIST FRIDAY, FEBRUARY 10 FROM 6 TO 8 PM

For her first solo show in a French institution, Romane de Watteville presents her paintings by combining different formats and interventions on the exhibition space. This exhibition is produced in partnership with the Centre culturel suisse as part of its nomadic on-tour programme.

In the views of interiors, bedroom or living room, that Romane de Watteville represents in her paintings, a landscape is generally integrated in the background. The scenes that take place there are intimate. Half-naked bodies, whose faces are usually not visible, lounging on a bed, partially wearing fashion clothes and accessories, clearly identifiable by fashion victims, are painted in a realistic manner without being idealized.

Different framings, more tightly focused, are juxtaposed: a subjective view that we assume to be the viewpoint of the person represented (the artist?), that of a cell phone that appears, also painted, or the reflection in a mirror. Some of these details can sometimes be enlarged and taken out of the work to form another, smaller one, presented next to it.

All these elements give us an indication about the different iconographic sources used in Romane de Watteville’s paintings: selfies and photographs taken by the artist, images collected on the internet, references to art history, cinema, fashion and design.

Based on the technical process developed in 1925 by director Abel Gance, who used three cameras to create an image three times wider than the traditional format and a narrative displayed in three different images, thus producing a «polyvision», the paintings produced by Romane de Watteville for her exhibition at 40mcube create an effect of mise en abyme while replaying the genres of the live model and the self-portrait with contemporary means.

These new works are conceived with the will to create a dialogue, a complementarity, a link between different formats and an interplay of points of view, allowing the artist to recreate on an architectural scale the process developed in her paintings, but also to think about the display of her exhibition. Its title, Studiolove, evokes the cabinet of curiosities and more particularly the Studiolo and the Grotta of Isabella d’Este, a Renaissance collector. Between the studio, the private and even intimate space, and the exhibition space, the exhibition is thought here as a hybrid place.

Anne Langlois

La Criée centre d’art contemporain, in partnership with the Centre culturel suisse. On Tour, is presenting Swiss artist Judith Kakon’s first solo exhibition in France.

In the wake of the holiday season Kakon, whose work revolves around the porosity between public and gallery space, and questions of usage, re‑use and circulation, is showing part of the City of Rennes’ Christmas illuminations.

The decorations are being displayed « dormant », that is to say switched off and laid out on racks. Inspired by warehouse shelving systems, these racks are designed as artefacts combining sculptures and utilitarian objects. In this way the exhibition blurs the boundaries between stockroom and gallery, interior and exterior, the beautiful and the useful.

Removed from their habitual context and metamorphosed in terms of form and function, these samples of urban heritage are seen in a new light by visitors to the exhibition, some of whom have doubtless wondered what becomes of the Christmas lights once the celebrations are over.

This change of focus also reconfigures the art centre and our expectations of an exhibition: for once it is not the art that moves out into the public space, but the streets of the city that infiltrate the white cube. This reconfiguration leads us to ask ourselves what we are looking at: Can a shelf be a sculpture? What are the sculptural qualities of Christmas lights? What models do they borrow from and what do they tell us about the circulation of forms?

Moreover, Judith Kakon’s project resonates doubly in the present context: at a time of energy restrictions the dormant lights of this eco‑responsible use/re‑use of local resources shine with a powerful symbolic charge.

In the cabinet adjoining the main room, the GRAND AIR exhibition continues with a display of works on paper. The different series on show reflect the artist’s ongoing concerns: the transformation of a standardised form or motif (an umbrella, a parcel scan, etc.) into a unique artistic object; the interconnection between individual experiences and normative contexts; and the polysemy and fluidity of images.

With GRAND AIR, Judith Kakon’s subtly political art offers us the opportunity to look at the objects, slippages and relationships of our globalized world, by displacing our usual perspectives and geographical notions, and by calling on us to reconsider what is behind and beside what we hold as seen.

En créant un sentiment d’attente, Mael Le Golvan emmène le public dans ses paysages. À travers les deux séries Paysage Rudéral et Eau noire, l’artiste propose des expériences de l’horizon qui se fige dans un entre-deux. Il joue entre ombre et lumière, entre supendu et vivant, le paysage se mue en héraut tel un messager du temps. Les prises de vues nocturnes révèlent une face cachée du réel et viennent interpeller nos imaginaires individuels et collectifs.

Sommes-nous tous devenus hors-sol ? A l’ère du Covid amnosmiac et des téléphones rétino-céphalo-chronophages, le paradoxe de nos sensibilités déborde.

Alors, il est temps de s’empif-pafrer de mycélium et d’humus à pleines mains, en plongeant nos radicelles dans l’invisible arborescent qui nous guide, de retrouver la formule magique qui transforme tout bout de bois en baguette magique ou en monture mystique, humblement de se mettre à table et d’entendre ce qu’ils nous montrent.

In December, each year the Oniris gallery hosts its annual exhibition of Small Formats and Works on Paper by the gallery’s artists.

Ce sont des regards d’enfants, des sourires joyeux, parfois malaisants, qui épousent les murs de la Galerie Net Plus cet hiver.

Thomas Tudoux nous propose de nous mettre à hauteur d’élève pour regarder l’école et la société. Les couleurs douces des dessins se confrontent à des propositions qui, sur un ton faussement naïf, sont porteuses de changements radicaux. À partir de créations collectives développées avec des élèves de primaires et des futur·es enseignant·es, l’exposition interroge les modes de croyances dans le mérite et la manière dont cette notion structure notre quotidien et nos identités.

En jouant sur les passages entre enfance/âge adulte et école/société, l’artiste examine de manière sensible les points de contact entre valeurs scolaires et valeurs sociales.

À partir de créations collectives développées avec des élèves de primaires et des futur·es enseignant·es, l’exposition interroge les modes de croyances dans le mérite et la manière dont cette notion structure notre quotidien et nos identités. En jouant sur les passages entre enfance/âge adulte et école/société, Thomas Tudoux examine de manière sensible les points de contact entre valeurs scolaires et valeurs sociales.

Ce projet s’inscrit dans un travail au long cours sur le mérite, mêlant arts plastiques et sociologie, développé avec Annabelle Allouch (Maîtresse de conférences en sociologie à l’Université de Picardie-Jules Verne et chercheuse associée à l’Institut national de l’audiovisuel).

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Thomas Tudoux a une pratique très variée. Si techniques, modalités d’exposition, écritures graphiques et médiums sont nombreux, l’artiste n’en reste pas moins cohérent par ses questionnements. Portraits amusants et ironiques de notre société, les œuvres de Thomas Tudoux sont ancrées dans notre monde. L’artiste s’amuse en reprenant des éléments de l’histoire de l’art pour mieux parler des « travers » de notre époque.

À travers une pratique individuelle d’atelier et des créations coopératives dans l’espace public et social, Thomas Tudoux explore notre rapport au temps, à l’activité, à la performance et à la compétition tel qu’il se manifeste dans le monde du travail, le système éducatif, dans l’espace urbain, ou à travers des fictions.

Il a collaboré avec de nombreux lieux d’arts (FRAC Bretagne, La Criée – Centre d’Art Contemporain de Rennes, Art3 à Valence, Jeune Création à Paris, Atelier Tchikebe à Marseille, Lieux Commun à Montpellier, Bel Ordinaire à Pau, Halle14 à Leipzig (DE), Piano Nobile à Genève (CH), etc.) et ses travaux font partie de plusieurs collections publiques.

Depuis 2019, il développe des créations en partenariat avec des chercheur·euse·s en Sciences Humaines et Sociales dans la volonté de renouveler le dialogue entre art, science et société.

Site internet : ddabretagne

Page instagram : @ttudoux

En France, les pièces d’orfèvrerie des 17^e et 18^e siècles, sont rares car elles ont souvent été fondues lors de la Révolution pour être transformées en espèces sonnantes et trébuchantes. En Bretagne, et notamment en Morbihan, on en dénombre toutefois encore beaucoup, sauvegardées ou cachées face aux saisies révolutionnaires. Si les pièces d’orfèvrerie religieuse ont été très étudiées et valorisées, celles provenant des collections nobles et bourgeoises sont méconnues.

Commandées par les nobles, les productions civiles des ateliers d’orfèvre du Vannetais au 18^e siècle ont majoritairement été conservées au sein des familles.  Grâce aux propriétaires de deux d’entre-elles et au musée de Vannes, plus de 50 pièces inédites sont présentées au public. Reflets des goûts artistiques et des modes du 18^e siècle, ces objets de luxe étaient majoritairement destinés aux arts de la table.

Cette exposition présente des pièces inédites des maître-orfèvres vannetais tels Benjamin Roysard, Jean-Nicolas Billet, Joseph-Pierre-Marie Tiret ou François Perrigaud.

Une folie morbihannaise

Eté 1788. Alexandre-Louis-Auguste de Rohan-Chabot, futur septième duc de Rohan, réalise un voyage en Bretagne sur les terres de ses ancêtres. Il est accompagné par Anne Louise Élisabeth de Montmorency, qu’il a épousée en juin 1785 et qui n’est jamais venue dans cette province du royaume. Après une étape au château de Blain et avant celui de Pontivy, ce périple les conduit à Kerguéhennec. Construit par les frères Hogguer, banquiers de la Compagnie des Indes en 1710 sur les plans de l’architecte Olivier Delourme, ce domaine est acquis en 1732, par le Chevalier de Rohan, Guy-Auguste de Rohan, comte de Chabot, qui est le grand-père d’Alexandre-Louis. 

Le parc remarquable de ce château, fleuri et arboré d’essences rares, est le cadre idéal pour que ce dernier réserve une surprise à sa jeune épouse.

Le futur prince de Léon fait dresser dans le parc une table fastueuse couverte d’argenteries sous une tonnelle de tissu précieux, une  folie, érigée pour sa venue à la mode de Versailles.

Le Domaine départemental de Kerguéhennec invite cet hiver la jeune création à faire part de sa lecture du paysage.

Amorce de récit, le titre de cette exposition vient questionner, par son double sens, la rencontre avec un lieu, un moment, un paysage. Par cet autre “Il était une fois”, le spectateur est invité à une balade à travers les œuvres de 17 artistes diplômés de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne (EESAB).

L’exposition décline une lecture du paysage en trois temps/espaces : Paysages extérieurs -Paysages intérieurs – Paysages des songes.

Les artistes nous amènent à explorer partiellement, à tâtons, de manière itérative voire cyclique, le paysage ou la partie d’un territoire que nous pouvons appréhender par nos sens d’un point donné. Cette approche est un prisme de lecture, où les divers médiums et formes appellent chacun à voir ses paysages.

Où allons-nous à partir d’ici ? / Qu’allons-nous faire maintenant ?

Les deux questions impliquent également un rapport au monde. Elles suggèrent combien les différentes crises que nous traversons bouleversent ou bouleverseront encore notre perception de nos paysages extérieurs, intérieurs ou rêvés.

Aux allures de conte contemporain, Where do we go from here ? vient tour à tour faire résonance aux regards d’une jeune génération d’artistes sur notre société, l’environnement, les ressources et nous confronte aux rôles que chacun d’eux se voit/accepte d’y jouer ou non, aussi poétiques soient-ils.

Le commissariat de cette exposition collective a été confié à Sylvain Le Corre et Elen Cornec, co-fondateurs de l’Atelier Marcelin.

Depuis près de 40 ans, Yann Kersalé part en « Expéditions » à la rencontre de lieux, de paysages qui deviennent de véritables terrains de jeux et pour lesquels il imagine des structures sur mesure et in situ.

Pour la dix-septième année, Les Moyens du Bord organisent la manifestation Multiples, un rendez-vous autour de la petite édition d’artiste au pôle culturel Le Roudour.
Ce salon, qui permet de découvrir des livres d’artiste, gravures, vidéos, sérigraphies, objets et autres créations, en présence de leur auteur, est enrichi d’un programme d’expositions, d’ateliers, de rencontres et de débats.
Cette année, près  de soixante artistes, maisons d’éditions et collectifs présentent toute la richesse et la diversité du multiple d’artiste.

Retrouvez l’ensemble du programme sur notre site www.lesmoyensdubord.fr

Territoires Extra x SUPRA x Billy Town

SUPRA participera cette année au programme Territoires Extra, coordonné par La Criée Centre d’Art Contemporain de Rennes et Passerelle Centre d’Art Contemporain de Brest, et soutenu par la région Bretagne et la DRAC Bretagne.

Nous avons eu le plaisir de recevoir Iede Reckman de l’Artist Runspace Billy Town de La Haye (NL) pendant le mois d’Octobre 2022. Iede a pu rencontrer les élèves de l’école Saint Joseph de Saint Aubin des Landes pour y faire des ateliers pédagogiques autour de la céramique, il a également pu développer un projet de recherche dans l’atelier de SUPRA. Nous vous invitons a venir découvrir les recherches d’Iede le 28 Octobre à partir de 18h, et partager un moment de rencontre et d’échange avec l’artiste. Inès Dobelle est l’artiste sélectionnée par Billy Town pour venir en résidence pendant 1 mois chez Billy Town courant 2023. Nous ne manquerons pas de vous faire découvrir le travail d’Inès pendant sa résidence.

Imitation of comics

Thierry Van Hasselt was born in 1969. Draftsman, graphic designer, scenographer, editor and professor at the École Supérieure des Arts Saint-Luc in Brussels, he is a founding member of the Fréon and Frémok editions, which proudly carry the colors and demands of graphic literature. He is also very involved in Frémok’s collaboration with La “S” Grand Atelier, a center for contemporary raw art, particularly through the “Knock Outsider” collection.

As such, he was invited to share with Christophe Desforges the curatorship of the “Itinéraires graphiques du Pays de Lorient #7”.

In parallel with his role as editor within Frémok, Thierry Van Hasselt is a draftsman and painter.
He presents in the gallery of the EESAB-Site of Lorient a set of oil paintings: The imitation of the comic strip (a reference to the filmmaker’s ‘The imitation of cinema‘ Belgian surrealist Marcel Marien), whose device takes the form of a story, an improbable scenario of a non-animated film, structured by still shots. The sequence of the canvases, the editing of the images arouse the idea of ​​a displacement, of a location in the rooms of a house where points of view alternate between the interiors and the exteriors. The interplay of framing focuses on still lifes, reflections, paintings, the presence of bodies. Clues that accumulate and punctuate the slow intrusion into an intimate space.

Valérie DAUBÉ construit son œuvre en observant ce qui fait son quotidien. Son regard se pose sur des formes géométriques souvent très élémentaires. Elle accumule des objets qui forment une collection, elle relève des formes et les assemble.

De cet environnement, elle collecte aussi des couleurs : camaïeux subtils de tons, emprunts aux ciels bretons, palette de couleurs chaudes, pétillantes, presque fluorescentes.

Dans ses installations ou ses peintures, la matière et la couleur dialoguent, donnent le ton, voire le rythme. Son œuvre se lit comme une partition de musique.

L’accumulation et la répétition de formes évoquent des espaces aériens, fluides ou terrestres et figurent un monde tantôt mystérieux et poétique, tantôt inspiré du réel.

Pour créer cet univers singulier, Valérie Daubé explore tous les champs des arts plastiques, dans un  travail de recherche de matières, jouant sur des contrastes de textures ou d’effets, invitant le spectateur à contempler un monde joyeux, laissant la place à la rêverie et au bien-être.

C’est son univers qui est décliné sur l’ensemble des supports de communication du Service Culturel de la Ville tout au long de cette saison 2022/2023.

Rafael Domenech (born in 1989) has chosen Passerelle Centre d’Art Contemporain for his first exhibition in France. A few years ago he moved to New York after first leaving his home island of Cuba for Miami. He finished his studies at Columbia University, and was deeply influenced by the teaching of his art teacher and friend, Rirkrit Tiravanija, a champion of Relational Aesthetics. This concept does not refer to a specific group of artists but to a way of creating art in relation to others. Domenech became part of this way of thinking about participatory art that engaged the public. His works are therefore architecture to live in or sculptures to handle and are interested in the social fabric and history of a place.

One of the fundamental questions asked by Domenech when he accepted this invitation to put on an exhibition in France, and in Brittany in particular, was how he should position himself as a Cuban American in a country, context and culture where he was a foreigner. He wished to avoid any hegemony or cultural imperialism and was seeking a dialogue which was yet to be defined. During his visit to prepare his exhibition, as he strolled around the town, Domenech was fascinated by the profusion of socially and politically committed messages in the area of Saint Martin where Passerelle is located. He noticed stylised anti-fascist stickers, graphic slogans and posters that were sometimes militant and sometimes advertising various public events. So he settled on the title of ‘the other square with no corners’, as both a homage and a comparison, evoking Place Guérin, the famous square in Brest, known for its intermingling of people and ideas. In a spirit of co-creation and of sharing the tool which the art centre provides, Domenech informally invites local creators who produce activist images to come and take part in his exhibition.

