Passerelle Centre d’art contemporain et Documents d’artistes Bretagne fêtent les 10 ans du programme de résidence Les Chantiers. À cette occasion et en partenariat avec l’École européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Quimper, l’exposition Retour de flamme regroupe les oeuvres des dix-huit artistes ayant participé, entre 2013 et 2023, à ce dispositif de soutien aux artistes émergent·es vivants sur le territoire breton. Une salle dédiée à la documentation met en valeur les textes des critiques invité·es et les portraits filmés des artistes en résidence.

Retour sur ces artistes qui, à la sortie de leurs études, ont bénéficié d’un accompagnement privilégié, d’un regard critique personnalisé pour mener à un bien projet original.

« Sweet Dreams » [Doux Rêves] est la première monographie institutionnelle de Philemona Williamson en Europe. Williamson, née en 1951 à New York, a enseigné dans des écoles d’art aux Etats-Unis et a marqué de nombreux artistes des jeunes générations. Venant d’une famille afro-américaine modeste, elle étudie dans les années 1970 au Bennington College puis à la New York University et résiste aux chants des sirènes du minimalisme et de l’abstraction très en vogue à l’époque. Elle a exposé dans de nombreuses institutions aux Etats-Unis et a obtenu le prix Joan Mitchell en 1997.

Ses œuvres ont toutes une histoire, souvent personnelle, parfois anecdotique. Williamson dépeint une Amérique tantôt pleine d’espoir, tantôt cruelle à travers la vie quotidienne et intime d’adolescents, d’enfants et de jeunes gens. Elle cherche à transcrire ce moment délicat et si éphémère du passage dans la vie d’adulte, ce moment où les jeux d’enfants deviennent déphasés, désuets ou gênants. Ses peintures figuratives sont colorées et chaudes, elles attirent l’œil qui tente de comprendre la narration dans les détails. Souvent des marqueurs de l’enfance symboliques tels que des poupées ou des jeux sont représentés, bien mis en évidence dans le foisonnement des mouvements et des formes. Les corps sont noirs et blancs et évoquent une Amérique métissée. La beauté des œuvres de Williamson réside dans l’universalisme de ses compositions, dans ses couleurs presque rêvées et les infinités d’interprétations possibles – chacun pourra y projeter ses joies, ses plaisirs ou ses angoisses.

Le titre « Sweet Dreams » est emprunté à une peinture délicieuse présentée dans l’exposition : deux adolescentes semblent rêver d’une profusion de cupcakes – ces gâteaux typiquement américains dont l’esthétique prime presque sur le goût. Le titre rappelle la chanson éponyme du groupe Eurythmics dans laquelle « Everybody’s looking for something » [Tout le monde est à la recherche de quelque chose]. Williamson, elle, cherche à représenter l’histoire parfois rude de la jeunesse qui bascule dans le monde des adultes.

Marc Didou (1963, né à Brest, vit et travaille à Lesneven‑FR et Rossiglione‑IT) est rentré à l’école des beaux-arts de Brest pour peindre et dessiner mais dès sa sortie, il a renoué avec le métal qu’il manipulait depuis l’enfance dans l’atelier de son père, ferronnier. Retrouver la matière, le tangible, ‟cette matière indocile”, qui a besoin de l’air et du feu, du marteau, pour prendre forme, comme un retour à l’origine. Un choix conforté par la rencontre avec le sculpteur américain Mark di Suvero (1933, né à Shanghai) à Brest puis à New-York qui l’a ouvert à l’espace public et au monumental. Enfin, il y a l’Italie où il a vécu et continue d’y montrer son travail, avant de vivre et de travailler à nouveau à Lesneven.

Ce retour à l’origine, dans tous les sens du terme, est aussi un retour à la nature, celle qui nous entoure mais aussi celle des Atomistes de l’Antiquité grecque – un courant philosophique et physicien affirmant que la matière est discontinue et composée d’éléments insécables – dont il retient la poésie et cette ‟vision de l’invisible”. Rien ne se perd, tout se transforme et ce qui arrive était déjà là, comme la larve et la chrysalide dans le papillon.