At the same time, the Passerelle building itself becomes a playmate you can exchange ideas with. Its raw and light-filled architecture along with its activities related to live spectacle inspired him to produce an installation in the form of a theatre with tiered seating where you can rest or watch events. Seeking to understand the history and context of the art centre, Domenech also wanted to highlight the Passerelle archives and, in particular, to show the graphic artwork of past exhibitions and events of especial significance to him. Text and graphic design are indeed essential to his practice as an artist, and he calls his sculptural works ‘books’. For several years he has been making objects that are halfway between books and sculptures, with lots of pages yet outside the classic definition of what constitutes a book. Domenech also uses this word, bearing no connection to the field of visual arts, because his objects can be touched and, in a way, read. This format also allows him travel with his works easily and to envisage the relationship with transport and production from a new angle. The artist prefers to produce the maximum number of pieces in situ, always in relation to the location, and limits himself to adding a few books designed beforehand in his studio. He wishes to avoid absurdly expensive transport costs and to recycle objects he has found locally. His is an ecological approach as much as a sensible economic one.

The Passerelle exhibition is presented like the books he collects so avidly. It contains several chapters, and opens up and unfolds like a book; it is both intimate and to be shared, as well as being a social experience.

The collective exhibition ‘Cuban Abstractions – from the 1950s to the present day’ is the Brest section of a larger project entitled ‘All the weight of an island: Collecting Cuban art’ shared between the Museum of Fine Arts in Rennes, the contemporary art centre 40mcube and Passerelle in Brest. Based on the collection of art collector François Vallée, the exhibitions tackle social and political issues as much as the formal qualities of the works.

Passerelle Centre d’Art Contemporain presents a corpus of abstract works with their roots in Russian Constructivism and Latin American Concrete Art. A leading figure in Cuban art, Loló Soldevilla (1901-1971), acts as the key point of entry to the exhibition. She was a painter and the Cuban cultural attaché in Paris, linking the new abstract artists of Latin America in the 1950s with the European avant-garde. She shone a spotlight on geometric abstraction, especially through her gallery Color-Luz in Havana, which she founded with Pedro de Oraá (1931-2020) in 1957. The group known as Los Diez Pintores Concretos [The Ten Concrete Painters] was established with friends in 1959. This galaxy of artists was committed to the ideological promises of abstraction. The revolutionary process was complete in 1959 with the overthrow of the regime of Fulgencio Batista and abstract art became the art of change and of the notion of Cuba as a liberated island. But from 1961, when art was being influenced by the ideological radicalisation of the cultural policy of the Cuban government, which considered it to be a weapon of the revolution and demanded that artists show social engagement, abstract art began to be stigmatised and deemed to be individualist expression that was foreign to the historical-social conflicts of the time. That was why ‘The Ten Concrete painters’, like Los Once [The Eleven] before them (1953-1955), saw the potential for abstract art to engage radical social change. Empowered by this history related to the revolution, many artists were to use, and still use today, this formal language to criticise excesses of power while escaping censure and keeping their distance from the official networks.

The exhibition is interested in all those artists who worked between the lines, far from the province of State propaganda and who adopted, for a while or for the whole of their career, the form of abstraction.

One of the most original and recognised voices in contemporary painting, Norwegian artist.
Fredrik Værslev navigates between different pictorial traditions. In his practice, he focuses on the process of painting, demonstrating the possibilities and relevance of the medium today.
His works are born out of the encounter between architecture and painting and take the form of painted renderings of motifs from the artist’s daily life.
He treats his paintings as objects, often created by more or less laborious, serial or deterministic processes, in which time itself, as well as various external factors, become active co-creators of the work.
In several series, he has left his paintings outside for long periods, allowing time and external wear and tear to complete them. Other works use seemingly clichéd techniques, motifs or quotations from art history (for example, dripping and splashing). Fredrik Værslev also challenges the painting process by freely collaborating with other artists or by using non-traditional painting tools, such as spray cans or equipment used to paint roads and stadiums. His paintings often oscillate between abstraction and representation, as evidenced by his groundbreaking Terrazzo series, which mimics the materiality of Italian stone floors while appealing to the expressiveness and spontaneity of abstract expressionism. The Canopy series is reminiscent of modernism and its striped paintings, but has its origins in the awnings of the artist’s childhood home.
His forthcoming exhibition in October 2022 in Rennes, the fruit of a discussion begun in 2015 with Etienne Bernard, director of the Frac Bretagne and curator of the exhibition, is intended to be an important step in his career.
It will constitute a form of retrospective of his entire production over the past 15 years.
The artist will present a new series of 40 paintings that will serve as a “re-reading rail” for his older series. Thus, the exhibition presented on more than 500 square meters of the Grande Galerie Sud of the Frac Bretagne will bring together more than 60 masterpieces.

The exhibition will be accompanied by a catalogue published in French and English by Dilecta, Paris.

Without following a specific theme, the exhibition bringing together the four artists nominated for the Frac Bretagne-Art Norac Award is an attempt to highlight positions, temperaments and perspectives on the world that engage peculiar patterns of attention.

Like the lizards which suddenly appear and immediately disappear, the artists gathered here are interested in transitory states, in moments of shifting from one angle to another, in the body’s impermanence and fragility. Some of the artworks have an ephemeral life, as they develop in response to the exhibition space, and then vanish or persist in another form in another place.

We owe to lizards the origin of the French expressions “lézarder”^[1] and “faire le lézard”^[2] which evoke states of stasis and lack of movement, often negatively perceived as unproductive moments.

But the lizard’s stillness can never be reduced to immobility or simple rest because motionless under the sun, the lizard is always on the lookout.

For philosopher Jérôme Lèbre, author of « L’Éloge de l’immobilité », immobility corresponds to the decision of occupying a place and holding a stance.

In this age of acceleration, of the need for mobility and flexibility, being an artist means, first of all, making the choice to stop. To stand in a place, not in order to withdraw from the world but on the contrary, to open up the space of possibilities.

Through the lens of very different visual and conceptual approaches, Reda Boussella, Clémence Estève, Fanny Gicquel and Valérian Goalec call upon inaction, slowness, dreams, horizontality as well as fall and failure, because of their potential to resist the thirst for verticality, success and achievement that prevails our present time.

In Valérian Goalec’s installation, this can for instance take the form of a poetic diversion from the standardised architecture of prize-giving venues, subtly questioning the relevance of the notion of competitiveness in the artistic field.

In Reda Boussella’s sculptures, combat sports training equipment can transform into burlesque components, and a scary Malinois Sheperd’s bite into a tender waltz.

Clémence Estève distorts history of art’s great sculptures’ silouhettes, scoliosis being for her a way to question social injonctions on the straightening up of the body, as well as a way to move away while staying set, to grasp a motion where the body seems still.

Trough slowness and slowdown, Fanny Gicquel’s performances are an invitation to contemplation to the point of creating images close from a living painting, which interrogates our current methods in relationships and communication.

The artists suggest that the vulnerability of our environment and bodies gives access to the ability to grow new forms of sharing, of presence and care.

But also to invent new interaction strategies and fresh looks regarding our bodies and their transformations on a physical, intimate and social level.

^[1] Lizarding.

^[2] Acting like a lizard.

Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de l’art contemporain et des images. En affirmant une appartenance à l’imaginaire, les artistes proposent des recherches prospectives et expérimentales. Auteur·rices de bande dessinée ou artiste, l’exposition souligne les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels au sein de la création contemporaine.

Définissant des signes symboliques (traits de vitesse, gouttelettes de sueur, spirale d’étourdissement ou de folie) « émanant » d’un personnage pour manifester une émotion ou un mouvement,Emanata*invite chacun·e à se raconter sa propre histoire. À travers un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, le public est convié à découvrir ces multiples pratiques.

* Commande nationale portée par le Centre National des Arts Plastiques (CNAP) en partenariat avec l’Association de Développement et de Recherche sur les Artothèques (ADRA) et la Cité Internationale de la bande dessinée et de l’Image d’Angoulême.

“CONTRE-ATTAQUES : BOOK BLOCS ET BIBLIOTHÈQUES EXPLOSIVES”

EXPOSITION 6 octobre . 25 novembre 2022
COMMISSARIAT Marie Boivent, Vanessa Morisset, Aurélie Noury  
COLLECTIONS Bibliothèque universitaire de Rennes 2, Cabinet du livre d’artiste, Centre des livres d’artistes (Saint-Yrieix-la-Perche), collections particulières, Salle principale (Paris)
RESTITUTION PUBLIQUE DU WORKSHOP jeudi 6 octobre à 16h (Bois Perrin)
VERNISSAGE DE L’EXPOSITION jeudi 6 octobre à 18h (CLA)
JOURNÉE D’ÉTUDES & TABLE RONDE vendredi 7 octobre de 10h à 17h15, avec Marie Boivent, Jean-Baptiste Ganne, Anne- Valérie Gasc, Pauline Hachette, Claire Henry, Stéphane Le Mercier, Iragaëlle Monnier, Vanessa Morisset, Aurélie Noury, Véronique Pittolo, Babeth Rambault et Francis Raynaud
JOURNAL N°60 par Anne-Valérie Gasc / texte de Vanessa Morisset

40mcube presents a solo show by cuban artist Segundo Planes that gathers paintings and drawings realized in the 1980s.

Segundo Planes is part of a generation of artists who, in the early 1980s, radically changed the practice of painting in Cuba. His works, characterized by a strong eclecticism, present a phantasmagorical universe populated by fantastical and sometimes disturbing creatures. For his exhibition at 40mcube, Segundo Planes presents a selection of paintings and drawings made in the 1980s.

This exhibition is part of Tout le poids d’une île. Collection l’art cubain (The weight of an island. A collection of cuban art), which brings together this fall and winter 250 works by more than 100 Cuban artists in three institutions, the centres for contemporary art 40mcube in Rennes, Passerelle in Brest, and the Museum of fine arts of Rennes, and at the Orangerie of the Thabor Park in Rennes.

This fall, Oniris Gallery is exhibiting for the second time the French-Korean artist Soo-Kyoung Lee. Being an adept of abstract and spontaneous painting, she admits that she never makes any preparation before starting the work. To her, the most important thing is the gesture. Thought and action are simultaneous and it is in this continuity of gestures that the painting becomes tangible.

The name of the exhibition “Memoria” (lat. memory) describes the paradox that the artist is constantly confronted with during her creative process: she is required to chase her memory and, at the same time, work with it.

Even though in her technique Soo Kyoung Lee had to take some distance with the Asian traditions, part of the exhibition “Memoria” is imbued with Korean sensibility, with childhood memories. This series, called “Munpei” [door plaque], refers to an old Korean custom of placing a rectangular panel next to the door with the name of the resident of the house on it. The artist works with the substance and, by cutting the wood in a completely free manner, she replaces the specific name with abstract forms. The “Munpei” series contains 1000 pieces in total: each one is unique and colorful and delivers a message to the viewer in the spirit of the Korean door plaque tradition.

In this new exhibition at Oniris Gallery, the artist presents paintings and works on wood made over the past two years. These works illustrate the evolution of Soo-Kyoung Lee’s creative process while maintaining a characteristic spontaneity.

N. DESCRIPTION (FRANÇAIS)

Cet automne, dessin et sculpture sont à l’honneur à la Galerie Net Plus ! L’artiste rennais Pascal Jounier Trémelo investit les lieux pour une installation inédite.

Elle marque le début d’un cycle qui interroge la relation dessin/œuvre qui n’a cessé d’évoluer depuis la Renaissance italienne.

Maître et régisseur des vents, fils des dieux et complice – pour un temps ! – d’Ulysse, Éole se fait l’acolyte de Pascal Jounier Trémelo pour cette exposition inédite de l’artiste rennais. Invité à quitter son palais céleste pour sillonner la Galerie Net Plus, le dieu des vents s’immisce dans les interstices laissés, à dessein, par l’artiste. Une porte qui s’ouvre et se referme, les pas, mouvements et respirations des spectateurs… Le moindre courant d’air gonfle les voiles de ces grands dessins suspendus au mur. C’est une déambulation sur les traces d’Éole que nous propose Pascal Jounier Trémelo ; c’est un voyage au cœur de sa pratique artistique, riche dans sa forme et dans son propos, auquel il nous convie.

« Il écorche un taureau de neuf ans ; dans la peau, il coud toutes les aires des vents impétueux, car le fils de Cronos l’en a fait régisseur : à son plaisir, il les excite ou les apaise. Il me donne ce sac, dont la tresse d’argent luisante ne laissait passer aucune brise ; il s’en vient l’attacher au creux de mon navire ; puis il me fait souffler l’haleine d’un zéphyr, qui doit, gens et vaisseaux, nous porter au logis… »

INFORME N’EST PAS ABSTRACTION

Si, à première vue, les œuvres de Pascal Jounier Trémelo semblent abstraites, quand on s’approche, nos yeux reconnaissent quelques motifs. On aperçoit différentes matières bien connues – laine et tissu d’ameublement – prises au piège du plâtre ou du béton, on discerne des cerclages de tuyauterie… Finalement, notre quotidien apparaît discrètement dans les sculptures de Pascal Jounier Trémelo. Ses œuvres s’attachent pleinement à la réalité, contrairement à l’art abstrait qui ne représente ni sujet ni objet, mais s’attache seulement aux couleurs et aux formes pour ce qu’elles sont.

Malgré leur aspect informe, voire organique, les œuvres de cet artiste n’existent que par rapport à un référent réel. Objets de chantier et de la sphère domestique sont au centre de sa pratique, bien qu’ils soient difficilement reconnaissables, et pour cause ! Pascal Jounier Trémelo ne s’attache pas à la représentation de ces objets, mais à leur empreinte directe, au moyen du moulage.

L’ART DU MOULAGE

Inscrite dans l’Histoire depuis l’élaboration des premiers outils fondus par les hommes de la préhistoire, la technique du moulage a rapidement rejoint les rangs de l’art par le biais de la sculpture. Si l’antiquité regorge d’œuvres réalisées par ce procédé, il en va de même pour toute l’histoire de l’art. Pascal Jounier Trémelo s’inscrit alors clairement dans toute cette lignée d’artistes tels que Auguste Rodin ou Alberto Giacometti. Le moulage n’est cependant pas l’apanage de l’art, loin de là ! Le développement industriel des deux derniers siècles l’a pleinement intégré à nos vies. On ne compte plus les objets et meubles fabriqués ainsi, en usine. Le moulage lui-même fait partie de notre quotidien. Qui peut se targuer de n’avoir jamais utilisé un moule pour faire cuire un gâteau ?

Seulement, Pascal Jounier n’use pas de moule classique pour couler ses œuvres. Car si Éole est bel et bien présent dans l’espace d’exposition, il est surtout le compagnon de l’artiste lorsque celui-ci travaille à l’atelier !

Les sillons que le dieu creuse un peu plus chaque jour, ces petits vides dans lesquels se glisse les courants d’air, sont omniprésent ! Pourtant, nous n’y prenons pas garde. Un écart entre deux meubles, une fissure dans un mur, les creux et plis sculptés par un aspirateur qu’on passe sur un tapis, l’intérieur d’un bonnet de laine ou d’une canalisation ou d’une gaine… Cette multitude de passages dans lesquels le vent peut se faufiler sont la base-même des œuvres de Pascal Jounier Trémelo.

« Les creux sont des moules. »

Ces objets du quotidien et ces vides souvent oubliés sont ici propulsés sur le devant de la scène ! Pascal Jounier Trémelo les transforme en fait des moules pour ses œuvres.

Il ne s’embarrasse cependant pas toujours de leur faire une coque en dur afin de maîtriser au mieux le processus de fixation de la matière, bien au contraire. Les moules sont mous, informes, si bien que le hasard et les enjeux physiques de la gravité donnent aux sculptures des formes aléatoires. Béton, plâtre ou glaise vont ainsi se figer en une masse informe créée par les aléas du tangible. Outre l’histoire de l’art, les mondes de l’architecture, de la biologie, de la géographie et des sciences de la terre font partie intégrante de son travail. Les sculptures de Pascal Jounier Trémelo s’amusent à tisser des liens avec le monde du vivant.