De l’abstraction aux formes naturelles, entre réel et illusion, la création commence par une mise à plat et une déconstruction des éléments. Elle naît du rebut industriel, du fragment et du dispositif mis en place, le principe de l’organique avec la série des « Plasma », le maillon de la chaine, le miroir et les « Anamorphoses » ; un tuyau de pipeline ouvert et retourné est rendu à l’arbre. Par la découpe, l’assemblage et la soudure, le sculpteur rejoue les cycles de la vie dans une matière qui résiste.

Les titres à la fois poétiques et descriptifs de l’exposition ont été choisis par l’artiste. Un verbe, Transformât, à l’imparfait du subjonctif sert d’énoncé pour le plaisir de la narration et l’idée d’un passé et d’une action toujours en cours. Les bas-reliefs de la série Ouvrefer résultent du geste de couper en deux le métal et du hasard des formes, qu’il s’agira d’agencer. Reversus et Ana-morphé approchent le réel et son double enfoui, l’apparition de la forme et du point de vue, métaphores de la pensée en acte de l’artiste.

Elsewhere [Ailleurs] est une nouvelle série et la première exposition institutionnelle personnelle d’Alia Farid (1985, Koweït) en France. Travaillant essentiellement avec le film, la sculpture et le textile, Alia Farid re-dévoile des histoires marginalisées ou méconnues dans les pays dits occidentaux. Dans ses œuvres, les communautés, les pratiques locales et les traditions sont reconsidérées et retrouvent une nouvelle puissance symbolique et politique.

Seize tapis tissés et brodés à la main sont installés dans l’espace du rez-de-chaussée de Passerelle. S’inspirant de photographies, d’archives et d’entretiens avec la population locale, ceux-ci décrivent des paysages urbains – bâtiments, devantures de magasins et publicités – qui évoquent la présence de la diaspora palestinienne sur l’île de Porto Rico (Etats-Unis). Des représentations de pharmacies et de restaurants, détenus et gérés par des Palestiniens, côtoient des images de mosquées aux couleurs vives et d’un menu détaillant la « cuisine arabe ».

Fruit d’une étroite collaboration entre l’artiste et les artisans de la ville de Samawa, dans le sud-est de l’Irak, les tapis ont été fabriqués en combinant le tissage à plat et une manière de coudre typique de cette région. L’architecture, l’écriture arabe et espagnole, et les motifs traditionnels se multiplient, illustrant la manière dont les migrations d’une région du Sud à une autre fait émerger de nouvelles significations et formes tout autant que des représentations partagées de résistance et de solidarité. Suspendue en plusieurs rangées parallèles, l’installation crée des vues panoramiques et une superposition de l’histoire vécue et de la routine quotidienne.

Elsewhere est une archive matérielle en évolution croissante qui retrace la façon dont les styles, les symboles, les rituels et d’autres dispositifs sociaux se rassemblent à travers les continents. Il s’agit du premier chapitre d’un projet de recherche en cours, initialement conçu en 2013, qui cartographie les migrations arabes et sud-asiatiques vers l’Amérique latine et les Caraïbes. D’autres sites d’investigation incluent d’autres pays dont Trinidad, Cuba et le Mexique. Dans ce processus cumulatif et répété, Elsewhere marque un carrefour inédit d’une carte complexe qui, souvent, nous échappe.

En contrepoint à cette nouvelle installation, les films Chibayish de 2022 et de 2023 sont également présentés, évoquant l’impact des industries du pétrole notamment sur le tissu social et écologique du Sud de l’Irak et du Koweït. Dans Chibayish, Alia Farid suit de jeunes habitants des marais qui présentent leur pays d’origine et ses communautés. Le résultat est un portrait époustouflant d’un paysage naturel façonné autant par des modes de vie intimes et communautaires que par la guerre, l’extraction des ressources et l’industrialisation.

« Passerelle est ravi d’annoncer une collaboration pionnière avec MojennLab, une startup bretonne avant-gardiste spécialisée dans la création de légendes anciennes et modernes et l’optimisation de l’offre touristique. Cette alliance inédite entre le centre d’art et l’originalité créative starteupante marque un tournant passionnant dans le monde de l’art contemporain. MojennLab, reconnue pour sa capacité à transcender les limites de l’imagination, s’est associée à Passerelle pour donner vie à une exposition qui redéfinit les normes de la créativité. En combinant l’histoire et la narration, l’équipe de MojennLab fait naître des expériences uniques et inoubliables. MojennLab offre, notamment aux collectivités, des packages de mythes imaginés sur mesure pour chaque territoire : dragons, ovnis, zombies mangeurs de cervelles ou encore réincarnations de Jeanne d’Arc ou de Charles Martel.