« Je pratique une sorte de maçonnerie expérimentale. »

MANIFESTER LA VÉRITÉ D’UNE EXISTENCE

Pascal Jounier Trémelo laisse une grande part de liberté à la matière, il joue avec les hasards du séchage ou avec les fibres qui se prendront dans la matière lorsqu’il utilise des moules en tissu. La réalité de ces objets, leur vérité-même, s’incruste directement dans ses œuvres. C’est d’ailleurs la force du moulage : mouler, c’est faire une empreinte et donc prélever un morceau de réalité, un morceau de l’existant.

Il en va de même pour ses dessins. Si l’artiste décide au préalable du motif – une ligne tirée d‘un référent réel – qu’il réalisera et répétera sur sa feuille, le fait de dessiner sur une table en béton aux nombreuses aspérités va venir déformer ses traits, leur donner plus de corps et de matière. Ce sont des sillons irréguliers qui se forment d’eux-mêmes sur le papier, en creux et en bosses. En outre, les différents modes de présentation de ces grandes feuilles, suspendues, encadrées ou posées sur des socles fixés au mur, démontrent une envie de spatialisation du dessin, comme on pourrait spatialiser une sculpture. L’artiste donne à ces œuvres en 2D une réalité concrète. D’ailleurs, béton ne se traduit-il pas par « concrete » en anglais ?

L’objet de la démarche de Pascal Jounier Trémelo n’est pas d’inventer ou de représenter, mais de manifester la vérité d’une existence, de révéler le potentiel expressif contenu dans toute chose.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Né à St Nazaire en 1976, Pascal Jounier Trémelo vit et travaille à Rennes. Après des études d’horticulture puis de musicologie à Paris, il s’installe dans la métropole rennaise et intègre l’université. Il obtient en 2004 un master en Arts Plastiques. L’ensemble de ses œuvres propose une relation sensible au réel.

Diplômés en 2016 de l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes, Manon Riet et Thomas Portier travaillent à Rennes et sont membres du Vivarium – Atelier Artistique Mutualisé depuis 2017.

Manon Riet et Thomas Portier écrivent à quatre mains des fictions prenant vie sous la forme de vidéos, d’installations et de performances. Colonisation de nos systèmes digestifs par des bactéries, volonté de leurrer le public en adoptant les techniques des pécheurs ou symbiose avec des espèces végétales, leurs récits sont habités par des notions d’hybridations et d’attention aux différentes formes de vivants.

En véritables metteurs en scène, Manon Riet et Thomas Portier posent le décor. Dans la salle d’exposition de L’aparté règne une douce ambiance bleutée. Divers éléments sculptés forment un salon semblant tout droit sorti d’un aquarium. Des algues en plastique viennent prolonger l’illusion. Fontaine à eau, narguilé, brumisateur sont autant d’invitations à célébrer l’eau.

Dans un monde sur le point d’être asséché, la fête devient une stratégie pour conjurer le mauvais sort. Avec La dernière saison, les artistes proposent une installation vidéo accueillant un personnage mi-humain mi-poisson et ses allié.e.s subaquatiques. Au sein de ce refuge festif, cette alliance inter-espèces permet de développer de nouvelles stratégies pour survivre et déjouer avec humour l’absurdité de la période que nous vivons.

Nous vous invitons à découvrir l’exposition de sortie de résidence de Léa Maraszek, Résidente SUPRA 2021-2022.

Possibilité de participer à un Atelier dégustation gratuit autour des fleurs comestibles et du travail de Léa. Sur inscription par mail à supra.runspace@gmail.com (place limitées)

Léa et l’équipe de SUPRA vous attendent nombreux.ses.

Conceived with and in relation to the work of Rika Tanaka (artist in residence in Peillac), the exhibition, Where the river sings deals with a certain questions relating to water. As in the spirit of Arthur Rimbaud’s poem, The sleeper of the valley (which inspired the exhibition’s title) water may evoke beauty, or it may evoke tragedy.

Each of the six international artists in the exhibition focus on this subject in different ways.

The works presented have been borrowed from the artists or from collections such as the Fonds régional d’art contemporain (Frac), the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille et Vilaine, and the Fond communal of the City of Rennes. 

Amercian artist, Kendall Glover presents Errant Lasso, a new permanent sculpture created during a residency at Minoterie21 during the summer of 2022.

Yayoï Gunji from Nice, a French artist of Japanese origin, accepted Minoterie21’s annual invitation to create a new work for the “pigeonhouse billboard”. Her painting, Herstory, measuring 250cm high by 500cm wide will be visible outside for one year.

Aquarelle et textile.

Derrière Minuit se trouve Candice Quédec, jeune artiste brestoise. Les eaux des mers du monde sont ses principaux outils de travail pour créer des aquarelles singulières. Chaque eau est unique et raconte une histoire. Leur densité, leur couleur, leur salinité font qu’elles s’expriment différemment sur les supports choisis par l’artiste.

Minuit créé des objets et des « espaces-univers » qui sont mis en scène. Au Donjon-Galerie, c’est un réel univers qui apparaît avec Fendre les flots. D’un rêve symbolique, celui d’une vague déferlant sur le monde, est née l’envie de réaliser une aquarelle à l’eau de mer sur une voile de bateau. Comme pour prendre le large vers un ailleurs en forme d’Atlantide.

Accueil de l’artiste dans le cadre du dispositif Contre vents et marées, avec le soutien de la Région Bretagne et en collaboration avec a.c.b – art contemporain en Bretagne.

Liz West sculpts light and colours spaces around the world to invite to watch, observe, explore what bright colors and their rays bring to the places where she exhibit. After being in France at the Musée des Arts Decoratifs in Paris in 2018 and at the Lille Tripostal in 2021, it’s at the art center that she will play with the senses of visitors and modify the chapel atmosphere.

The 700 colored mirrors of Our Color Reflection who cover the floor interact with the rays of the sun and project onto the architecture a sensitive but flamboyant space. The atmosphere created gives way to an illusory wandering. Transformation of space and disruption of vision apply there.

Colour has a different effect on each of us. What is the one created by the exhibition on our body… Comfort, warmth, energy, joy?

Montfort Communauté fête ses 30 ans ! A cette occasion, L’aparté, lieu d’art contemporain de Monfort Communauté revient sur 12 ans de création.

Né d’une volonté politique d’offrir une présence artistique professionnelle sur un territoire rural, et d’initier à l’art les publics, en particulier les scolaires, le lieu créé en 2010 a accueilli 77 artistes, présenté 64 expositions et réalisé 53 éditions.

L’exposition rétrospective en plein air invite les visiteurs à voyager dans le temps à travers des photos, des chiffres-clés, des anecdotes…

Dans le cadre de la 2ème édition d’Exporama, L’Oeil d’Oodaaq, le Lieu et le Phakt s’associent pour proposer un projet en trois volets intitulée la « La dérivante » imaginé par les artistes Nyima Leray et Jonas Delhaye :

– 1 exposition dans la galerie du Lieu, local de L’Oeil d’Oodaaq, 20 rue Francis Joly

– 1 programmation vidéo internationale présentée dans la galerie du Phakt – centre culturel Colombier

– 1 sculpture flottante installée promenade du Lavoir à Rennes

L’EXPOSITION

Le travail collaboratif imaginé pour cette exposition, expression d’une histoire, sculpturale et performative, est le point de fixation et de liaison entre nos deux univers artistiques. Il se matérialise par la création d’une bouée, point de départ de la recherche, objet flottant qui rend sensible la jonction entre ciel et mer, visibles les reliefs de cette interface liquide et perceptibles les courants et les récifs.

Sculpture flottante, elle traverse le paysage urbain telle une bouée météorologique dérivante qui donne des informations sur son milieu. Elle porte la symbolique du signe qu’elle incarne et de sa fonction reconnaissable, tout en se chargeant de l’étrangeté d’une forme inspirée par le polyèdre de La Mélancolie de Dürer. A la dérive, elle donne à revoir les fixités de nos villes et l’expression des trajectoires utiles et quotidiennes de nos corps citadins. Mélancolie du passant, de celui qui erre comme un situationniste ou simplement perdu dans sa pensée, de l’acuité au changement au simple plaisir d’être là et d’observer. L’objet flottant, son incongruité, offre aussi un espace de projection et d’évasion, comme un rappel à un accès possible à la mer ; et, parce qu’il éprouve le paysage, il se charge des traces de son immersion, se faisant surface de réception.

LES ARTISTES

Nyima Leray

Né en 1978, Nyima Leray vit et travaille actuellement à Caen. Titulaire en 2005 d’une maîtrise de lettres modernes, il a suivi une formation d’art plastique et obtenu un master Art plastique spécialité «photographie et art contemporain» en 2012 à Paris 8.

«Dans mon travail, je porte mon attention sur un monde de petites choses, de traces, d’événements infimes, d’objets fragmentaires issus du quotidien. Tous ces petits riens deviennent un terrain de jeu, une matière sensible que je m’approprie. Je collecte ces traces, matériellement ou photographiquement, je les regarde, les ordonne, les agence, leur associe parfois un élément graphique, un mot, un geste pour les conduire ailleurs ou prolonger ce que j’ai ressenti au moment de leur découverte. Ces petites choses m’apparaissent souvent lors de marches en ville, en périphérie, sur le port, le long d’une route… tels des signes, des apostrophes, des promesses silencieuses à emporter précieusement avec soi et à décrypter. S’absorbant presque totalement dans leur sillage, on finit par imaginer ou rêver les traces que l’on suit peut-être autant qu’on les découvre. Le résultat de ce travail peut prendre différentes formes. Je m’intéresse cependant particulièrement aux formes éditées, livres d’artistes, cartographies… pour la manipulation que ces formes induisent chez le regardeur qui associent alors les mains à l’œil, le toucher au regard, ainsi qu’aux liens textes-images pour cette manière de venir se mettre se mettre en tension et se compléter.»

Lien vers le site de l’artiste : http://nyimaleray.com/

Jonas Delhaye

Jonas Delhaye, né en 1988, vit et travaille en itinérance. Diplômé de l’EESAB en 2011, il développe son travail artistique lors d’expositions et de résidences en France et à l’étranger. Jonas est finaliste du Prix découverte des Amis du Palais de Tokyo en 2014 et lauréat du Prix Yishu8 en 2019 grâce auquel il effectue en 2020 une résidence à Pékin.

LE PROJET 5

Son travail se définit dans une forme hybride où l’œuvre et l’image sont envisagées au croisement de la sculpture et du performatif, de l’enregistrement au sens large. La démarche naît de l’immersion du corps dans l’espace, de son expérience du temps et témoigne de la mise en valeur d’une présence au monde par des modalités spécifiques d’apparition de l’image ou du langage. Cet engagement est un moyen pour penser l’œuvre dans sa transversalité, ouvrir des potentialités de récits et de dialogues avec le paysage qui deviennent dès lors un moyen pour entrer en relation, comprendre… L’œuvre apparaît le plus souvent comme la manifestation de ce lien, de l’interdépendance entre le lieu, le dispositif, le processus et l’empreinte ; trace sensible issue d’une rencontre avec le paysage.

Lien vers le site de l’artiste : http://jonasdelhaye.fr/

A l’invitation de la commune de l’Ile d’Arz, Daniel Buren, figure majeure de l’art contemporain, est venu découvrir l’île et son environnement exceptionnel dans le Golfe du Morbihan. De cette rencontre est né un parcours unique de 7 œuvres, intitulé « Au détour des routes et des chemins, 7 travaux in situ ».

Cette exposition hors les murs, qui se tiendra du 30 juin 2022 au 30 octobre 2023, est une initiative de l’Ile d’Arz organisée avec le département du Morbihan et le soutien du Ministère de la Culture.

Ces interventions, toutes réalisées sur place et dans les matériaux les plus simples, sont une invitation à saisir le charme de cette petite île de Bretagne. Du port de Béluré à la pointe de Liouse en passant par le bourg et le village de Penero, le visiteur cheminera à travers des portiques multicolores, des jeux de lumières et des alignements de couleurs. Venez découvrir ou redécouvrir l’Ile d’Arz, et laissez-vous surprendre au détour des routes et des chemins !

https://www.mairie-iledarz.fr/

Marc Didou explore les points de vue du regard et ceux de la vision.

« Voir c’est croire en ses yeux. Mais derrière cette réalité se cache un autre possible ; celui d’un art qui cherche à prouver qu’il ne faut ni dessiner, ni peindre, ni sculpter comme l’œil voit. Vu de mon œil droit le monde se révèle en haute résolution.

Vu de mon œil gauche il se projette en basse définition.

Naturellement le cerveau a tendance à privilégier mon œil droit, puisque c’est lui le premier qui peut nourrir l’esprit d’informations nettes et précises, tandis qu’il doit faire des efforts et qu’il se fatigue vite à déchiffrer des images abstraites et floues, transmises par un œil nonchalant qui a oublié sa fonction. Alors il délaisse l’œil gauche et le déconnecte peu à peu.  L’œil risque l’engourdissement, voire la cécité.

(…)

Vu de mon œil gauche le monde se révèle en trompe-l’œil.

Vu de mon œil droit il se projette en perce-voir. »

Auteur de sculptures souvent monumentales impliquant une confrontation physique avec la matière, Marc Didou est aussi un artiste qui, en réaction à la notion de réalité virtuelle, développe un travail sur la perception par l’anamorphose, l’optique, la perspective et la lumière. Ses œuvres ouvrent le regard sur l’être et l’apparence, sur le réel et l’illusion.

Marc Didou est un habitué du Domaine de Kerguehennec, « L’œil puits » et « Portail pour une inconnue » sont deux installations du parc de sculptures.

Marc Didou est né en 1963 à Brest.

Il partage son travail et sa vie entre la Bretagne et la Ligurie.

Il collabore avec la Galerie Martini&Ronchetti de Gênes depuis 2002.

www.marcdidou.com

Genius loci est une locution latine traduisible en français par « esprit du lieu ». Son utilisation dans la culture populaire renvoie généralement à l’atmosphère distinctive d’un lieu. François Réau propose pour la Chapelle de la Trinité du Domaine de Kerguéhennec, un projet qui allie dessin et installation, et placera le visiteur au centre d’une expérience sensorielle. Un dispositif plastique qui interroge les relations du temps et de l’espace grâce à la poésie de Rainer Maria Rilke et à un choix d’objets et d’histoires issus du lieu, comme la chute de la météorite de Kernouve, tombée dans le Morbihan en 1869.

« Avec cette proposition j’expérimente la part in situ de l’œuvre, ce qui m’amène à prendre en compte l’architecture du lieu et son histoire. Le sens de ce bâtiment historique donne une force à l’œuvre qui est enfin vue non pas seulement comme une forme autonome mais aussi comme une partie qui contient quelque chose de l’esprit du lieu. Grâce à ce dialogue c’est une histoire qui ne s’interrompt pas et il s’agit aussi de proposer un art contemporain qui peut restaurer notre regard sur le monument ou son histoire. Pour qu’en définitive tout puisse être en mouvement et vivant simultanément ».

Le travail de François Réau s’articule dans des dispositifs plastiques de grande échelle, installations et dessins, paysage mental et paysage physique, l’immensément grand ou encore l’indicible. Prenant comme source de réflexion l’espace du paysage et ses processus de transformation, son travail interroge les liens entre l’homme et la nature. Beaucoup de ses travaux tissent des liens entre rêve et réalité.

François Réau est un artiste français, né en 1978.
Il vit et travaille à Paris.

www.francoisreau.com

Le ciel, grand, plein de retenue splendide est une proposition en partenariat avec L’Art dans les chapelles. Cette manifestation entend valoriser le patrimoine architectural en le faisant dialoguer avec le travail d’artistes contemporains. 

http://www.artchapelles.com/accueil_/466-0-0

Léa Bénétou

Plan d’ensemble

Parcours A ciel ouvert

DESCRIPTION (FRANÇAIS)

Céline Le Guillou (France, 1994) took part in the Residency Workshops for three months, an initiative of the Centre d’Art et Documents d’Artistes Bretagne. Each year the residency programme welcomes two artists living in Brittany or graduates of a School in the region. The exhibition ‘Les forces heureuses’ is the fruit of the work and research carried out by Céline Le Guillou during her period in Brest and was created in close collaboration with the teams of the arts centre and ceramics workshop on the Brest site of EESAB (European Academy of Art in Brittany).
The artist has undertaken a quasi-scientific observation of the human body and organic matter, while remaining within the field of the poetic. She previously developed a corpus of paintings, then sculptures, and recently chose to enhance her skills in ceramics by studying at the European Institute of Ceramic Arts in Alsace. Armed with this new knowledge, she wanted to develop her exhibition around a series of new sculptures, fired in Brest. She sought to take over the space by constructing a ‘drawing’ in three dimensions. Soft shapes and different textures spread themselves over furnishings created for the purpose by the artist. Their stands are therefore an integral part of the works and sometimes suggest scientific material.

Through the eyes of twelve artists, the exhibition ‘À fleur de peau’ highlights the relationship between the city and its inhabitants. More specifically, it observes how architecture and town planning can modify and influence our behaviour, our body and our psyche. ‘À fleur de peau’ is not seeking to be either exhaustive or impartial and attempts to present a passionate and poetic panorama of a range of different artistic approaches.

Cities evolve, expand and sometimes fade away. Their inhabitants are directly impacted and experience these effects on a daily basis. These impacts vary considerably depending on each person’s social background and financial resources.

‘Gentrification’, one of the best known processes of urban modification, has been extensively reflected in recent times in literature, sociology and town planning itself. This term, originating in English, describes the transformation of working class areas brought about by the arrival of better-off social classes who renovate the houses and bring in different ways of life and of consumption. The poorest and most vulnerable are ejected fairly unceremoniously by the way the developers operate or quite simply by the rise in prices. The original inhabitants of these areas are deeply affected by having to live in a state of uncertainty, aware that their eventual departure is inevitable, and often existing in slum conditions. The artists Cao Fei (China, 1978) and François-Xavier Gbré (France, 1978) respectively tackle this subject from the perspective of the absurd in a Chinese megapolis and the way the dismantling of a poor neighbourhood in Abidjan is archived. Rayane Mcirdi (France, 1993) collects life stories and conversations from the inhabitants within the context of the changing Parisian suburbs where new blocks of flats replaced the rows of low-rise buildings of the 1960s.

Industry, traffic flows and heating alter the air and the ground of cities. Some vast conurbations are known for swimming in opaque and constant clouds of pollution, altering the local climate and poisoning the local people, as well as the flora and fauna. In the photographs by LaToya Ruby Frazier (United States, 1982), bodies are sick, struck down by the poisoning generated from the steelworks neighbouring a residential area.

War and the destruction it brings traumatise minds and bodies deeply and lastingly. Ruined buildings are preserved as places of remembrance such as the Genbaku Dome in Japan which became the Hiroshima Peace Memorial at the end of the Second World War. Some conflict zones are forbidden and deadly while others are fortified like the Green Zone in Baghdad in Iraq where local and foreign dignitaries live apart from the local population. Ali Cherri (Lebanon, 1976) recounts his childhood during the civil war when it was impossible for him to play in or walk through the streets that had become hostile places.

Many feminist theses study the history of cities from the point of view of the patriarchy – the authority held by men which excludes women. Men are celebrated in the public space through the names of streets, buildings and statues and women thereby rendered invisible. Men take over the public sphere, sometimes creating atmospheres of constraint, leading to fear, at times subconscious, of the urban space as revealed by avoidance strategies to stop oneself being harassed. Like a symbol, in 2006 the female rapper Diam’s sang “There’s a sensation of rape when I walk through my town”. The artist Cecilia Granara (Saudi Arabia, 1991) expresses this disgust in her painting, expressing the silent anger she has stored up from her daily life in Paris.
The city is constructed like a living network in constant evolution. It bears the history of its inhabitants like open air archives. Pauline Ghersi (France, 1989) tells the story of the districts and how they were appropriated by their population in a series of films. Marilou Poncin (France, 1992), links urban cartography and the radiography of the body – the metro line becomes a beating artery. Flesh, spirits and streets all meld together for the benefit of collectivity and community.

The two artists offer their ‘Twin Islands’ project, in which the notions of parity, reciprocity and exchange interplay. The project first took the form of two simultaneous creative residencies, taking place over one month, during which Sara Bichão and Violaine Lochu exchanged their homelands: Sara Bichão stayed on Ouessant Island, off the western tip of France, while Violaine Lochu went to São Miguel Island in the Azores, to the west of Portugal.

During this experience, which linked fiction and everyday life, they each worked on a ‘reflection’ of the other. Each on her island, they sought to invent methods of long-distance communication, playing on the notion of insularity. From east to west and north to south, their movements on the island to go out, find their way around, work, and communicate were done following a precise protocol and according to the island’s geography, through the interior (centre), the periphery (coasts), and the exterior (ocean). By way of these rituals, each mirrored the daily movements of the other, in island space and time, translating the experience as closely as possible.

In the course of these two parallel residencies, which took place in February – March 2022, visual, sound and performative objects for ‘communicating’ were produced. The first time these objects are shown and activated publicly will be their appearance at the Passerelle Centre d’art contemporain in Brest. These activations will be filmed for a video-performance to be shown at Carpintarias in São Lázaro – Centro Cultural in Lisbon, from 1 st sept. 2022. During a second phase of exhibitions and performances, the artists will experiment with different ways of presenting the work produced in the Azores and in Ouessant.

Fleeing Hitler’s arrival in power, Evelyn Hofer’s family emigrated to Switzerland, where Evelyn enrolled in photography courses in Basel and Zurich by the charismatic Hans Finsler. Following the same path and the same teachers as Robert Frank, Evelyn Hofer moved to New York at the age of 24. It was the place to be, where artistic careers took off.

Alexey Brodovitch, artistic director of Harper’s Bazaar, gave Hofer her first commissions for prestigious magazines like Vogue and the New York Times. But she showed little passion for fashion commissions and that industry, instead preferring, unlike William Klein and Robert Frank, who haunted the same streets, to carry without exception her large format camera and her heavy tripod as weapons of choice. The likes of Klein and Frank were enthralled by the frenzy of the city which they captured with their Leicas. They were on the move, at the heart of the action, taking in faces and scenes anonymously, then turning their heels, to one subject or another, guided like Jazzmen or dancers by the kinetic score of the city that never sleeps. Evelyn Hofer preferred real encounters; her street photographs are portraits and in fact, all her images are portraits, even her architectural views and the objects of her still lives seem to pose for her. With the writer Victor Sawdon Pritchett, she worked on a book project on New York, and it’s in this context that she captured the majority of her images of the city. She worked in black and white as well as colour, at a period when colour photography was still excluded from the realm of high art. Before the big names. Before Eggleston. Before Stephen Shore. The colour printing method at the time, dye transfers, bathe us in a feeling coated with timelessness. If all the portraits are posed, there are none then which appear artificial. If August Sander photographed social categories, Evelyn Hofer simply photographed people. A hot dog seller, a milkman, a doorman or policeman of Brooklyn, Manhattan or Harlem… the quality of her gaze upon her subjects faithfully translates her tropism for simple people, for those who day in day out make the city of iron and concrete, which is dominated by height and seems to care little for these beings and their survival. The period of these photographs, 1953 to 1975, are also those of Martin Luther King and the Civil Rights Movement, and the affirmation of those demands seem to be embodied in the postures and the looks in many of her shots. Hofer’s first exhibition in France was described by a critic of the New York Times as “the most celebrated unknown photographer of the United States”. Who knows that’s due to her status as a woman, or simply because she wanted to stay discreet, true to herself?

This exhibition is produced in partnership with the Galerie M Bochum, Germany and Le Centre photographique Rouen Normandie.

New York, Evelyn Hofer
Opening on June 16, 2022
Exhibition from June 17 to October 16, 2022

Open Wednesday to Sunday from 2 p.m. to 6:30 p.m.
Summer hours from July 13 to September 4 open from 11:30 a.m. to 6:30 p.m.
Free admission - Closed on public holidays

The exhibition Pas sommeil proposes to envision the summer of 2022 as the twilight of this pandemic that will have forbidden us to indulge in the forms of nightly wandering that we are so fond of and that have always been deeply rooted in Rennes’ DNA. The summer of 2022 will be the night during which transgressions will once again be possible, bringing back about collective experience and encounters that create meaning and form.

The exhibition wants to be open, festive, poetic, generous but also contemplative, surly and militant. It intends to evoke the party in its broadest sense – from the impromptu popular gathering to the dance floor, from the village party to the rock concert, from the techno rave to the queer culture… – by bringing together artistic practices from all horizons. The party will be the place of rejoicing as much as of resistance, the place of social, identity and cultural claims as well as of expiation, the place of the spectacular as well as of the intimate…

Les Rencontres photographiques de ViaSilva sont de retour cet été, mettant en avant les œuvres de Françoise Beauguion et d’Emmanuelle Blanc, toutes deux en résidences à Cesson-Sévigné en 2021. Elles investissent la Galerie Net Plus pour une exposition exceptionnelle.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent chaque année à des artistes de s’installer sur ce territoire éponyme, le temps de quelques mois, afin de montrer leur vision du chantier et son évolution. Sans ligne artistique figée, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Pour la cinquième édition, les photographes Françoise Beauguion et Emmanuelle Blanc ont parcouru le futur quartier pendant plusieurs mois et nous livrent des travaux narratifs à travers une exposition et deux monographies.

À l’origine, lorsque le projet a été monté, deux expositions étaient prévues : l’une à la Galerie Net Plus, l’autre dans et près de la station de métro ViaSilva. Malheureusement, en raison des retards pris par la mise en service de la ligne B, cette dernière ne pourra avoir lieu.

Françoise Beauguion et d’Emmanuelle Blanc offrent aux visiteur·ses un dialogue avec leurs œuvres. C’est une balade au sein de ViaSilva que les artistes proposent, nous invitant à découvrir ou redécouvrir les paysages de ce quartier en mouvement perpétuel.

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À propos de Françoise Beauguion

Françoise Beauguion, bien qu’habitant aujourd’hui à Marseille, est originaire de Bretagne. Elle a commencé sa résidence début 2021 et l’a poursuivie durant plusieurs mois.

Durant sa résidence mission Françoise Beauguion a documenté la vie du chantier, les nouvelles concertations, les comités scientifiques… La photographe a échangé dans la rue avec les passant·es, les ouvrier·ères, les curieux·ses et est allée à la rencontre des futur·es habitant·es et de ceux qui y vivent depuis quelques décennies.

À la suite d’une phase d’observation Françoise Beauguion nous propose un travail photographique et littéraire qui met en scène les différents points de vue des personnes croisées durant cette année de résidence. L’artiste donne à voir une balade poétique à ViaSilva qui interroge les fantasmes, réalité et utopies.

Site : Françoise Beauguion

Instagram : @francoisebeauguion 

À propos de Emmanuelle Blanc

Cette artiste parisienne a passé plusieurs moi à ViaSilva pour en saisir des photographies argentiques et numériques qui traduises les impressions qu’elle a ressenties sur ce territoire

Emmanuelle Blanc, en arrivant sur le territoire de ViaSilva, a eu le sentiment de se déplacer à l’intérieur d’une maquette, d’un endroit irréel pourtant bien présent. En travaillant à la fois au numérique et au moyen format (un appareil photo argentique), l’artiste s’est questionnée sur la temporalité du chantier : tout va très vite, le lieu est en mouvement perpétuel. Les activités fourmillent et les bâtiments poussent à une vitesse vertigineuse. L’artiste s’est également intéressée à cette projection que beaucoup ont de ViaSilva, un fantasme, un rêve, qui se confronte à une réalité faite de mouvements de terre et d’élévation d’immeubles. Dans un récit à la fois ludique et laborieux, elle multiplie les points de vue et contrebalance l’idée préétablie que la plupart d’entre nous s’est fait du projet ViaSilva.

Site : Emmanuelle Blanc

Instagram : @emmanuelleblancimages

This summer 2022, the La Gacilly Photo Festival is going to meet photographers from Afghanistan, Iran and Pakistan.

The 19th edition of the La Gacilly Photo Festival is organized around the themes Visions of the East and The World of Tomorrow to offer an immersive photographic experience in the heart of around twenty open-air galleries with free access.

Visions d’Orient highlights artists from these three South-West Asian countries, all of which belong to the Persian cultural space; home to a thousand-year-old civilization, a unique artistic creativity, sheltering courageous authors and a disconcerting modernism that has chosen photography as its weapon.

More than ever, the La Gacilly Photo Festival wants to give pride of place to these photographers who transmit to us through their shots so many seeds of hope. In the galleries of our Breton village, in our alleys, in our gardens, on the walls of our alleys, their works are exhibited to amaze us, to help us think, to move us, to arouse our anger as well as our empathy, to convince us that we must always take the shortest path, and the shortest is the path traced by nature.

Durant cette année 2021-2022, comme chaque année, les ateliers arts plastiques du PHAKT ont exploré un thème commun, celui de la cartographie.

Par la question de la carte sous différents prismes les ateliers dessin, BD, peinture, arts graphiques, photographie et arts plastiques ont travaillé de différentes manières pour aborder les déclinaisons d’une carte comme notion de représentation.

La carte comme plan géographique ou parfois comme un plan d’anatomie; mais aussi la carte de la mémoire et de l’intime.

À cette occasion vous retrouverez les animateurs des différents ateliers :

Maria Revilla – Arts graphiques, Peinture, Dessin

Céline Géraud – Arts graphiques, Arts plastiques, Peinture, Dessin

Jacques Mahé – Arts plastiques, Bande dessinée

Alexandre Texier – Photographie

Cette exposition des travaux des adhérent.e.s du PHAKT sera suivi d’un concert de flûte à 19h.

From 21 May to 28 August 2022, La Criée Centre for Contemporary Art is presenting Le Cantique des oiseaux, a choral exhibition and new production by Katia Kameli, in which the artist proposes a variation, composed of musical ceramics, watercolours and a film, on the famous text of the same name by the Persian poet Farîd-ud-Dîn ‘Attâr.

 With Le Cantique des oiseaux, Katia Kameli continues her inter-cultural journeyings and initiates direct contact with clay, a new material for her.

Attâr’s text (1174=1248) sings of the journey of thousands of birds in search of the fabled bird Simorgh, a central figure of Persian mythology. This symbolic spiritual journey of initiation takes them through the seven successive valleys of Desire, Love, Knowledge, Plenitude, Oneness, Perplexity, Denial and Annihilation. Guided by the hoopoe, symbol of wisdom, only thirty birds reach the end of the journey.

Kameli gradually became interested in this major Eastern text through French translations: firstly that of Henri Gougaud, then that of Jean-Claude Carrière and finally the recent one by Leili Anvar, from which she has borrowed her title.

With this reworking* of Attâr’s text, the artist continues her exploration of the narratives, their successive translations, their flow and their  evolving  depth and multiplicity of meaning.

She is also interested in the spiritual dimension of Attâr’s story, in the inner quest that unfolds through the figure of the bird, an animal that links the earth to the sky and whose language we find both so familiar and so mysterious.

Kameli’s translation of the The Canticle of the Birds is sensual and multi-sensory. It is expressed in a series of ceramics, which take the form of some of the birds in the poem: the hoopoe, the peacock, the nightingale, the heron, etc. These sculptures are also musical instruments. Their singing can be heard in the accompanying film, activated by a procession of musicians, as well as in the performances, which set the exhibition space resonating.

Watercolours, some of which served as preparatory drawings for the ceramics, complete this allegretto. Their inspirations are multiple, from Persian miniatures to Minoan sculptures, via Valentine Schlegel and Asger Jorn. Made on paper of different sizes, some are surrounded by clay frames; they are at the crossroads of scholarly and popular art. Like the sculptures, they have to do with the birth and memory of gesture.

With Le Cantique des oiseaux, Kameli proposes a new experience of translation – from one work to another, from one art form to another, from one medium to another, from the inexpressible to the visible – resulting in both gaps and interminglings.

 “We don’t invent anything, we always reinterpret in another language.” — Katia Kameli

* – The term ‘reworking’ is used by Omar Berrada in his essay on Stream of Stories. He himself takes this term from Valentin Y. Mudimbe (The Invention of Africa) and writes “It is a question of exhuming a story, of remembering it, but also of re-articulating it”, in Katia Kameli (Paris: Manuella Editions, 2021), p. 105

In the exhibition L’île de la résidence, Anne Brégeaut deploys her universe in a series of pre-existing paintings and new works, into which are inserted excerpts from a fictional text written by Anne Langlois.

Anne Brégeaut’s work is filled with colorful landscapes and shows animals or rare stylized characters evolving in strange narrative scenes. Her paintings are enigmatic and, like dreams, are open to interpretation. Her series Mes insomnies is paradoxically similar to images and stories that seem to be taken out of dreams, in a psychoanalytical dimension.