Le directeur de Passerelle, Loïc Le Gall, exprime son enthousiasme quant à cette collaboration exceptionnelle : « Passerelle a toujours été dévoué à la célébration de l’art sous toutes ses formes. En s’associant à MojennLab, nous avons l’opportunité de repousser les limites de notre engagement envers l’innovation artistique et entreprenariat et de présenter à notre public une expérience artistique incroyable. » Le cofondateur de MojennLab, Guildern Le Guenec’h, se réjouit de cette visibilité : « Avoir la chance de montrer ce dont nous sommes capables dans un centre d’art tel que La Passerelle montre bien l’ambition originale et internationale de MojennLab. Nous sommes là pour écrire le tourisme de demain et je suis sûr que l’art peut, en quelque sorte, nous être utile ». »

Diplômée de l’Ecole européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Brest et lauréate 2023-2024 du programme Les Chantiers Résidence, Ondine Bertin (1995) propose une aventure inédite à Passerelle en inventant une entreprise fictive spécialisée dans la création de légendes pour des territoires qui n’en ont pas. Son univers est caustique, se moque doucement du monde de l’entreprise et de ses codes, depuis les teambuildings, parfois absurdes, à la novlangue franglaise et spécifique des nouveaux métiers, et examine la notion d’utilité du travail, de bien-être et d’accomplissement.

Son entreprise MojennLab, mot valise comprenant Mojenn, légende en breton, et Lab pour laboratoire est suffisamment étrange et aboutie pour être presque crédible dans ses missions de consulting touristique. Si le discours est parfaitement plausible, les images, elles, trahissent un recours à une intelligence artificielle perfectible – que l’artiste revendique –, qui crée souvent des glitchs (une légère défaillance numérique qui est inattendue) horribles tels que des visages déformés.

En imaginant un cadre qui pourrait être réel, elle interroge la place de la vérité et de l’information dans notre monde actuel où la fake news est devenue reine et n’est presque plus distinguable de la news. Comment l’histoire se constitue ? Comment est-elle parfois falsifiée ? sont autant de questions graves qu’Ondine Bertin développe dans son exposition sous couvert de son humour tantôt noir, tantôt premier degré.

Passerelle invite l’Atelier Magma pour une exposition collective inédite. L’Atelier Magma est une association créée en 2023 par et pour un groupe d’artistes, de designeuses et de designers de Brest et du Finistère. L’objectif est de fédérer des artistes du territoire afin de trouver et de gérer un espace de travail collaboratif. Et pour cause, les moments de partage, de rencontre et de réflexion nourrissent la création et favorisent la transversalité des pratiques. La nécessité était évidente : il faillait se regrouper pour exister et créer.

Ce groupe n’a donc pas de cohérence ou de pratique artistique commune. Les personnes qui le constituent se connaissent pour part d’une expérience en cours à l’ancien Cercle naval de Brest – la mise à disposition gracieuse par Brest métropole en 2021 d’ateliers à des artistes installé·e·s sur le territoire répondant à un appel à projet – et d’autre part de leur émergence des écoles d’art de Bretagne, notamment de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Brest. Les membres de l’Atelier Magma n’ont jamais exposé ensemble et, pour certain·e·s, cette occasion est une première opportunité de montrer leurs œuvres dans le cadre d’un centre d’art contemporain.

L’exposition rassemble 17 artistes ou entités membres de Magma. Malgré la grande hétérogénéité des corpus des œuvres, une thématique s’est doucement dégagée : les notions de la trace et de la mémoire. « Que reste-t-il d’une collaboration entre des artistes et des habitant·e·s d’un lieu ? Quels moments de vie sont à conserver et sous quelles formes ? Quelle réalité doit-on sauvegarder ou modifier ? » sont tant de questions qui s’imposent en visitant l’exposition. Au-delà des indices et des propositions apportés par bon nombre d’entre elles et eux, une interrogation majeure émerge petit à petit en filigrane : quelle est la place de l’artiste dans notre société actuelle si polarisée ?