L’île de la résidence (The Residency Island) is a text written by Anne Langlois. The story of this novel takes place during a residency created by a mysterious patron, in the mountains. Four artists meet there and discover the history and stories of the village, what they are told and what is hidden. In the same time, their works are created, with phases of research and production, discussions and approvals, as well as the different moments of doubts and fulgurances that they go through. In this way, their personal stories and those of the village converge, before reaching their climax.
From that moment on, everything goes crazy.

In the exhibition L’île de la résidence, Anne Brégeaut deploys her universe in the form of a series composed of pre-existing paintings and new works, into which are inserted excerpts from the text of Anne Langlois, focused on the landscapes and characters. Recomposing its reading, the exhibition reveals an atmosphere that is com- mon to both the works and the text, and focuses on the question of the creative process, the way in which the narrative becomes space and the place that the text takes in it, as well as, more broadly, the question of fiction in curating.

On this occasion, L’île de la résidence is published, including paintings by Anne Brégeaut.

La relation entre les concepts de nature et de culture a toujours fait l’objet de nombreuses discussions pour dépasser la longue opposition qui a prévalu dans la philosophie occidentale. C’est précisément à cet endroit que travaillent Sylvain Le Corre, Julie Bonnaud & Fabien Leplae, revendiquant à chaque nouveau projet un travail de terrain et d’expérimentation. Leurs ateliers sont des observatoires, entre jardin et laboratoire. Ils cherchent dans différents domaines, non pas à hybrider mais à explorer ce qui est entre-deux, ce qui fait conversation, les créolisations, les contaminations de pensées et de gestes.

Proches du quotidien, du menu, ils récoltent, jardinent, font entrer le dehors dedans, se demandent comment dessiner « comme une ortie » ou faire les gestes de la forêt. Ils mélangent les matières et les manières. Leurs œuvres ne sont pas figées, elles évoluent, prolifèrent, vivent. Prenant les végétaux, les cailloux ou les paysages comme idées et matériaux, se tournant autant vers le passé, le présent et le futur, ils s’inspirent de pensées philosophiques, de mythes et récits.

Leurs démarches et projets nous renvoient tout autant à Michel Foucault, Gilles Deleuze, François Jullien, Vinciane Despret… et font écho à des questions urgentes sur notre rapport au monde.

Cet été, les murs de l’Espace Lucien-Prigent se parent des couleurs chaudes et des formes géométriques des photographies de Matthieu Venot !
Originaire de Brest, il s’est fait connaître en photographiant sa ville sous un angle inédit, pleine de couleurs et de formes géométriques qui se détachent sur un grand ciel bleu…
Il fait de la poésie avec de l’architecture brute en se baladant au fil des rues pour immortaliser les « perles cachées » : escaliers, fenêtres, angles de bâtiments, au service d’une composition pure et colorée.

« Je voulais montrer Brest à ma manière. Je ne me retrouve pas dans les photos existantes, ce n’est pas ce que je vois. »

Impossible de ne pas être immédiatement attiré par les couleurs pastel et le travail sur les lignes : la silhouette d’un immeuble jaune se détache sur un ciel bleu, un mur de couleur ocre est percé d’une étroite fenêtre aux reflets turquoise… Ne sortant que par jour de grand beau temps, il se sert de ce ciel immaculé comme d’un fond de studio, composant des images simples et graphiques. Les lignes se croisent et se superposent, les formes se détachent de ce fond bleu jusqu’à nous faire oublier ce que l’on regarde : un toit, un mur, une rambarde, un balcon.

La couleur occupe une place primordiale dans ses photographies, comme pour répondre à une envie de voyage. Laissez de côté la supposée grisaille bretonne pour laisser place à des clichés qui évoquent la Californie ou la Floride, sans quitter le Finistère. Un optimisme communicatif !

www.matthieuvenot.fr

Patrick Nadeau est designer et architecte. C’est dans les années 2000 qu’il entreprend une réflexion l’amenant à intégrer des plantes au cœur de ses projets de design d’objet ou d’espace. Pour lui, le développement souvent incontrôlable de l’urbanisation oblige à repenser le rapport de l’homme à la nature en imaginant de nouvelles frontières entre espaces construits et espaces dédiés au végétal.

La chapelle, cet espace construit au XIIème siècle, n’y déroge pas. Pour ce printemps, Patrick Nadeau, accompagné de Marie-Marie Dutour, s’empare du lieu et crée une mise en scène monumentale et végétale aux reflets lumineux dorés. 55 000 tiges suspendues, sous lesquelles l’humain ne peut que s’émerveiller, relèvent la beauté des graminées séchées, comme une ode au règne végétal.

Les fleurs présentes dans l’exposition ont été récoltées à l’été 2021 en Dordogne par Marcelline Smetek & Quentin Geffroy de la ferme florale Champ Tigré. Les structures accueillant les fleurs ont été réalisées par Germain Gaschet, designer. L’éclairage a été pensé par Christian Pinaud.

Une exposition du collectif et meutes (Julie Aybes & brigitte Mouchel)

et meutes est un collectif d’artistes à géométrie variable, qui se donne comme objectif d’aller à la rencontre de visages et de paysages, de questionner, d’expérimenter, en coopération, explorant des démarches et médias artistiques pluriels.

“Nous cherchons à donner à voir une image du monde qui ne soit pas rassurante, ni confortable, qui pousse à la vigilance, à l’attention pour ce qu’on entend, ce qu’on voit, ce qu’on perçoit. Nous tentons de montrer la complexité du monde contemporain, la manière fragmentée dont il nous arrive, là où l’histoire collective croise, traverse, se heurte aux histoires singulières, aux territoires parcourus en mémoire ou en rêve, à la recherche de lieux et de récits possibles. Nous cherchons à provoquer et mettre en éveil les sens, les perceptions, y compris l’intuition, et ce qui nous advient : l’imaginaire, les réminiscences, les songes.”

LA TANNERIE
Située à Bégard, dans les Côtes d’Armor, La Tannerie est un espace d’exposition dédié aux rencontres entre l’art contemporain, le design et les projets sur l’espace au sens large. Elle propose un regard transversal et singulier entre les pratiques, par une sélection d’expositions exigeantes, mais sans élitisme. Construite en 1927, elle a été réhabilitée et ouverte au public en 2012. Elle est aujourd’hui un repère dans le paysage culturel et artistique des Côtes d’Armor.Depuis 2012, la programmation des expositions est gérée par l’association ADER – Art Design Espace Roudour. Elle accompagne des artistes dans leurs parcours, des collectionneurs et amateurs dans leurs choix. Elle conseille aussi des collectivités ou des entreprises dans leurs projets culturels et artistiques.L’association reçoit un soutien de la ville de Bégard, de la Communauté d’Agglomération de Guingamp Paimpol, du Conseil général des Côtes d’Armor, de la région Bretagne et de la DRAC Bretagne.

De l’été 2021 au printemps 2022, l’artiste a arpenté les méandres du quartier Colombier en imaginant divers protocoles d’exploration au fur et à mesure de sa résidence.

A partir de prises de notes, de collectes d’objets et d’expériences sur le terrain, l’artiste réalise un inventaire sensible et intuitif d’un territoire et de son histoire. Au fil du temps, des passerelles se tissent entre les différents fragments, entre le passé et le présent, entre le dehors et le dedans.

Au PHAKT, Anthony Folliard transforme l’espace d’exposition en un lieu imaginaire de projections et d’aventures, à mi-chemin entre le campement, le laboratoire graphique et l’atelier de bricolage. Contre-point d’une résidence menée exclusivement dans l’espace public, l’exposition Camp de base est à la fois la restitution d’un processus de recherche et le point de départ de nouvelles expéditions à venir explorant la pluralité du paysage urbain.

Anita Conti, born in May 1899 and died in 1997 is an oceanographer and photographer. In 1943, the government of Algiers commissioned her to research the fish resources of the West African coast and the traditional fishing methods practiced there; thus, for almost ten years, Anita Conti devoted herself to studying and prospecting the coasts of Mauritania, Senegal, Guinea and the Ivory Coast, an experience she recounted in her book published in 1957, Giants of the Seas hot. In partnership with the Archives of Lorient, Marie Béatrice le Berrigaud, director of the Lieu de la Photographie, is offering an unprecedented exhibition retracing the journey of Anita Conti on the coasts of Guinea.

An exhibition in partnership with the Archives of Lorient, Pêcheurs du monde festival and the François Mitterand Media Library

Vincent Escalle

Archéologie d’un tronc

Parcours A ciel ouvert

Lignes de faille, une exposition de travaux photographiques et vidéographiques de Manuela Marques. Des œuvres élaborées à partir de phénomènes naturels, géologiques telluriques, lumineux. Dans le cadre de la saison France-Portugal 2022 – Institut Français.

Au printemps 2022, plusieurs expositions prennent place dans la ville de Landivisiau, mettant à l’honneur la création sculptée.

Du 5 mars au 1^er mai, l’Espace culturel Lucien-Prigent accueille les œuvres de deux artistes :

> Au rez-de-chaussée, Juan ARANAGA, lauréat du Salon de sculpture 2020, présente des sculptures en acier, en granit et en verre, aux côtés d’œuvres picturales.

> À l’étage, la plasticienne Meghan MAUCHERAT DE LONGPRÉ, originaire de Landivisiau, expose des volumes, dessins et installations créés pour le lieu.

Aux mêmes dates, trois autres expositions vous invitent à déambuler dans la ville, résultats d’un appel à projets reconduit pour la 7^e année consécutive :

> Dans le parc de Kréac’h Kélenn : sculptures métal – Anthony BOËFFARD.

> À la fontaine Saint-Thivisiau : installation aquatique – Léa B-H.

> Sur le parvis de l’Hôtel de Ville : sculpture – Thoma RYSE.

En parallèle, du 5 mars au 3 avril, place au 33^e Salon de sculpture contemporaine, dans le hall de l’Hôtel de Ville.

Organisé par la Ville de Landivisiau et l’Association Sculpteurs Bretagne, le Salon accueille cette année 36 sculpteurs et 98 œuvres. Ce rendez-vous permet aux publics de découvrir la pluralité des techniques et matériaux.

The exhibition entitled ‘L’invention d’une histoire vraie (2) (Inventing a true story)’ follows the wanderings of Nelly Monnier (1988, France) and Eric Tabuchi (1959, France) through the French countryside. Following their recent exhibition at the GwinZegal art centre in Guingamp, this pair of artists presents part of their Atlas des Régions Naturelles (ARN) (Atlas of the Natural Regions) and a series of sculptural and pictorial works resulting from it.

It all began with an idea that was both mad and extremely time-consuming: to photograph and document the vernacular architecture in all the natural regions of France – quite a vague notion – from French Flanders to the Outre Forêt area of Alsace, from the Freto region of Corsica to Béarn in the Pyrenees or Léon in Finistère. It was a huge undertaking, halfway between a quest straight out of a heroic fantasy novel and an absurd and comic adventure à la Monty Python. Monnier and Tabuchi bring back very varied photos from their travels, their primary concern being to document the built environment, but by extension to analyse the landscapes and understand the incidence of humans on where they live. The pair photograph astonishing landscapes, strange architecture, bizarre situations, joyful places and places fallen into disuse. It is a multi-faceted portrait of France, sometimes touching, sometimes absurd, never judgmental, which they produce in the course of their expedition. Back in their workshop, they sort their photographs by geographical location or by theme. The approach is reminiscent of that of Bernd and Hilla Becher, a pair of German photographers known for their frontal shots of industrial architecture, and of that of ‘La France’ by Raymond Depardon who documented France as it modernised itself, or the work of Walker Evans who made his name portraying the United States of the Great Depression from 1929 to the Second World War.

Friends from the GwinZegal art centre in fact wrote that “in contrast to the speed of our age, Nelly Monnier and Eric Tabuchi work in praise of slowness and small country roads. They drive around slowly in a small car, discreetly combing the landscape, punctuating this imaginary atlas with countless stops.”

There is no violence apparent in the works of Monnier and Tabuchi, but it can sometimes be detected underlying the image. The recent history of rural exodus and relocation is portrayed just as much as tales belonging to each region. The territories of France are shown in their full architectural plurality: slate denotes the roofs of Brittany whereas the ‘tuyés’ (large chimneys for smoking food) stand out in the landscape of Haut-Doubs, for example. The Passerelle exhibition reflects its own territory by being mainly comprised of images of Léon and Trégor, with pictures of menhirs, market gardens and landmarks that act as navigational aids for shipping, sometimes ‘enhanced’ by inscriptions from the now traditional ‘ACAB’ to the local ‘BZH Libre’ (Free Brittany). A series of paintings and collages introduces a certain strangeness to the more documentary corpus of the photographs, by seeking to extract the essence and soul of the places visited by the two artists. These paintings are in a way symbolic of their own approach: what they are aiming for is not an analysis of the architecture of France but a pointless and poetic quest for an intangible Holy Grail – a fictional history of our regions.

The exhibition ‘The Smoken Ridge’ is a chance to look again at the graphic work of Alan Fertil (1982, Quimper – 2015, Brussels). A graduate of the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (National School of Fine Arts) in Paris, he spent his childhood and student days in Brittany, the United States and England. At the end of his course, he settled in Berlin then in Brussels in 2009 where he co-founded the collective known as ‘The Ister’, an association bringing together artists, exhibition curators and people working in art, with the aim of promoting young creativity. At that time Alan Fertil was known for his joint work with Damien Teixidor, focussed on street furniture, skateboard culture and D-I-Y. The pair exhibited in France at MAMO – Centre d’Art de la Cité Radieuse in Marseille, the 40mcube art centre in Rennes and in Brussels at MAAC, Maison d’Art Actuel des Chartreux. At the same time Alan Fertil was developing drawing which has never really been exhibited and is largely unknown. This part of his work was the subject of a book entitled ‘Alan Fertil, Drawings, Sketches and Notes’, recently published by Zéro2 with the support of the Antoine de Galbert Foundation, 40mcube and Passerelle.

Alan Fertil’s constant travelling between English- and French-speaking countries and his taste for literature permeate his works in which he includes many texts and words, including poetry, slogans and reflections. His works are in turn methodical and sketchy, showing the construction of the space surrounding us as well as an evolving chaos. His drawings are marked by a use of charcoal and graphite, giving them a dark and obscure depth. We are present at the construction of a unique universe, the creation of a world conceived in the mind of the artist. The last series by Alan Fertil is entitled ‘Ether Triumph’, evoking both the primordial Greek divinity ‘Aether’ and the term ‘ether’ from pre-Einstein physics (before 1905). The definition of ether seems in harmony with the feelings and settings of the artist’s drawings. In astronomy, it meant the fine fluid that was supposed to fill the space beyond the earth’s atmosphere, whereas in physics, ether was a hypothetical milieu that was extremely tenuous and elastic, found universally in both the void and in matter. Writing about this series, Bitsy Knox says that “matter vibrates enthusiastically, it circulates and remains contained, at both celestial and molecular scales. Great theories are freely deployed; this is science under the influence of intuition.”

The exhibition title, ‘The Smoken Ridge’, is taken from a work by the artist. It evokes his reflections inspired by science just as much as an interest in the organic and in landscape. Although many of his works demonstrate total abstraction, being inspired by space and astronomy, some reveal more prosaic attachments, more rooted in ‘reality’, using the vocabulary of botany and anatomy. So, tongues are alongside hands inspired by leaves, and constructions recall the famous Atomium in Brussels.

In a programme note, Alan Fertil wrote, “All shapes are of equal value, none deserves any special attention because none is independent of the others.”

For almost three months Caroline Thiery (1997, France) took part in the ‘Workshop residency’ programme run by Document d’Artistes Bretagne and Passerelle at the art centre. The result of this is the exhibition ‘Whatever remains from the ghosts’ which includes works produced on site during the residency.

Caroline Thiery’s ghosts are common and known to us all. They manufacture the past: vague feelings, memories of conversations, songs that keep playing endlessly in our heads, fleeting smiles on public transport and many other traces of everyday life. Generously sharing her experiences, Caroline Thiery plots a map of our social relationships, of love and friendship, family and culture. She looks in particular at our search for love and affection, subject to tension from the ambivalent desire for independence. She examines the new ways of meeting people such as the dating apps that have revolutionised the way we ‘consume’ relationships. The use of digital communication and the Internet, which does away with any notion of waiting or distance, has transformed dating behaviour both for better and for worse: the sending of dick pics (photos of penises) to strangers, the use of pick-up lines, little phrases intended to be romantic but in fact often clumsy or even offensive, and other new phenomena. Thanks to the digital world, seeking a relationship or a sexual partner has never been so easy for someone eager for passion, hidden behind his or her phone, lying under the duvet or scrolling while sitting on the toilet. The exhibition title also evokes ‘ghosting’, a very widespread practice since the appearance of dating sites, involving the ending of a relationship with no warning, by breaking off all forms of communication.

In addition to matters of the heart, Caroline Thiery questions our relationship with childhood and adolescence, creating various talismans and totemic objects which forge a possible past, like the ‘ghostly tartans’ with dog or swan motifs or a tropical landscape, decorated with texts. Where the adult world looks down on certain adolescent interests such as ‘fanfiction’ (writing stories based on works of fiction, films, games or series) or their attraction to pop music sometimes seen as kitsch, Caroline Thiery decides to take these practices and elevate them as symbols. She therefore produces a sculpture in honour of the singer Priscilla who found fame at the age of 12. Highlighting this French pop star means rehabilitating this devalued culture from an age of transition we have all lived through and which has made us what we are.

Text holds an essential place in the exhibition both because of narratives written by the artist, available to read in the rooms, and by the multiplication of phrases and words at the very heart of the works. The culture of the Internet meme (an element or phenomenon taken up and disseminated to a mass audience by the Internet, often an image with text added) is a vast source of inspiration. Memes are punchlines, slogans in a very particular context which sometimes require highly specialised knowledge of codes of comprehension. In the work of
Caroline Thiery, they take on original forms, they are funny, intimate, often universal. The anecdotes and stories, visual and written, used by the artist, interweave across each other eliciting no replies; it is up to the visitor to create their own history.

Le changement de nos rapports avec l’environnement passe très certainement par un réenchantement, un émerveillement face au vivant.
Lors de ses observations de la nature, Daniela Lorini s’est intéressée aux algues, ces organismes qui composent Une forêt sous la mer. Ce matériau naturel offre une multitude de formes, de textures et de couleurs, avec lequel joue l’artiste pour présenter son exploration subjective. Entre expérimentation autour de la techniquedu cyanotype et découverte d’un monde sous-marin, l’exposition propose un dialogue entre science et art.

À travers ses recherches, Daniela Lorini explore l’environnement et plus particulièrement la manière dont les organismes vivants cohabitent dans un même territoire. C’est en cherchant dans les détails de la nature qu’elle s’intéresse aux algues et à ce qui les compose. Offrant une multitude de formes, textures et couleurs, ce matériau naturel constitue aussi un écosystème riche et mystérieux.

Grâce à un processus à la fois créatif et scientifique, l’artiste invite à découvrir sa propre interprétation du monde sous-marin. Alliant expérimentation et poésie, Une forêt sous la mer propose une déambulation entre imaginaire et réalité magique.

Societas humana, donne à voir la société dans laquelle nous vivons, ses mécanismes, ses codes, son devenir. Que ce soit par les thèmes du travail, des loisirs, ou de l’écologie. Cette exposition est conçue pour réinterroger les interactions humaines et ce qui les régies.

Imagine that this communiqué is being joyfully bellowed out over a slightly crackling megaphone attached to the top of a van that has been customised with the colours of the art centre and a rainbow*; it is driving slowly through the streets of Rennes, trying to drum up business.

Listen up dear people of Rennes and of France: come and discover DARK-EN-CIEL, the new exhibition in full Technicolor by Bertille Bak, a formidable young artist, whose talent is being celebrated around the world!**

Colourful shows for the kids, 3D animations made with trickery and obvious subterfuges, actual sets out created from cardboard, circular and rectangular films, new works filled with frightening surprises and more.
Don’t miss Bertille Bak’s DARK-EN-CIEL: an exhibition that rolls over for you, takes you to the stars, cries foul, seesaws, and twists and twists again.

That’s DARK-EN-CIEL, 22 January until 24 April 2022 at La Criée, contemporary art centre and old fish market!

A conversation between two (very well-informed) shoppers after the van passes by:
– Bertille Bak … isn’t she that artist who’s interested in communities – often marginal, fragile or invisible – with whom she builds fictions, politically engaged and a little bit odd?
– Yes, that’s her. She started in the coalmines, in Barlin, on her grandmother’s housing estate, then she worked with the Roma in Ivry­‑sur‑Seine, nuns in Paris, maritime workers in Saint‑Nazaire, and further away, residents of a Bangkok neighbourhood being threatened with eviction, shrimp shellers in Morocco and suchlike.
– She seems to be making her way using the world’s miseries don’t you think? And what’s she showing in La Criée?
– She’s continuing to mine the exploitation vein. She’s showing a new project, Mineur Mineur, that she’s been working on for three years, about child labour in mines, and two other recent projects: Bleus de travail, in which she plays with birds, and La Brigada, filmed in La Paz in Bolivia, where she focused her lens on the city’s shoeshine boys.
– I see: so her films and installations sit at the tipping point between utopia and exploitation, enchantment and irony, reality and fiction, a taste for the absurd and a DIY spirit.
– That’s right, there’s a subversive, playful streak in Bertille Bak’s work, a kind of resistance, and I find a hint of Belgian humour, a dash of Wallace & Gromit, and a pinch Fischli & Weiss.
– Okay, now you’re just throwing names at me. Let’s go have a drink, just to get ourselves ready to see the exhibition …

* The exhibition’s title is a play on the French word for rainbow, arc-en-ciel .

** Bertille Bak has a number of solo exhibitions scheduled for 2022: at the Fondation Mario Merz in Turin, at the Louvre-Lens, and in Rennes at La Criée centre d’art contemporain and Galerie Art&Essai.

Animalia ou la vie fantasmée des animaux presents different works in which animals play a major role. Focused on animals familiar to humans, with which they are in daily contact, domestic animals, farm animals, or those traditionally hunted, but also those which, during our childhood, hide under our bed, in the cabin at the bottom of the garden, in the meanders of the nearby lake, in a distant country, and which populate our imaginations.

Anne Langlois

[2,3] – for 2 and 3D – is the title of the book by the artist Tauba Auerbach that will enter the collection in 2021 and that the Frac Bretagne will display for the first time in Rennes, from 21 January to 15 May 2022.

In this boxed set of artist’s books, six slim hardcover volumes open onto gigantic shapes inspired by complex geometric figures: pyramid, sphere, ziggurat, octagonal bipyramid (diamond), Möbius strip, etc. Reminiscent of children’s pop-up books, they are revealed in a palette of luminous and contrasting colours which recall the artist’s work.

[2,3] is the universal mathematical symbol for the closed interval between the integers two and three. For Tauba Auerbach, it marks the interstice in which she operates to animate 2D into 3D, allowing the cut-out shapes of the flattened and folded paper to be majestically transformed into expanded sculptures. The apparent fragility of the process starts a dialogue with the manifest qualities of stability and sturdiness traditionally associated with sculpture, to achieve a subtle union of emptiness and fullness.

This development of forms in space constitutes an important stage in the evolution of the artist’s work at the beginning of the 2010s. Until then restricted to optical effects on the flatness of the canvas (shadow plays replicating volume), her works open up to the third dimension and explore in a more comprehensive way this marked interest in the perception and animation of the surface.

Artist inhabited by a buried history of forms, materials and ritual practices, Thomas Teurlai invests spaces all over the world, from white cube to decaying industrial spaces. Uncovering stories, rearranging sounds, sculptures and human sciences, the artist brings back life and movement to abandoned objects and stories. From this meeting between the worlds of alchemy, DIY and the sacred emerge hybrid installations that solicit our erogenous zones. The visitor finds himself involved, body and soul, in these spaces of quirky poetry, where time seems to expand.

For his exhibition at Frac Bretagne, Thomas Teurlai focusses on subsidence, a geological phenomenon describing the sinking of mega-cities due to the pumping of underground water and intensive concreting. This global collapse serves as the start of a filmic wandering in subjective view.
Cyberpunk reverie where a ghost museum wanders its feet in the water, collapsing under the repeated assaults of spores and other antediluvian viruses. A wandering back in time, weaving together seemingly distant spaces.
There will be the mummies of street artists lying on the dusty banks of a stillborn story.
A radioactive granite astrolabe making up the soundtrack, like an inverted monolithic Theremin.
And a text as a epileptic spinning wheel, spinning the way off to exit the tunnel.
On the other side of the stained wormhole.

The Frac Bretagne presents the first exhibition of the American artist Jibade-Khalil Huffman in France.

Jibade-Khalil Huffman (b. 1981, Detroit, MI) is an artist and writer who uses found, archival material, and contemporary ephemera to address slippage in memory and language, particular to race and visibility. Often working site-specifically, his work takes the form of installation, video, projections, photographic light boxes, and photo collages printed on layered transparencies and paper. Foregrounding the materiality of digital media and its degradation over time, Huffman’s approach dissolves explicit meaning in order to reconstitute it as objects in perpetual flux. Through projection and repetition, his work evokes the untranslatable, ruminating on the liminal qualities of singular experiences through the flattening of symbolic and semiotic hierarchies. Huffman derives much of his practice from the intersection of writing, poetry, found media and common speech, often cutting, sampling and shifting bits of video and excerpts of text into new formats. The idea of erasure—of certain voices, people, and ideas—as subject matter and as technique is central to his practice, in building up and removing layers of material in his videos and two dimensional collages.

Artist Manon de Boer and choreographer Latifa Laâbissi meet in 2015 during a workshop around the influence of Oskar Schlemmer and the fluidity of working across media and different artistic languages. For both, pluridisciplinarity is essential to their work. They decide to deepen their collaboration in a deliberately dilated, stretched temporality, and in diversified work contexts like itinerant conversations, memories of reading and gardening, correspondence and collages.

Their dialogue steps out from result-driven processes, steady rhythms and prefigured calendars. Both de Boer and Laâbissi have consolidated trajectories and working methods and saw in their collaboration an occasion to challenge inertia and function differently. In this way, and over time, they are building a common corpus of images, a mental map that they activate and explore, questioning each other’s discipline and advancing into a priori unknown territory.

The project Qui parle? / Wie spreekt? puts the voice at the fore front. It questions the voice’s timbre, language and accent.

The project has 2 parts: one choreographic (Ghost Party I) and the other video (Ghost Party II).

L’exposition Empreinte du reste, volume du manque rassemble une cinquantaine d’oeuvres de Paul Pouvreau, datant de la fin des années 1990 à aujourd’hui, proposant à la fois un cheminement parmi les images et dans les images elles-mêmes. Grâce à ce large éventail de sa production, on perçoit de quelle manière l’artiste rejoue avec ses photographies certains genres majeurs de l’histoire de la peinture (la nature morte, le paysage) ou principes esthétiques de mouvements artistiques du XXe siècle (le pop art, l’art conceptuel). Il en donne des versions pour ainsi dire bricolées, sans être dans l’imitation ni la parodie. Que ce soit dans ses dessins — où il retravaille des pages de journaux et des dépliants publicitaires par remplissage — ou dans sa nouvelle série photographique où il transforme par des jeux d’échelle et de lumière des sacs plastiques en d’éloquents masques de tragédie grecque, c’est toujours le même plaisir de faire qui l’anime. C’est ce plaisir de la fabrication qui lui permet de donner corps à des pensées et des formes, aussi fragiles soient-elles en apparence.

Biographie :

Paul Pouvreau est né en 1956 à Aulnay-sous-Bois. Il vit à Argenton-sur-Creuse et est professeur à l’École Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP) à Arles. Son travail artistique a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger : Centre Pompidou, Les Rencontres de la photographie d’Arles, MAC VAL, CRAC de Sète, Frac Basse-Normandie, Caen, Frac Corse, Galerie Les Filles du Calvaire, Paris et Bruxelles, etc. Parmi ses dernières expositions personnelles, on peut citer citer Le Magazine des jours au Centre photographique d’Île-de-France (2019) ou encore Des choses à part à l’Artothèque de Vitré (2017). Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections privées et publiques : Centre national des arts plastiques (Cnap), FRAC Alsace, FRAC Corse, FRAC Franche-Comté, FRAC Limousin, FRAC PACA, Artothèque de Caen, Artothèque de Vitré, Musée de Valence, etc.

Anaïs Touchot imagine une entreprise fictive comme différentes salles successives, salles d’attente. Comme dans une salle d’attente traditionnelle, vous trouverez à chaque étape : des magazines, des tableaux, des punchlines, des affiches de motivation, un panneau pédagogique, un design laid, des meubles de collectivité, des bandes sonores, fabriqués, pimpés par elle-même.
Comme on dit « deux salles deux ambiances », chaque salle aura un thème et un karma qui apportera sa pierre à la thérapie. Anaïs a pensé cette exposition à la manière de l’installation Coral Reef de Mike Nelson, dans le style de Francesco Finizio, alliant une approche pleine d’humour et d’auto-ironie qui initie des relations avec les objets et les produits de consommation. En les utilisant de manière non prescrite comme Shana Moulton avec un humour ironique, une sensibilité low-tech et pop. L’exposition se présente dans une esthétique plus précaire et se fond au monde du bien-être.
Avec des punchlines à la fois magico-politiques ou thérapeutiques, issues d’une surexploitation des codes de l’Art de la Communication; sans oublier le public, directement concerné, le visiteur doit traverser différents espaces, afin de procéder à chaque étape du désenchantement, tragique et comique.

L’inauguration de l’exposition aura lieu le samedi 15 janvier 2022 de 14h à 18h.

Puisant son inspiration dans un dialogue avec la terre, Élodie Cariou propose une interprétation de son propre environnement. C’est en récoltant des éléments de son quotidien que l’artiste révèle la sensibilité du monde agricole. Au fil de l’exposition, à travers des traces et des empreintes accumulées et multipliées, Impression Rurale évoque la notion de répétition du geste, très présente dans le travail paysan.

Par une approche expérimentale des outils agricoles, Élodie Cariou construit un jeu de lignes. Entre une apparence rigide et géométrique des machines et une lecture poétique et tangible des œuvres, le·a visiteur·se est amené·e à se questionner sur son territoire.

Au travers de la littérature d’imagination, le développement de l’instrumentation scientifique, de la phonétique et des technologies de l’enregistrement, «Le voile du palais» explore la notion d’artificialité liée à la voix, posant le chant comme technologie du corps et l’enregistrement comme technologie de la voix.

Cet événement se décline en deux volets. 

La première partie de l’exposition prend place au PHAKT – Centre Culturel Colombier.

Les artistes présenté.e.s sont : Le collectif Void (BE), Mathilde Lavenne (FR), Richard Marnier (FR), Julien Nédélec (FR)

La deuxième partie prend place à l’Edulab Pasteur.

Les artistes présenté.e.s sont : Gert Aertsen (BE), Martin Riches (DE), Rainier Lericolais (FR), Melissa Dubbin et Aaron S. Davidson (USA), Alexander Kolkowski et Loré Lixenberg (GB).

Un commissariat le Bon Accueil – REVERB,  et partenariat avec Edulab Pasteur.

Muriel Taragano

Le chant de la pelle

Cet automne, dans le cadre du Festival Moi les Mots (17-21 novembre 2021), nous avons fait appel à deux plasticiens dont les univers mêlent installations, poésie et scénographie lumineuse.

Photographe, auteure, Floriane Durey se définit comme plasticienne de mots, crée des installations dans l’espace public, questionnant les liens entre la nature et l’urbain, la poésie du quotidien ou encore la mémoire. Elle veut réenchanter les espaces intimes et publics, d’une poésie du moindre interstice, les deux pieds dans ses pas, mais pas la langue dans sa poche.

Vincent Gillois, alias Mister Bloom, est plasticien scénographe et metteur en scène. Créateur d’univers poétiques, son principal médium est la lumière. Ses installations plastiques, ses scénographies et ses spectacles plongent dans une beauté onirique et évanescente.

Ensemble, ils ont été invités à investir l’Espace Lucien-Prigent pour imaginer une rencontre poétique, avec une mise en lumière des espaces extérieurs au moment de la fin du Festival Moi les Mots.

As a painter, sculptor, exhibition organiser and fisherman, Nicolas Rabant has developed his unusual artistic practice over several years. He was born in 1988 and moved to Brest to attend the Ecole des Beaux-Arts but also so that he could live close to the ocean. He created a unique collective project, ‘Fishing with John’, whose name is taken from a television programme in which film stars try their hand at fishing. Nicolas Rabant undertakes a similar process by inviting artists to accompany him, fishing rod in hand, on a foraging excursion, or else to help him create meals and dishes. The results are seen in times spent together that are both convivial and unique, in exhibitions, and in the production of joint works and concerts. This approach is symptomatic of Rabant’s participatory approach; he designs art in a spirit of constant collaboration and is passionate about the area all around him.

For his exhibition at Passerelle, he has used the names of his former cats: Poussière (Dust) and Paillette (Speck). The genesis of this title goes far beyond a cutesy reference, as it reveals his attraction to the world of animals and acts as a sort of homage somewhere between reverence and taking figurative ownership. His fascination for fauna is seen in many of his works including his sculptures. Without any morbid intent, but rather from a desire to preserve an ephemeral beauty, Nicolas Rabant freezes creatures destined to be eaten such as fish he has caught or wild animals he has found – already dead – in the countryside, with the aim of giving them new life in his work. Harvest time therefore holds a prime place in the work, whether as a meditation or physical exercise, or as a bountiful collective experience. As with certain artists, especially those working in land art, the act of walking becomes a performance, a creative act, and, in the end, a work. For the Passerelle exhibition, Rabant has chosen to show a series of cuttlefish and a gull which come to inhabit the space, becoming simple visual motifs, but also narrative elements.

Poussière & Paillette is also a paint slogan. The paintings on show on the upper passageway of the art centre reflect a taste for these materials, for a very distinctive colourful cosmic finish that is difficult to photograph. The titles are taken from the brightly coloured bait for fishing by a ‘designer for fish’ craftsman. Through this reverential reappropriation the artist opens up a reflection on the notions of functional art and the utility of painting. Indeed, the works of Nicolas Rabant can be seen as decoration or even scenery – they extensively examine the principle of “what is decorative?” – but they exist above all as landscapes, the artist’s principal field of research and expertise. With his broad abstract forms, he reworks the rules for representing sea and sky. The images are digested, covered up, repainted and reproduced obsessively until the motif is exhausted. Appearing to have an impossible objective, Nicolas Rabant’s exploration of these infinite subjects will certainly never arrive at a conclusion.

Raised in California and now living and working in Rennes, Hilary Galbreaith (b. 1989) combines American influence with French culture. Her work is deeply marked by the use of tutorials and by the Western concept of “do it yourself”. The “do it yourself”, in French “faites le vous-même”, represents a philosophy of resourcefulness as well as of knowledge sharing, easy diffusion and recycling. Often socially committed, the concept provides an alternative to the market system and to ultra-consumption; it is also linked to the ideas of “less is more” and self-governance. All of these notions are found at the heart of the multimedia practice of Hilary Galbreaith, who multiples videos, DIY sculptures and zines.

The exhibition The Grasshopper’s Ball is conceived as a stroll through the twists and turns of Hilary Galbreaith’s pop universe. Curtains, dyed with natural pigments by the artist, divide the space into sections corresponding to various stages of creation. For several years, the artist has been working on a fiction entitled Bug. The story begins in the city of New New Orleans and focuses on a catastrophe affecting certain humans: an infection transforms them into humanoid insects. The plot evokes horror and sci-fi films, from Starship Troopers to District 9 and B-movies, but evacuates the classic binary conception of “good versus evil.” Three distinct bodies of work have been imagined by the artist: The Bureau, a zine exploring the origins and the creation of a complex and absurd administration for this new marginal world; Bug Eyes, a video series featuring puppets in a reality show; and Parade, the most recent instalment, which mixes performances and films where actors interpret mutants in everyday or festive situations.

In Hilary Galbreaith’s films, languages mingle; English and French become inaudible. Words are transformed into background noise while music is improvised by the artist or composed by collaborators. A detailed understanding of things is not an end in itself, and a feeling of confusion is embraced. Here texts are to be viewed as compilations, of sounds as well as of stereotypes. It is through her joyous punk carnival aesthetics, reminiscent of the Californian artists Mike Kelley and Marnie Weber, that Hilary Galbreaith comes to examine the mechanisms of rejection and exclusion. Her black humour lightly masks the ‘grasshopper’s ball’ – the exhibition’s title – somewhere between the prelude to a forthcoming party and the end of a disenchanted world. With her skilful detours, avoiding a simple critique, Galbreaith defines the political, societal and ecological drifts in which we are increasingly immersed every day.

Awarded a resident artist post, Reda Boussella (born in 1994) has put much effort onto the walls of the art centre over several months. As an artist recently graduated from Quimper School of Art, he decided to move to Brest for a while, following his residence at Passerelle. He recently took part in an exhibition at the Station in Nice and in October will be exhibiting at the Salon de Montrouge, known for laying the groundwork for the emerging French scene. Boussella is one of those prolific artists, generous with what they create, sharing it willingly; the exhibition, presented on the first floor of the art centre, fully recognises his inordinate production, compulsive and total exuberance in his work and creation of forms.

Steeped in popular culture from the Pokemon gaming world to the rapper 50 Cent, Reda Boussella absorbs the references in his everyday life and reconstructs his own, often bizarre, world. When you examine his work, the technique of collage – different materials, technical or formal – is immediately apparent. Collage, invented by the artists Picasso and Braque in the decade of 1910, was used to ‘open up’ the viewer to reflections other than those simply about the painting. In 1923, Picasso declared on this subject: “We have tried to get rid of trompe-l’œil to reach ‘trompe-l’esprit (spirit)’”. In this sense, Boussella’s compositions can trace their origins to this concept, revolutionary in its time: assembling various disparate elements opens the viewer up to other worlds. The title of the exhibition, Cœur Braisé, follows this same rationale: a mix of ‘cœur brisé’ (broken heart) and ‘poulet braisé’ (braised chicken), this association evokes both the disappointments of adolescent love and synthetic-tasting crisps.

For this exhibition, Reda Boussella turns his attention, without making any judgments, to the stereotypes of the beach in summer. Here we find sun-tanned bodies, garish colours, greasy food, France on its holidays by the sea. The lyrics of Ah yah, rosé, jet-ski, playa by the rapper Jul mingle with those of Charles Trenet’s Nationale 7.

“Of all the roads of France and Europe
The one I like best is the one that leads
Driving or hitch-hiking
Towards the beaches of the South
Nationale 7”

In an apparently light-hearted tone, Reda Boussella tackles the question of how we see the Other. Don’t we look at half-naked bodies at the beach or in the swimming-pool with no feelings of embarrassment or desire? Using strong iconography, the artist also questions the notion of virility and machismo. The ‘open-necked shirt and shiny gold chain’ of the 1980s, the figure of the male, these have evolved and the old norms are gradually disappearing. Cœur braisé appears as a portrait of a people’s summer of 2021 which is gradually fading, both a picture of a party that is coming to an end and the last gasp of an obsolete world.

7 places | 11 artists

The idea of Dérives was born during the first confinement where the time of isolation was imposed on us. This period turned us towards ourselves and we were able to drift away from the immobilization.

Drift…
This word interferes in the thoughts, it settles and intertwines with the images of the photographers known or discovered with the liking of the pages. Between technical research or scientific manipulation, the drift finds its place in the documentary, the representation of the individual and depicts a conquest of the elsewhere … From the infinitely small to the infinitely large.

The drifts that photography can offer are at the heart of this new edition of the Rencontres Photographiques, like a desire to get out of the predefined framework. Between the plasticity of the assemblies of ideas, forms and materials and the originality of the montages built, the decompartmentalization will be total. Through the work of eleven artists, you will drift in these protean universes.

Émilie Teulon
Curator of exhibitions for the 24th Rencontres Photographiques
Artistic Director and Head of Education, Le Lieu

PROGRAMMING

Le Lieu de la photographie (Le Lieu Gallery)
‧ Gilbert Garcin, Mister G 
‧ Antoine Vincens de Tapol, Baptiste Chauloux, Marion Chombart de Lauwe, Les Odysséens

Galerie du Faouëdic
‧ Elsa Leydier, Transatlantica
‧ Eric Vassal, Dagyde & Agnosis
‧ Antoine Vincens de Tapol, Baptiste Chauloux, Marion Chombart de Lauwe, Les Odysséens (part II)

EESAB – Site de Lorient
‧ Shinji Nagabe, Espinha

Theater of Lorient
‧ Marilia Destot, The journey

François Mitterrand Media Library 
‧ Leslie Moquin, Shanghaï Cosmetic

La Rotonde Gallery
‧ Christophe Beauregard, Why Not Portraits?

Pierre Tal-Coat Gallery
‧ Léa Habourdin, Sur les ruines

Espinha (spine) is a collection of bones and cartilage that supports the body. But it can also be used with reference to a structure, to a construction support.

www.shinjinagabe.com
https://www.galerielelieu.com/24e-rencontres-photographiques/

Shadow, light. Light, shadow. Everything evolves quickly. The lines of light leak into infinity. The monument becomes a playground for technology, and its grandeur adds strength to the experience.

The geometry of the lines, whether those of the works or of the exhibition spaces, are interesting in their possibilities of dialogue and even union.

It is a research around the luminous matter increased by the space and the materials which is in play. To try to make palpable the impalpable. To give thickness to the light and that the mirrors, on the contrary, by their property of absorption of the environment, disappear.

The sound work created from the luminous vibrations and the echo of the place will come to wrap us while acting on our own resonances.

The exhibition Géométrie Augmentée by A.I.L.O is programmed by the Art Center – The 3 CHA in partnership with Electroni[k].

The Frac Bretagne brings together for the first time the entire project incorporating central Neanderthal figures produced by British artist since 2012.
Nathaniel Mellors’ works are humorous, irreverent and absurd at times, poetic at others. They evoke themes of possession, history and power.
The first opus of the project, the film The Sophisticated Neanderthal Interview (2012) features an interview between an ethereal “modern” man (Truson) and an apparently real Neanderthal. The modern man is unable to read the Neanderthal’s intelligence and in return the Neanderthal plays with him and his expectations of primitivism.
Neanderthal Container (2014) features the reappearance of the character in the form of a Neanderthal stunt-dummy in permanent free-fall. As well as filming the figure falling and
bouncing off trees and buildings in and around Los Angeles, Mellors dropped the Neanderthal figure from a plane over the San Joaquin Valley.
In the last opus of the trilogy Neanderthal Crucifixion (2021), produced by the Frac Bretagne, the Neanderthal man is having a breakdown on the telephone. Maybe the character is crucified in the piece, a kind of small-scale crucifixion.

Nathaniel Mellors (1974, United Kingdom)
Graduated from the Royal College of Art in London in 2001. His work has notably been shown at the Hammer Museum in Los Angeles and at the Art: Concept Gallery, Paris (2014); at the 57th Venice Biennale with Erkka Nissinen for the Finnish Pavilion (2017); at the New Museum in New York (2018) and at Matt’s Gallery in London (2019).

La Façade, new Frac Bretagne’s exhibition programme, is spread out over the entire length of the building facing Beauregard park. Photography, drawing or painting, these oversized images act as a signal, a monumental invitation to the public.
First artist invited, Louise Mutrel combines popular and vernacular icons from here and elsewhere with a resolutely saturated and pop photographic aesthetic.
Presented in large format, her images act as giant bumper stickers that corrupt the black façade of the very minimal Frac Bretagne. This impenetrable glass wall is illuminated by her photographs to become a “wall” in the digital sense of the word on which the images scroll, unfold and construct a visual and rhythmic adventure. The supposed neutrality of the building becomes a field of possibilities, a paradoxically blank page that comes alive with the aesthetic peregrinations of the
young photographer.

Louise Mutrel (1992, works between Arles and Paris)
She graduated from the Haute École d’Art du Rhin in Strasbourg and the École Nationale Supérieure de Photographie d’Arles. In 2017, in Japan, she collaborated with local artisans by experimenting with Washi, a precious traditional Japanese paper. Since 2020, she has been building a plastic and photographic journey with rizography printing. Her work has been presented notably at La Villette, Paris in 2021, at the Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles in 2019 or at the Institut Français de Tokyo in 2018.

The exhibition Ces dernières années proposes to look together at how the artworks that have recently entered the collection of the Frac Bretagne reflect the sounds of our world. They evoke with poetry and commitment the feminist and ecological questions, the notions of withdrawal and confinement, popular struggles or social conditions.
Autumn 2021. The world seems to be slowly emerging from the lethargy imposed by the global pandemic. What we all hope will be a global accident will have acted as a magnifying glass on social and societal inequalities. If the entire planet has suffered from this virus, it is clear that we have not been treated equally according to our social condition, our skin color, our gender or our country. Beyond the COVID-19 crisis, the last few years have also generated real awareness that we hope will last. Whether they reveal themselves through violent or pacifist demands, legitimate or debatable, they have nevertheless allowed us to “problematize” a world too reluctant to question its fundamentals
Finally, because a public collection of contemporary art is also, and perhaps even above all, a meeting of artistic expressions present and active in a here and now.

EXPOSITION 7 octobre . 16 décembre 2021
COLLECTION Archives de la critique d’art (Rennes), Centre des livres d’artistes (Saint-Yrieix-la-Perche), Frac Bretagne (Rennes)
COMMISSARIAT Marie Boivent
VERNISSAGE jeudi 7 octobre à 18h00 au CLA
JOURNAL N°58, réalisé par Sara MacKillop 

Découper, déchirer, effeuiller, jeter, brûler ou plus simplement oublier, abandonner… Cette exposition réunit une sélection d’œuvres imprimées – livres, revues, ephemera, tracts – invitant de manière explicite ou implicite le lecteur à intervenir sur le support lui-même, entraînant une transformation irréversible de celui-ci, voire une destruction, partielle ou totale. Les raisons de cette invitation sont multiples, allant de l’acte gratuit ou symbolique à la construction d’une nouvelle pièce, en passant par la participation à une œuvre collaborative ; mais dans tous les cas, ces propositions, parfois injonctions, mettent le lecteur face à ses responsabilités et l’amènent à reconsidérer sa définition de l’œuvre.

Faisant de son nom et de son image la base de son travail, Fabien Gilles emprunte à différents médias comme le cinéma, la peinture, la musique et également la représentation politique, pour créer un univers fictionnel autour du personnage FABIEN GILLES. Il utilise la peinture, le dessin, la photographie, la sculpture, l’installation pour produire des pièces où FABIEN GILLES sera tour à tour dictateur, réalisateur, ou marque commerciale, empruntant les signes et les codes propres à ces différents domaines. C’est par l’accumulation de ses divers projets qu’il fabrique un monde à son image, tout en s’adressant à l’inconscient collectif du spectateur, donnant à ses pièces une plus grande profondeur, et parfois un regard sarcastique sur le monde.

En partenariat et dans le cadre de la 5ème édition du festival Teenage Kicks, « Processus Placards Documents » est une exposition-dossier autour des pratiques d’affichage libre par les artistes urbains Arzhel PRIOUL – Mardi Noir et Mathieu TREMBLIN.

L’exposition rassemble des affiches, images, textes et documents sur le travail préliminaire d’observation et le processus créatif dans la ville, de sa documentation à son archivage.

Les deux artistes rejouent et déplacent le format de l’exposition-dossier (présentation thématique des collections d’un musée) dans le champ de l’art urbain comme une réponse à la figure impossible de l’exposition des œuvres urbaines.

Le 2 octobre 2021 aura lieu la rencontre publique avec les deux artistes au PHAKT, lors de cette journée des parcours pour découvrir les œuvres seront organisés.

Lise Gaudaire présente à L’Imagerie le résultat de la résidence de création qu’elle a menée dans le Trégor à partir de février 2020, sur la manière dont les paysages sont façonnés par l’homme. L’exposition rassemble les trois volets de son projet Les Faiseurs de paysage, initié en 2017 : « La Forêt » réalisé à Bazouges-la-Pérouse (Ille-et-Vilaine), « Le Bocage » à Pontmain (Mayenne) et « La Rivière », chapitre conçu le long du Léguer à Lannion et dans les environs.

Associant photographies de paysages et portraits de ceux qui les construisent (paysans, techniciens, élus, pêcheurs, etc.), ces images interpellent sur ce qu’on considère aujourd’hui comme un « paysage naturel ».

Guillaume Pellay uses painting with a great liberty. For his exhibition at 40mcube entitled Blé, he creates a series of new works that play with various registers of painting and define an environment where geese and butter sculptures, sheaves of wheat and Catherine Ringer, traditional painting and electric hand dryers intersect.

Guillaume Pellay manipulates painting with a total liberty. He often combines it with performances or sculptures, and links it to specific, everyday actions and contexts. He thus provokes a back-and-forth between public spaces and exhibition spaces.

Playing on the scales and registers of his paintings, the artist builds his exhibition entitled Blé as a pictorial environment where bodies, characters and animals intersect, declined in different situations and sometimes painted in series. Borrowing his subjects from several iconographic sources (a logo silk-screened on a fruit crate, a still life with the motif of a sculpture made from a lump of butter, a portrait of Catherine Ringer, an interpretation of a detail from a painting by Maxime Maufrat showing the threshing of wheat, a celestial landscape taken from a music video…), Guillaume Pellay leads his works to go beyond their status as images and creates an atmosphere where nature communicates with the world of agriculture and the pop universe of the band Les Rita Mitsouko.

By taking hold of materials and the history of their use, Elvia Teotski’s work explores the precarious and transitory nature of organic and transformed materials.

At La Criée, based on her research along the coasts of Brittany, Marseilles and Mexico, she brings together earth, seaweed and living organisms in a fragile composition that questions possible cohabitations.

Anima : du latin animalis qui désigne un être vivant mobile et qui dérive d’anima, souffle, souvent traduit par âme.
La place des animaux dans notre monde dominé par l’espèce humaine, leur statut dans nos sociétés occidentalisées. Les animaux sont bien sûr une source d’inspiration artistique et d’émerveillement, ils nous tiennent compagnie et font l’objet d’études. Mais ils sont aussi torturés dans les laboratoires pour l’expérimentation, chassés ou pêchés pour le loisir, réduits
en esclavage pour nous divertir, forcés de travailler, élevés, emprisonnés, torturés puis abattus pour finir dans nos vêtements et surtout dans nos assiettes. Ils sont comme des choses dont on dispose. Sauf rares exceptions, ils n’ont aucun droit…
Nous savons pourtant qu’ils n’ont rien à voir avec des objets. Nous savons qu’ils sont dans leur immense majorité des êtres sensibles et conscients qui ont, comme nous autres humains, un intérêt à vivre et à ne pas souffrir.

Friday, September 17 – Screening in the gardens of the Hotel Gabriel of Nicolas Hergoualc’h’s project: Touching the Limits

Program: A 30-minute photographic slideshow about interviews and original music composed and performed by Vincent Raude, presentation of the edition and meeting with the two artists.

Touching the boundaries was carried out with people met in the street or through their place of confinement, during the period from April 24 to May 5, 2020 in the Pays de Lorient (56).

65 portraits associated with an interview around 5 open-ended questions, on the change in daily life, the discovery of oneself and the representation of others, the fears and hopes of deconfinement. From these simple questions a great diversity emerges, neither sad nor joyful, made up of hope, expectation, return to oneself, submission to the rule or search for faults. The realization that this rhythm must be the one we must keep for ourselves, or the wish that everything should go back as before. Anger. Hopes of decline, slowdown and environmental awareness, often prejudiced by the intuition of a society that will not question itself even after this. Conspiracy theses and divine punishment too. An exceptional moment to discuss and take stock of what we are going through.

Touching the limits is one of Confiner’s etymology.”

• Juliette Agnel (photographe, vidéaste) — présentation de L’invisible (2019) — avec l’aimable autorisation de la Galerie Françoise Paviot (Paris)

• Anne Desplantez (photographe) — présentation de La première nuit est toujours blanche (2020)

Each year in June, the Higher National Diploma of Plastic Expression (DNSEP) takes place, conferring a master’s degree (Bac + 5 level).

LE CABINET DU LIVRE D’ARTISTE PRÉSENTE :
_ANTHOLOGIE DE LA REVUE VÉHICULE

EXPOSITION + ACTIVATIONS
EXPOSITION : 6 . 30 septembre 2021
COMMISSARIAT : Garance Dor, Vincent Menu, Aurélie Noury
ACTIVATIONS des partitions de la revue jeudi 16 septembre 2021 à partir de 17h au CLA
 

Véhicule est une revue d’artistes dédiée aux partitions contemporaines. Conçue par Garance Dor et Vincent Menu, elle paraît depuis 2010.
« Véhicule propose des partitions à activer par le lecteur. Véhicule diffuse des œuvres à faire par tous et partout : chez vous, dans un square, dans un espace d’exposition, dans un théâtre, dans une école, sur un stade. Seul ou à plusieurs : peignez-vous les avants-bras en rose, mettez tout de biais, perdez-vous dans la taïga, jouez avec la lumière, comptez, chantez, dansez, mettez la scène dans une salle d’exposition, vrillez la partition, balayez les spectateurs, inventez le désert. Ceci n’est plus une revue c’est un spectacle, une performance, un geste, une danse, une exposition, une musique, un service à mettre en œuvre.
Les lire c’est déjà les activer.
Faites-les vivre, encore, différemment. C’est à vous. »
 

Comme chaque saison, les adhérent.e.s (petits et grands) des ateliers arts visuels du PHAKT présentent les productions réalisées dans les ateliers à partir d’une thématique commune à tous.

C’est travaux ont été réalisés sous la conduite de nos intervenants, Céline Géraud et Maria Revilla pour les arts plastiques et graphiques, Jacques Mahé pour la Bande Dessinée et Alexandre Texier pour la photo.

Le thème de la saison 2020 – 2021 : Une découverte subjective d’un monde végétal rural, sauvage et urbain.

La nature et le végétal sont des thèmes centraux en art. Longtemps traité comme décor durant des siècles, la nature reste toutefois un élément narratif ou symbolique important dans un tableau. Elle devient un sujet autonome au 16^ème siècle avec la peinture de paysage. La volonté des artistes est alors de sublimer la nature pour en faire un genre à part entière aussi important que le portrait ou la nature morte. Avec l’arrivée de la photographie ou encore les tubes de peintures au 19^ème siècle, de nouvelles approches artistiques apparaissent, avec par exemple les Impressionnistes qui s’intéressent à saisir l’instant et peignent alors une nature suggérant avant tout une émotion. Sujet inépuisable, au 20^ème siècle la nature devient support avec le mouvement du Land Art et reste au cœur des sujets traités par les artistes aujourd’hui avec l’implication écologique.

Vous trouverez dans cette exposition l’ensemble des travaux des adhérent.e.s juxtaposés les uns aux autres, pour révéler un panorama de paysages présentant une nature parfois fantasmée, parfois symbolique ou réaliste.

Une exposition révélant la nature comme paysage, trace du temps mais aussi comme écosystème parfois modelé ou dominé par l’Humain, amenant donc à nous poser la question de notre impact et notre place dans notre environnement ?

This exterior work is permanently on view for one year. Quentin Montagne searches in certain spheres of popular culture, and in art history, for what he calls “elements linked to the Wonderful”. His monumental work, Pellucidar, created specially for Minoterie21, seems to conjure up an exotic and alternative paradise.

In the context of artists’ residencies supported by an initiative of the Drac and Regional Council, the municipality of Peillac has partnered with Minoterie21 to invite the artist, Stéfan Tulépo in residence. Acting like an archeologist of the present and of our collective memory, Stéfan Tulépo’s practice is resolutely pluridisciplinary in nature. The exhibition at the end of his residency brings together his photos of ephemeral installations, alongside a number of found objects that end up as sculptures made with a grinder, projections of glass fragments or etchings made on a number of unexpected surfaces.

Commissaire associée à la galerie Quinconce, Doriane Spiteri propose le cycle TACTIQUES composé de deux expositions collectives. Installations, protocoles, jeu de société et vidéos : cette première exposition explore la manière dont les artistes se font tacticiens pour se jouer du monde du travail. 

En bricolant leur monde, les artistes présenté.e.s interrogent la financiarisation de la société, la place de l’individu dans le monde du travail. Ils.elles pointent les failles du système, les codes et espaces du pouvoir face à l’efficacité et la compétitivité. Alors que les nouvelles techniques de management ont récupéré à leur compte les capacités créatives des individus, modifiant profondément notre rapport au travail, les artistes usent de tactiques et de ruses en injectant une marge de créativité à l’intérieur d’un système à bout de souffle. 

He feared the navy blue color would reach him, overwhelming him with a sweet melancholy. Through the crack of the Knowledge Gate, we could hear the sounds of a squeaky, bewitching beach siren. The defective bolt had lied about its use. The birds should have migrated smoothly, reaching the idyllic island of ancient

thickness, but no pain could describe the absent strength of tired wings… Fragility of calm seas… straight lines… Undecided raft of a chamber with a view. Gulls, seagulls and dying bodies washed up on the mattress in indecisive reverie. Cliff of the castaway, islet where to pass away, life wanders in front of danger. Lockers strewn with 

algae, swift hatching, light blue, reflection of an edge. Death who lives with electric sweetness. Farewell, Mary Shelley, farewell kingdom. Hello shore, hello memory, hello another day. The light passes through the slats of the blind. Fragmented vision of a store erased from the empty shelf. At a glance she kisses and is lost in doubt,

with a second wink she wonders convinced. Everything was to be understood, but nothing will allow it. It just had to be seen as an exercise in style. A thought that lets go and gets lost in the chromatic unknown.

Reverie and gigantism.

An XXL world of disproportionate proportions offering a universe full of hope for a sweet future, in which Man respects the living and allows himself to keep within himself the joy and innocence of childhood.

Cyrille André is a sculptor living in Marseille. His large format work offers to take part in what interests him: questioning humans and what remains of their origins, the animal part that still inhabits them.

Riad, c’est l’idée d’un jardin en arabe, un jardin cultivé, que l’on entretient, que l’on compose en fonction de la saisonnalité, de ses fruits, des couleurs. Dans l’architecture maghrébine, le Riad est un espace circonscrit, un jardin de l’intime. !

Pour sa première exposition personnelle, Élise Hallab explore la dualité de la composition des jardins, entre le dessin de massifs et la création de motifs végétaux ornant le foyer. Le processus de création mis en œuvre se joue entre extérieur et intérieur, entre le temps de la cueillette et celui de la réalisation des couleurs et de l’impression en sérigraphie. 

Ici, les végétaux sont autant les matériaux utilisés que l’objet de la représentation. Un jeu s’opère entre les plantes, leur couleur et l’espace coloré qu’elles créent ainsi qu’avec l’imaginaire qu’elles suggèrent. L’architecture du lieu entre alors en résonance avec celle d’un Riad, le temps d’un été.

«
Cultiver un jardin, en manger les fruits
et dessiner avec.
S’asseoir et contempler le paysage.
Dessiner un jardin et composer
l’implantation des massifs.
Regarder le jardin pousser.
À un certain moment,
Cueillir les fleurs, les feuilles, les fruits
et parfois les écorces du jardin.
Mélanger séparément.
Imprimer le jardin.
Composer une étendue colorée.
Observer les rapports de couleurs »

The sound installation “Kokin (…) Slendro gahter” the main issues that run through Julien Grossmann’s works feed by ethnomusicology and the relationships between music, power and identity.

The artwork, six rotating sound dioramas, invites us to travel the world through the six main musical scales, each represented by a small island placed at the center of a vinyl record. On the six LPS, six different musical pieces composed and played by the artist on a synthesizer taking up one of the six musical scales and the tone of a traditional instrument. Each instrument piece is not in real concordance with landscape it is presented with. Julien Grossmann uses here music as a cultural landmark, a geographical marker. Through this sound and visual dioramas the artist plays with our perceptions and representations of the faraway, what is exotic. An imaginary itself colonized by the colonial heritage, that Julien Grossmann offers us to explore.

Elsa & Johanna have made it their obsession to get under the skin of others. Slipping into the daily lives of strangers, they travel through geographical and cultural territories to adopt other realities. Invited by the Frac Bretagne to “flag” the streets of Saint-Briac, the two artists invest some fifty flags, projecting this small seaside town into the peregrinations of their combined gaze.

Like birds, we are bipedal and aerial. Like the ground on which we rest, we inhabit the sky, the atmosphere is our environment. Compared to the horizontality of our territories and their cartographic representations, the sky always seems virgin, above and extended, an unattainable and common immensity. Yet it is quite constructed, measured, conquered and traversed.
We move and communicate, in part, by crossing the air by plane but also via electromagnetic waves (radio, telephony, wi-fi). After the conquest of our atmosphere by these technologies (and more generally by industrialization and carbon-based motorization), the constellations of satellites are now invading low Earth orbit (located just above our thin atmospheric film) to sweep the surface of our globe ever more efficiently and feed the clouds that aggregate our masses of data. Our conquest of oil but also of other resources takes us to the other side, to descend more and more deeply into the deep geological layers. Ground and sky have never been so connected, so interdependent, but more and more distant.
The Galerie des Petits Carreaux, buried but lit with zenithal light, paradoxically stirs up our relationship to the above. In this folded space, my proposals combining gestures and patterns, will construct possible stories: connect the tiny scale to immensity, repeat gestures like raindrops, collect empirical and fictitious data, draw vertical horizon lines , map the blue of the sky, build atmospheric representations ...

Peut-on suspendre une ombre ?

Mathilde GELDHOF et Alexandre LUU

Artistes en résidence 

Mathilde Geldhof et Alexandre Luu sont en résidence à Saint-Jacut-de-la-Mer. Ils y ont mené un travail de recherche, qui les a conduit à la réalisation de nouvelles œuvres photographiques et de dessins. Ils ont choisi de les rendre visibles grâce à des impressions sur tissus accrochés dans les jardins de l’abbaye. Les images créées deviennent des formes singulières, jouant avec les caractéristiques de la matière et de son installation. En écho aux usages du lieu, l’exposition est pensée comme une déambulation, où les images sont à la fois objet et décor.

Jardins de l’Abbaye de Saint-Jacut
3 rue de l’Abbaye 22750 Saint-Jacut-de-la-Mer

Du 3 juillet au 29 août 2021
Entrée libre tous les jours de 10h à 19h

Vernissage le 2 juillet 2021 à 17h (dans le cadre du Festival « La houle les mots »)
Visites guidées tous les mardis à 17h30

Par le biais de la photographie, la conception éditoriale et la vidéo Maxime Voidy propose un autre regard sur les diverses formes architecturales, qu’elles soient dans un paysage urbain ou rural. Il axe sa recherche sur des territoires inhabités ou inhabitables et s’efforce de révéler leurs spécificités. Il parle de l’homme et de son impact sur l’environnement à travers la trace qu’il laisse derrière lui.

« La maison dans laquelle se tient L’aparté était la résidence secondaire de mon arrière-grand-père Pierre Guyard, habitant et maire de Boisgervilly de 1935 à 1944. Il venait très souvent au domaine afin d’assouvir ses deux passions ; la chasse à courre et la pêche en bateau. Mon grand-père, né en 1937, a passé une partie de son enfance près de ce lac, ses souvenirs sont vagues, mais son sourire en coin en dit long sur les beaux moments qu’il a pu vivre dans cette campagne. Ce domaine était déjà entièrement dédié aux activités de loisirs, c’était un lieu de rassemblement pour la famille, les amis, un petit bout de nature à l’écart du monde où il faisait bon vivre. On y venait pour manger, se promener, se baigner, faire du bateau, pêcher, chasser, faire la fête… Rien de bien différent des activités de nos jours. »

Alors que la nuit tombe se présente comme l’assemblage de deux expériences menées en parallèle ; un travail de mémoire et d’archives de cette histoire familiale et une recherche sensible sur le territoire par la photographie. Au fil des saisons, Maxime Voidy a exploré les berges du lac à la nuit tombante accompagné de son appareil photographique et des souvenirs glanés auprès de ses proches. Il en résulte un paysage fantasmé où viennent s’entremêler les songes d’un territoire épargné et les anecdotes du passé.

The festival heads North and highlights the creative and poetic power of artists from Northern Europe. With their diverse photographic approaches – some explore the harshness of their environment while others investigate the complexity of our modern evolutions  – these photographers awaken our consciousness to better understand the world of tomorrow.

Suite à des ateliers encadrés par les enseignants Vincent Jouve et Pauline Marchant auprès d’étudiants de Licence 3 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Bretagne, le projet s’intéresse à la transformation d’un fragment urbain dont la situation est représentative des problématiques contemporaines d’habiter dans un centre ville. Les réflexions menées dans l’atelier intègrent la prise en compte d’un héritage urbain et la formalisation d’une stratégie de reconquête par l’espace public et le logement qui génèrent de nouvelles conditions d’habiter.

En partenariat avec l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Bretagne

Run by Lendroit editions, the artistic project 4X3 was proposed and elected to the participative budget of the city of Rennes. Installed at 75 avenue Aristide Briand in Rennes, three large format panels welcome huge artists posters visible to all, as many windows open on the current artistic landscape.

Each year, four artists are invited to present a selection of 6 images of 4 meters on 3 meters, which the public can discover at any time, 7 days a week and 24 hours a day.

Contemporary art invites itself into the open public space. Come and discover 4X3, a unique initiative accessible to all.